La Soga

Revisando la cartelera

2008-11-24T16:44:13Z

Un repaso por algunos títulos recién estrenados y algún otro que sobrevive en nuestra cartelera comercial. ¿Qué tienen en común la nueva aventura del agente 007 con las historias de alcoba de la corte de Enrique VIII? ¿Comparten algo un drama mexicano con el superpublicitado musical de ABBA? No mucho salvo que "Quatum of Solace", "La otra reina", "Arráncame la vida" y "Mamma Mia!" pueden ser vistas estos días en los cines limeños.

Hermanas. Natalie Portman y Scarlett Johansson son las hermanas Bolena, rivales por el amor del rey Enrique VIII en "La otra reina".

]]> LA OTRA REINA

Los grandes amores de la historia han sido una fuente casi inextinguible de inspiración para el cine desde su invención. Y dentro de sus favoritas ninguna como la vida amorosa de Enrique VIII de Inglaterra. Sus muchos matrimonios y extravagancias pasionales lo convirtieron en un monarca visitado por el cine y la televisión hasta el cansancio. Especialmente su relación con Ana Bolena.
Esta inquieta dama no solamente famosa por sus ambiciones y belleza ha sido un personaje por el que han desfilado actrices tan diversas como Henny Porten (1920), Merle Oberon (1933), Vanessa Redgrave (1966), Genevive Bujold (1969), Charlotte Rampling (1972), Helena Bonham-Carter (2003) y Natalie Dormer (2007), entre otras. En esta ocasión su genio y figura llevan la imagen de Natalie Portman, quien se las arregla para ser una de las atracciones de “La otra reina”, de Justin Chadwick.
Pero como indica el título del filme –es válido para “La otra reina” tanto como para “The Other Boleyn”– no es Ana Bolena la protagonista, sino su casi olvidada hermana Mary, interpretada por Scarlett Johansson.
Lamentablemente no se trata de una película especialmente inspirada. Es más bien una revisión de una historia muy conocida que apuesta por el sensacionalismo al poner énfasis en la relación entre el rey y las dos hermanas Bolena. Por supuesto se trata de una película y no de un estudio histórico, por lo que sus realizadores pueden tomarse todas las libertades y licencias que quieran. Pero dentro de esas libertades bien pudieron apostar por un mayor énfasis en el drama que semejante triángulo pudo vivir.
Es cierto que el trabajo de Portman y Johansson puede resultar de interés. Sobre todo porque nadie las tomaría en serio como los personajes que interpretan. Son actuaciones superficiales pero cuidadas en sus detalles y que lucen como un festival a nuestros ojos cuando aparecen juntas en la pantalla. Peor está Eric Bana, un actor habitualmente competente, pero que se comporta en esta cinta con absoluto desinterés. Su presencia impone poco en un escenario donde debería ser el centro. ¡Qué lejos de las interpretaciones de Richard Burton o Robert Shaw en filmes anteriores! Bana se pasea por la pantalla y solo le falta bostezar.
¿Qué más deberíamos decir de “La otra reina? ¿Que los vestidos son bonitos, los escenarios adecuados y la fotografía correcta? Nada de ello hace que un filme sea bueno. Porque sus principales elementos –el guion y la puesta en escena– carcecen de creatividad y emoción. Imperdonable frente a semejantes personajes que intenta retratar.

The Other Boleyn Girl (EE.UU.-GB/2008), de Justin Chadwick. Con Natalie Portman, Scarlett Johansson, Eric Bana, Kristin Scott Thomas, Jim Sturgess, Mark Rylance, Ana Torrent, etc. 115 minutos.

ARRÁNCAME LA VIDA

Pero si se trata de alabar los elementos de la producción nada como "Arráncame la vida". Y es que, la verda, no podríamos esconder nuestro asombro frente a la inversión que debe haber significado esta realización mexicana. Dirigida por Roberto Sneider, la cinta ostenta la condición de superproducción por su cuidada reconstrucción de época, el perfecto acabado fílmico y una manufactura clásica pero armada con oficio. Y hasta aquí los logros.
En adelante lo que tendremos es un melodrama en la misma tradición del cine mexicano, adaptado a nuestros días (se pone especial énfasis en la vida sexual de su protagonista), pero contado con tanta frialdad que difícilmente nos produce alguna emoción. Tal vez el temor de caer en los viejos clichés ha llevado a su director a conducir la historia de manera tan cerebral y calculada, que poco puede hacer para que algo luzca real. Las imágenes que se suceden frente a nuestros ojos pueden ser bellas y bien compuestas, pero no pasan de ser fotogramas que bien podrían ilustrar la próxima edición de la novela de Ángeles Mastretta en la que se basa. Cuadros vivos. Es la impresión que “Arráncame la vida” me produce. Una sucesión de escenifaciones para ser fotografiadas. ¿Dónde está el dolor y la alegría? ¿Los temores diarios a los que se ve sometida su protagonista? ¿La sensación de opresión y posterior liberación? Nada aparece en la pantalla.
Los actores siguen las indicaciones de su director con el mismo tono que tiene todo el filme. Son competentes hasta cierto punto. Pero están atrapados dentro de un refrigerador y nunca nos contagian sus emociones. Ana Claudia Talancón puede resultar apropiada en algunos momentos. Pero su presencia tiene poco impacto y difícilmente nos hace cómplices de sus deseos, tal como sucedió en "El crimen del padre Amaro". Mejor está Daniel Giménez Cacho, aunque su personaje nunca luce como una amenaza real. Es más, resulta seductor y divertido, sin evolucionar en lo más mínimo. José María de Tavira, como el compositor que se roba el amor de Catalina, no está mejor que cualquier actor novato en alguna telenovela de Televisa. ¡Cuánto bien le habría hecho a este melodrama una pizca de tensión! En comparación, cualquier vieja película de Dolores Del Rio luce más viva.

Arráncame la vida (México-2008), de Roberto Sneider. Con Ana Claudia Talancón, Daniel Giménez Cacho, José María de Tavira, etc. 120 minutos.

QUATUM OF SOLACE

Perdidos. Daniel Craig y Olga Kurylenko recorren el desierto chileno en "Quantum of Solace".

Nunca disfruté tanto de una película de 007 como con “Casino Royale” (2006). Y créanme que soy sincero cuando afirmo que Daniel Craig es mi James Bond favorito. Alguien me dijo que me equivocaba porque no había nadie como Sean Connery. Y es cierto. Pero también diré que ninguno de los veinte primeros títulos de la serie me parece realmente interesante desde un punto de vista cinematográfico. Hay cosas que aprecio –sobre todo el perfil del héroe– pero siempre pensé en “Dr. No” (1962) y todas las demás cintas como entretenimientos excesivamente extendidos, sin un guion consistente y llenos de episodios prescindibles. Por eso, tal vez, me gusta tanto “Casino Royale”, porque no es un Bond típico. Todo lo contrario.
Renovada la propuesta nos encontramos con su continuación directa: “Quatum of Solace”, que intenta repetir la fórmula aplicada hace dos años. Sobre todo al principio, cuando la película nos introduce en una vertiginosa persecución. Luego encuentra su propio camino sin superar a su predecesora. Pero vamos por partes.
En esta oportunidad James Bond se enfrenta a sus enemigos en busca de venganza (¿recuerdan el sacrificio de Vesper al final de “Casino Royale”?). Salta de un continente a otro, desafía todos los códigos de conducta, rompe la ley a diestra y siniestra. Su visión de la justicia es tan personal que para implantarla nada lo detiene, ni siquiera las amenazas de M (Judi Dench).
Como era de esperarse en su camino encuentra a una mujer de irresistibles encantos y con una venganza propia. Es Camille (Olga Kurylenko). Junto a ella seguirá por un camino de dificultades que lo llevan alrededor del mundo. Hasta que, finalmente, será en Bolivia donde pueda terminar su obra.
Es allí donde la acción se detiene y encontramos más bien un drama donde el suspenso desaparece , salpicado de un poco de violencia, para dar paso a situaciones menos intensas.
¿Dónde está el problema? Creo que en el director. En la apuesta de Marc Forster (“Cometas en el cielo”). Porque aunque ha sabido imprimir una huella personal, el tono con el que asume el drama de la doble venganza no se encuentra en el nivel que una película de James Bond necesita. La cinta comienza a desgastarse cuando se enfatiza el drama, justamente en las secuencias que supuestamente suceden en Bolivia. A partir de entonces las emociones se van perdiendo para no volver a recuperarse. Es más, ni siquiera hay un romance entre los protagonistas, lo que puede resultar muy coherente en un plano realista, pero que le resta emoción al filme como pieza de entretenimiento y fantasía. De manera que como en anteriores cintas de la serie, “Quatum of Solace” será recordada por determinadas secuencias. Elijo dos: la persecución cuerpo a cuerpo entre los agentes secretos casi al comienzo del filme y la representación de “Tosca” en el lago Constanza, en Austria.

Quantum of Solace (EE.UU.-GB/2008), de Marc Forster, con Daniel Craig, Olga Kurylenko, Judi Dench, Mathieu Amalric, Giancarlo Giannini, Jeffrey Wright, etc. 106 minutos.

MAMMA MIA!

Música maestro. Meryl Streep, Christine Baranski y Julie Walters se esfuerzan por ser divertidas y encantadoras en "Mamma Mia!".

Sucedió lo imposible. Una mala actuación de Meryl Streep. Aunque, claro, todo en “Mamma Mia!” -desde sus inicios teatrales- no es más que un cúmulo de accesorios kitsch dirigidos a satisfacer exclusivamente a los amantes de las canciones de ABBA.
La trama es tan simple como bobalicona y no hay problema en ello. Después de todo gran parte de los mejores musicales de la historia del cine son así. Y el reto está justamente en crear una lógica dentro de un determinado universo de fantasía. "Meet Me in St. Louis" (1944), de Vincente Minnelli, solo tiene una línea en su argumento: Una familia decide mudarse de St. Louis y las cuatro hijas se entristecen por ello. Es todo. Y sin embargo es una obra maestra.
El problema con “Mamma Mia!” es que solo enfatiza sus aspectos más chirriantes y ahí está el problema. En lo imposible que resulta admitir que podemos entretenernos con semejante cúmulo de disfuerzos.
El ensamblado de las canciones es muy forzado y ver al reparto interpretando cada tema es tan bochornoso como ir sobrio a un karaoke.
Meryl Streep hace un esfuerzo tremendo por sentirse cómoda en el papel de la mujer que debe revelar la identidad del padre de su única hija. Se mueve sobre los escenarios sin el aplomo que ha caracterizado toda su carrera y sus interpretaciones musicales son básicas, sobre todo en cuanto a la gestualidad. Y, claro, si ella no resulta adecuada ya se imaginan lo que sucede con Pierre Brosnan. Papelón. Realmente.
No hay mucho más que decir de una aventura tan decepcionante.

Mamma Mia! (EE.UU. 2008), de Phillyda Lloyd. Con Meryl Streep, Pierce Brosnan, Colin Firth, Stellan Skarsgard, Christine Baranski, Julie Walters, Amanda Seyfried, Dominic Cooper, etc. 108 minutos.

Dos filmes peruanos: "Dioses" y "Un cuerpo desnudo"

2008-11-17T17:37:02Z

Dos películas que suponen dos maneras de hacer cine. Ambas cuentan historias cercanas a nosotros pero desde puntos de vista totalmente diferentes. "Dioses" explora en la alta burguesía limeña y "Un cuerpo desnudo" en las vínculos del machismo. Son las nuevas películas de Josué Méndez y Francisco J. Lombardi.

Actuaciones dispares. Edgar Saba y Maricielo Effio en "Dioses".

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DIOSES

Me gusta “Dioses”. Siento la presencia de un autor en cada escena. Hay una propuesta narrativa coherente y a través de su estilizada presentación encuentro elementos muy valiosos.
La historia es simple a primera vista. Pero esconde un entramado bastante complejo e inquietante. Es cierto que su visión de una clase alta limeña resulta estereotipada pero tampoco hay manera de retratarla de otro modo si se trata de una película dirigida a enfatizar sus rasgos más irónicos.
Cada personaje juega un papel de interés y se mueve dentro del universo creado por Josué Méndez con seguridad. Así consigue contarnos un cuento donde las apariencias sociales cubren una realidad sórdida y promiscua.
En este mundo tan cerrado una familia se desenvuelve con aparente normalidad. Pero las cosas no son así. El padre vive por y para su más reciente capricho sexual; los hijos llevan una existencia vacía y desordenada, lejos de una madre a la que nunca vemos; la amante del padre juega sus propias fichas a ganador, ocultando su realidad; los amigos de la familia llenan sus días de intensas actividades inútiles; es el mundo de los dioses sociales, aparentemente poderosos pero tan frágiles como los de la mitología griega.
En cualquier caso hay dos aspectos de “Dioses” que considero sus puntos débiles. Uno proviene de los diálogos, pobres en su mayor parte debido a una apuesta excesivamente coloquial. Es cierto que los chicos limeños hablan como los protagonistas del filme. Pero no estamos frente a un documental. Es necesario un trabajo de dramaturgia más exigente para que esas expresiones coloquiales tengan un significado y enriquezcan al producto.
El segundo elemento perturbador proviene de algunas actuaciones. Es cierto que en conjunto luce bien pero el desenvolvimiento individual presenta mayores dificultades, sobre todo de un Edgar Saba como el patriarca del clan, cuya presencia debería haber sido contundente y no lo es. Débil, superficial e incluso poco entregado en momentos claves (la secuencia íntima por ejemplo). En cuanto a los tres protagonistas: Anahí de Cárdenas, Maricielo Effio y Sergio Cjurinovic, sí consiguen dar en la nota precisa que Méndez requiere. Su apuesta por ellas es todo un logro.
“Dioses” es una película que merece nuestra atención. Nació bajo el mismo estigma que toda segunda película de un director celebrado por su ópera prima padece. Ya en el festival de Lima se escuchaba: “No es tan buena como ‘Días de Santiago’”. Lo que es injusto. Realmente.

Perú, 2008. Dirigida y escrita por Josué Méndez. Con Edgar Saba, Maricielo Effio, Sergio Gjurinovic, Anahí de Cárdenas, Denisse Dibós, Etc.

UN CUERPO DESNUDO

“Un cuerpo desnudo” es desconcertante. Tanto que mi primera impresión es la de estar frente a un filme experimental en donde Pancho Lombardi intenta llevar a la pantalla su reciente experiencia teatral. Pero sería injusto quedarnos en esta idea. Porque no se trata de teatro filmado. Es una película de comienzo a fin, donde el director apuesta por un entorno cerrado, casi claustrofóbico. Tal vez el que ha descubierto desde su exploración en el teatro.
Cuatro amigos se reúnen un sábado para compartir sus aficiones por el pisco sour y las cartas. También para intercambiar confidencias. Son borrachines, jugadores, puteros. Amigos del alma, diríamos. Y, de pronto, una situación inesperada los enfrenta a unos con otros, sacando a relucir sus temores e inseguridades y a poner en prueba su amistad.
“Un cuerpo desnudo” es una radiografía de una sociedad machista. Donde las relaciones masculinas se ven alteradas de pronto por el cuerpo desnudo de una mujer. Así, el universo femenino del filme es totalmente desconocido. Inerte, perturbador e inexpresivo. Los cuatro amigos se sienten desconcertados frente a este cuerpo aparentemente sin alma. No hay manera que lo conozcan y para ellos solamente será un cuerpo.
No soy psicoanalista pero esta lectura nos lleva a preguntarnos sobre las motivaciones para llevar a la pantalla un argumento tan revelador. Donde en el mundo de los hombres no hay lugar para nada que no sea de machos. Incluso es significativo que los amigos se reúnan en la casa de la tía ausente de uno de ellos. Una casita llena de detalles femeninos y que, sin embargo, no les pertenece ni se relacionan con ella. Solamente la habitan, como pudieron habitar el útero materno. Se sienten protegidos dentro de ella. Pero no tienen mayor contacto. Tampoco quieren tenerlo.
“Un cuerpo desnudo” me sorprende por todo esto. Y también por su ejecución. Avanza firme, sin concesiones, de acuerdo a su propuesta. Pero hay un quiebre narrativo en el que siento que la historia va perdiendo impacto. Y es justamente antes de que comience la última partida de naipes. De pronto siento que se ha perdido coherencia en el desarrollo dramático, sobre todo en el personaje de Gonzalo Torres, que evidencia sus limitaciones como actor dramático. De manera que la confrontación final no llega a ser del todo impactante.
Las actuaciones, salvo ese clímax poco contundente (no quiero entrar en detalles para evitar revelar claves de la historia), son de buen nivel. Especialmente Gustavo Bueno, muy dueño de sí mismo. Conmovedor y capaz de llegar a un registro muy intenso. También José Miguel Arbulú, un actor que no conocía y que tiene a su cargo una de las escenas más difíciles, dando en la nota adecuada.

Perú, 2008. Dirigida por Francisco J. Lombardi. Escrita por Joanna Lombardi. Con Gustavo Bueno, Gonzalo Torres, José Miguel Arbulú, Haysen Percovich y Carla Vallenas.

Vuelve Bond, James Bond. Una nueva entrevista con Daniel Craig.

2008-11-14T20:22:47Z

Hace unos años, cuando se preparaba el estreno mundial de “Casino Royale” los nervios de la gente de Sony Pictures estaban a flor de piel. Dos años después, tras el éxito del filme y la confirmación de que Daniel Craig era el intérprete ideal para un James Bond de acuerdo con nuestros tiempos, todo el asunto se repite. Una vez más nos exigen un pacto de confidencialidad por escrito, se prohíbe el ingreso con teléfonos celulares a la sala de proyección en la función de prensa y se monta cuidadosa guardia junto a las personalidades por ser entrevistadas. Como vemos, nada se deja al azar en la promoción de “Quantum of Solace”.

Daniel Craig regresa como James Bond en "Quantum of Solace". Es la vigésima segunda película de la serie fílmica más prolongada de la historia del cine.

]]> En medio del entusiasmo y nerviosismo alrededor de “Quantum of Solace”, Daniel Craig resulta ser el más relajado del grupo. Aparece impecable con un traje oscuro Burberry sin corbata. Lleva un brazo sujeto por un cabestrillo como resultado de un leve accidente. “Después de todo, es usted un ser humano”, le digo apenas toma asiento frente a la mesa donde debemos entrevistarlo. “¿Y quién ha dicho que no lo soy?”, responde intrigado.

Daniel Craig ha tenido que recorrer un largo camino para llegar a este punto de aplomo y seguridad. Pues aunque se trata de un estupendo actor dramático, formado en las reglas más rigurosas del teatro británico, enfrentó el mayor de los retos al aceptar interpretar a James Bond en la cinta que habría de revitalizar la franquicia: “Casino Royale” (2006). Las protestas airadas de los fanáticos del héroe creado por Ian Fleming incomodaron el rodaje de aquella cinta y no fue hasta su estreno que el mundo entero se convenció del enorme poder de convocatoria que el actor tenía. Sean Connery, George Lanzeby, Roger Moore, Timothy Dalton y Pierce Brosnan jugaron con sus propias cartas e intentaron imponer sus respectivos estilos. Algunos triunfaron, otros no. Daniel Craig tenía el compromiso de triunfar, pero evadiendo aquellos aspectos que llevaron al éxito y al fracaso a sus predecesores. Ahora está de vuelta.

Daniel Craig y la ucraniana Olga Kurylenko interpretaron esta escena en el desierto de Antofagasta, Chile.

LAS REGLAS DEL JUEGO

“Quantum of Solace” es una de las más ambiciosas películas de la serie. No solo por los recursos empleados, sino también por las propias metas que los productores Michael G. Wilson y Barbara Broccoli se plantearon. Decidieron llevar la acción alrededor del mundo entero y el equipo de rodaje se trasladó desde el Reino Unido hasta Chile, pasando por Panamá, México, Italia y Austria. “Queríamos filmar en el Perú –me dice Barbara Broccoli–, pero no pudimos. Espero que podamos hacerlo algún día”.
Cada secuencia implicó un amplio número de técnicos y artistas, incluso de extras, como los mil participantes vestidos de etiqueta en la sensacional escena de la ópera en el lago Constanza, en Austria. Pero fue Latinoamérica la que más llamó la atención de Daniel Craig: “Filmar alrededor del mundo ha sido una experiencia excitante”, nos dice. “Pero la hospitalidad de la gente latinoamericana nos sorprendió. Nos invitaba a sus casas. Nos permitía entrar en su privacidad. Lo apreciamos mucho”.

Siguiendo con el tono de “Casino Royale”, el drama encuentra especial énfasis en esta cinta. Y Craig tiene que estar a la medida de las circunstancias frente a actores tan cuajados como Giancarlo Giannini y Judi Dench, quienes vuelven a interpretar a Mathis y a M, respectivamente.

–¿Qué es más difícil para un actor, interpretar escenas dramáticas con actores tan exigentes o las secuencias de acción?
–Mmm… Giancarlo es un actor adorable. Cuando uno actúa con buenos actores, las cosas resultan muy fáciles de hacer. Y en este tipo de películas las mayores dificultades vienen de las exigencias físicas. Porque tienes que hacerlas una y otra vez. El rodaje de cada secuencia de acción no dura horas, sino días. Es agotador.

Alguien menciona que probablemente esta es la película más violenta de la serie. Daniel Craig no se sorprende, pero tampoco lo confirma: “Puede ser. Pero yo la considero una fantasía. Claramente es una fantasía. No se trata de una película realista. Tiene un estilo y presenta todos sus elementos bajo esa marca”.

Un estilo que es resultado del trabajo del director Marc Foster. Ya Barbara Broccoli nos lo dijo en una conversación previa. “La mayoría de detalles son suyos – señaló la productora–. La escena de la ópera, la elección de determinada secuencia musical de ‘Tosca’, todo le pertenece”.

Craig también reconoce el enorme esfuerzo de un director que proviene más bien de un cine discreto y dramático, con títulos como “Cometas en el cielo” (2007). “Me gusta mucho su trabajo. Creo que ha impreso una huella muy personal en esta aventura de James Bond. Le ha dado un estilo propio. Incluso a las escenas de acción. Estoy muy feliz con la apariencia de esta cinta porque luce como las viejas películas de la serie”, afirma el intérprete de James Bond.

El director de origen alemán Marc Foster durante el rodaje con un reparto internacional: el francés Mathieu Amalric, la ucraniana Olga Kurylenko y el británico Daniel Craig.

REDEFINIENDO AL HÉROE

James Bond no es más el espía de sangre fría, seductor y divertido del pasado. Es más bien un ser duro, dedicado al cumplimiento de su propio código de honor. Y en “Quantum of Solace”, continuación directa de “Casino Royale”, debe poner fin a la obsesión que la muerte y traición de una mujer le generaron.
Daniel Craig asume con entereza esas nuevas cualidades. “Lo que más admiro de James Bond es su integridad”, nos dice. “Y aunque no creo que todas sus decisiones son correctas, es un hombre de palabra. Esa cualidad es la que más admiro en él”.

Más allá del carácter del héroe, en esta película han tratado de evitar los viejos clichés, como pronunciar su nombre: “Bond, James Bond” o los ‘gadgets’ y martinis. “¡Adoro esos clichés!”, exclama Craig. “Pero nos dimos cuenta de que no eran necesarios en esta película, al igual que los ‘gadgets’. ¿A quién sorprenderían? El mundo está lleno de ellos. Ya no es necesario que James Bond los presente. En cuanto a los martinis... me gustan. Muchos martinis”.

–Tampoco es el mujeriego de siempre. Ya no es el espía promiscuo del pasado.
–Tiene que ver con la circunstancia que atraviesa. La mujer que ama acaba de morir. Puede tener una aventura por ahí, pero nada realmente importante en ese apartado.

“Quantum of Solace” es también una extravagante oportunidad que recibe James Bond para redimirse. No solo busca descubrir la verdad tras la muerte de su amada Vesper, sino que también enfrenta a una nueva y poderosa organización criminal que intenta apoderarse de los recursos naturales del mundo. En medio de ello surge una mujer enigmática llamada Camille (Olga Kurylenko). ¿Qué significa el título del filme en medio de todo esto? “Es fácil de explicar –comenta el actor con una sonrisa–. Es una de las claves de la historia. Porque se trata de un punto sin retorno... es el instante en el que el sol se va. Parece que está quieto en el firmamento y de pronto desaparece. Tiene mucho que ver con los sentimientos de James Bond”.

Como vemos, se trata de un Bond muy humano. Un personaje que sin duda le ha cambiado la vida a Daniel Craig. “He tratado de mantener mi vida tan normal como he podido”, nos dice. “Cuando estoy en mi casa, las cosas siguen igual. Mi familia es la misma, mis amigos también. Puedo caminar por el barrio tranquilamente. Es diferente cuando viajo”.
–¿Es difícil para usted?
–Lo es. Pero es algo con lo que tengo que vivir.
–¿Lo veremos nuevamente como James Bond?
–Firmé un contrato por dos películas. Pero me haría feliz una más.

Una nueva chica Bond. En "Quantum of Solace" también podemos ver a la británica Gemma Arterton.

Casino Royale (2006). Daniel Craig y la espía que más amó, Vesper (Eva Green).

Paranoid Park, de Gus Van Sant

2008-10-16T17:39:00Z

El realizador Gus Van Sant regresa al terreno que mejor conoce y nos ofrece una película de extraordinaria sensibilidad. Se trata de “Paranoid Park”. Actualizo esta entrada debido a su estreno comercial en Lima el jueves 23 de este mes.

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Gus van Sant vuelve al terreno que prefiere. Al de los adolescentes introvertidos, sensibles y arrastrados por circunstancias externas a sus voluntades. En “Paranoid Park” suma a esa constante una atmósfera onírica, no en el sentido de la idealización de una idea, sino más bien en el tono anestesiante de las emociones. Esa es la gran diferencia entre el tono del autor y la idea común que el cine plasma sobre la adolescencia, con notas estridentes de velocidad, rock, violencia en la edición de las imágenes, energía inagotable, carcajadas y extrema estupidez. Nada de ello hay en la obra de van Sant, menos en este drama donde una quietud casi sonámbula, alarmante por cierto, confiere a todo un sentido de gran verdad.

El drama –una lectura fiel pero personal de la novela de Blake Nelson, señalan los seguidores del director– nos introduce en el mundo de Alex (Gabe Nevins), un muchacho de 16 años cuya única inquietud parece estar centrada en el skateboard. Tal vez porque la idea de ese pasatiempo lo conecta con los chicos capaces de vencer, al menos aparentemente, la ley de la gravedad. Fascinado con ello llega a un terreno prohibido, peligroso por lo marginal, pero tremendamente provocativo. Un espacio conocido como Paranoid Park, donde se reúnen los aficionados al skateborad de Portland para exhibir sus habilidades extremas. Alex se aproxima con cautela. Primero con la curiosidad del menor que quiere crecer y luego para sentir en crescendo la adrenalina que le produce estar allí. Finalmente, hace contacto con chicos mayores, quienes lo seducen en ese camino sin retorno que es la experimentación de situaciones extremas. Hasta que una noche todo cambia.
¿Qué pasó entonces? ¿Dónde estuvo Alex? ¿Qué vio o que hizo? Las respuestas nos las irá dando Van Sant con cuidado, dosificando la información a través de las imágenes y los pensamientos hablados del protagonista. Porque si Alex es un muchacho monosilábico en su día a día, es más bien un narrador en ciernes, capaz de escribir un diario de experiencias que nos llega a nosotros a través de su voz en off.

Finalmente llega el momento de la revelación. Entonces, dejando de lado el tono onírico de la narración, Van Sant (a través de la memoria recuperada de Alex) nos introduce en una escena violentísima, filmada con mano firme y sin concesiones. Brutal, salvaje. Allí desaparece toda inocencia y el director nos obliga a tomar consciencia sobre nuestros actos irreparables. Por ello resulta oportuno el resumen argumental escrito por David Wiegand, en su crítica publicada en el “San Francisco Chronicle”: “Es un filme acerca de la culpa, acerca de la paranoia, acerca de cómo sucede algo que puede no ser intencional pero que sucede y con lo que tienes que vivir”.

Para darle un carácter testimonial al relato, Van Sant se centra en las vivencias de su protagonista con tanta precisión que resulta difícil entender cómo lo hace. Alex difícilmente se parece a los adolescentes que vemos en los blockbusters, ya lo hemos dicho. Es más parecido a un chico común de la calle que lleva consigo un cúmulo de inseguridades, complejos y fantasías que lo convierten en un ser pausado, introspectivo y sensible en extremo. Por eso Paranoid Park no solo es un espacio físico, el parque de pruebas de patinaje, sino también un estado mental.
Por todo ello el universo expuesto es fascinante. Los tiempos que se toma la narración, la edición, la banda sonora (que incluye temas de Nino Rota para algunas películas de Fellini y que algún crítico encontró incongruente con la película), la selección de los discursos e incluso las situaciones aparentemente ajenas a la historia central. También la adecuada actuación de Gabe Nevins como Alex, de un histrionismo imperceptible. Es innegable que es una película del mismo director de “Gerry” y “Elefante”, pero de otro lado es cierto también que es una experiencia cinematográfica completamente diferente. Esa es la gran virtud de su autor, quien siempre tiene algo nuevo que decir en medio de ese universo de adolescentes arrastrados por el destino.

“Paranoid Park” es un filme hermoso y oscuro. Una de las más brillantes aproximaciones a la juventud que he visto en los últimos tiempos. Nos conduce por sus emociones como si estuviéramos junto a Alex sobre el skateboard. Para estrellarnos con él contra el suelo.

Los filmes de Gus Van Sant

1985 Mala noche (Mala noche)
1989 Drugstore Cowboy
1991 My Own Private Idaho
1993 Even Cowgirls Get the Blues
1995 To Die For (Todo por un sueño)
1997 Good Will Hunting
1998 Psycho (Psicosis)
2000 Fiding Forrester
2002 Gerry
2003 Elephant (Elefante)
2005 Last Days
2006 Paris, je t’aime. Episodio: Le Marais.
2007 Paranoid Park

Gus Van Sant nació el 25 de julio de 1952 en Louisville, Kentucky. Alguna vez trabajó como asistente de Roger Corman. Confiesa que su director favorito es Stanley Kubrick. Ha dirigido varios video clips de la banda Red Hot Chili Peppers y el bajista del grupo, Flea, aparece brevemente en alguna de sus películas. Su más reciente producción, “Milk”, se encuentra en etapa de posproducción.

Sidney Lumet está de vuelta

2008-10-07T16:57:41Z

Deslumbrados por la meteórica carrera de algunos cineastas en los últimos tiempos o dedicados a seguir la trayectoria de ‘autores’ más evidentes hemos dejado de lado durante un buen tiempo a Sidney Lumet, cuya reaparición en la pantalla como director de “Relaciones peligrosas” (“Before the Devil Knows You’re Dead”, 2007) nos invita a reflexionar sobre su extensa carrera y darle el lugar que merece. Porque si algo nos queda claro con este estreno es que Lumet no ha perdido sus poderes narrativos y esa cualidad para lucir siempre actual. El filme se estrena mañana.

Hermanos de sangre. Notables Philip Seymour Hoffman y Ethan Hawke.

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INCLASIFICABLE

Si uno tuviera que resumir la carrera de Sidney Lumet (Filadelfia, 1924) se encontraría con ciertas dificultades debido a lo prolífico que ha sido y a la capacidad para abordar las más diversas temáticas. Alguien le reprochó y no sin razón que su principal preocupación se encontraba en las primeras planas de los periódicos sensacionalistas, tal vez por su inclinación para abordar asuntos como la corrupción institucional de la policía (“Serpico”, 1973), el poder a cualquier precio de la televisión (“Network”, 1977) o las estrategias publicitarias de las campañas políticas (“El poder”, 1986). Pero es injusto pensar en su obra solo en ese apartado porque del mismo modo que supo romper con las exigencias comerciales de la industria (“The Pawnbroker”, 1964) pudo cumplir con ellas (“Asesinato en el expreso de oriente”, 1974). Incluso ha sido un atento amante del teatro, capaz de adaptar a la pantalla piezas de diversas procedencias. Algunas veces como brillos (“Doce hombres es pugna”, 1957) y otras de manera más superficial (“Equus”, 1977).

Acción. Sidney Lumet dirige a Ethan Hawke y Philip Seymour Hoffman en una escena de "Relaciones peligrosas", inexplicable título para "Before the Devil Knows You're Dead".

LA ELECCIÓN DEL ESTILO

Algo que siempre distinguió su cine fue la capacidad que tuvo para plantear la correcta narrativa a cada tipo de historia. “Sérpico”, por ejemplo, contiene escenas admirables que le deben más al realismo europeo que a las fórmulas del cine policial estadounidense. La manera en que presenta esa jungla de asfalto que es Nueva York, totalmente deshabitada para afirmar la sensación de soledad que vive su protagonista, es admirable. En “Tarde de perros” (1975) coloca la cámara como si se tratara de un noticiero de televisión y el resultado luce por momentos como un documental.
En “Relaciones peligrosas” Lumet vuelve a sorprendernos. Esta vez porque se nutre del lenguaje del cine contemporáneo para contar un film noir. Pero lejos de rendir tributo al pasado, recompone los elementos del género y los presenta como una creación de hoy. De manera que, por ejemplo, la mujer fatal no es una vampiresa vestida de negro y sentada en la barra de una cantina. Es más bien una mujercita infiel, medianamente atractiva pero lleno de secretos y aspiraciones.
Capaz de seguir explorando en las posibilidades narrativas, Lumet evita contar su historia de manera lineal y rompe el tiempo a partir de una serie de escenas en las que cada personaje se convierte en protagonista. El resultado es un efectivo cuadro de desequilibrio emocional y decisiones extremas. Lumet enfatiza así la tragedia que tenemos frente a nuestros ojos.

Intérpretes. Ethan Hawke, Albert Finney y Marisa Tomei componen excelentes personajes.

DIRECTOR DE ACTORES

Gran creador de atmósferas, Lumet también se caracteriza por la adecuada selección de sus actores. Como resultado, diecisiete de sus actores han sido candidatos al premio de la Academia. Ingrid Bergman (“Asesinato en el expreso de oriente”) y Faye Dunaway, Peter Finch y Beatrice Straight (los tres por “Network”) se llevaron el premio.
Esa cualidad también nutre “Relaciones peligrosas”. Philip Seymour Hoffman y Ethan Hawke interpretan a los hermanos Hanson. Cada uno inyecta sus propias emociones a sus personajes ofreciendo un verdadero duelo de talentos donde es difícil encontrar al vencedor. Los veteranos Albert Finney y Rosemary Harris tienen a su cargo los papeles de sus padres. Finalmente, Marisa Tomei y Amy Ryan componen a las mujeres en sus vidas.

Debut. Sidney Lumet llamó la atención con su sensacional primer filme, "12 hombres en pugna", estelarizado por el gran Henry Fonda.

FILMOGRAFÍA

1957 Doce hombres en pugna (12 Angry Men)
1958 Stage Struck
1959 That Kind of Woman
1959 The Fugitive Kind
1962 Vu du pont
1962 Largo viaje del día a la noche (Long Day’s Journey Into Night)
1964 The Pawnbroker
1964 Fail-Safe
1965 The Hill
1966 The Group
1966 The Deadly Affair
1968 Bye Bye Braverman
1968 The Sea Gull
1969 The Appointment
1970 Last of the Mobile Hot Shots
1971 The Anderson Tapes
1972 The Offence
1972 Child’s Play
1973 Serpico
1974 Lovin’ Molly
1974 Asesinato en el expreso de oriente (Murder on the Orient Express)
1975 Tarde de perros (Dog Day Afternoon)
1976 Network
1977 Equus
1978 The Wiz
1980 Just Tell Me What You Want
1981 Prince of the City
1982 Trampa mortal (Deathtrap)
1982 El veredicto (The Veredict)
1983 Daniel
1984 Buscando a una estrella (Garbo Talks)
1986 El poder (Power)
1986 The Morning After
1988 Running on Empty
1989 Family Business
1990 Q & A
1992 A Stranger Among Us
1993 Guilty as Sin
1996 Night Falls on Manhattan
1997 Critical Care
1999 Gloria
2006 Find Me Guilty
2007 Before the Devil Knows You’re Dead

Decepcionante. No todos han sido aciertos en la carrera de Lumet. "Gloria", con Sharon Stone, es un remake innecesario del filme de John Cassavetes.

Paul Newman no puede morir

2008-09-29T14:11:42Z

Tristeza. La noticia de su muerte es un duro golpe para quienes hemos admirado su trabajo durante tanto tiempo. No ha sido una sorpresa, porque ya se había anunciado su enfermedad hace unos meses. Pero asumir de un momento a otro que un artista de su talla y un hombre de sus convicciones ha dejado este mundo nos recuerda nuestra propia fragilidad. Paul Newman ha muerto. Es verdad. Pero si pensamos en cada una de sus películas, en esos magníficos personajes que supo crear, entonces tenemos que rechazar la idea la muerte. Paul Newman vive. En esta entrada me permito recurrir a mis recuerdos personales sobre un actor tan grande y compartirlos con los lectores.

]]> I. Primer encuentro: Nueva York, 1998.

Conocí a Paul Newman hace diez años. En 1998, durante la promoción del filme “Twilight”, de Robert Benton. Una película que no se estrenó comercialmente en el Perú y una de las últimas que protagonizó. No era la primera vez que participaba de este tipo de entrevistas pero la idea de tener frente a mí a uno de mis ídolos, un artista a quien he admirado tanto por su trabajo en la pantalla como por su dedicación a causas sociales, me causaba bastante emoción.

Ya había entrevistado al director de la película y a algunos de los actores que lo acompañaban en el filme, entre ellos la notable Stockard Channing, y esperaba mi turno en la sala de prensa. Algunos periodistas conversaban y otros leían las notas de producción tratando de concentrarse. La mesa del café también concentraba a buena parte de los colegas. De pronto, Paul Newman entró. No causó demasiado sobresalto por la naturalidad de su aparición. Newman comenzó a saludar a cada uno atendiendo a nuestros nombres y países de origen. Llegó mi turno. Un momento que no podré olvidar. Newman me tendió la mano, seguro y cordial. Allí estaban esos ojos azules que había visto en tantas películas. Lucían grises en ese momento pero tenían vida.
Cuando finalmente pude conversar con él encontré a un hombre aparentemente común y corriente. Y digo aparentemente porque no creo que lo haya sido. Ese talento, esas ganas de vivir, su gran dedicación a causas más allá de su arte, su fascinación por los deportes, su amor por Joanne Woodward… nada de eso es común y mucho menos corriente. Pero mi entusiasmo me llevó a hacer una pregunta que luego la he repensado muchas veces.

Pregunta: Señor Newman. ¿Qué siente cuando se refieren a usted como a una leyenda viva?
Respuesta: Que el fin está próximo.

Una respuesta triste y que me sirvió de lección. Newman no lo tomó a mal. Y la sonrisa que acompañó a sus palabras me tranquilizó. Pero me habría gustado que la palabra “final”, ese recuerdo de la mortalidad de la gente a la que admiramos tanto, no hubiese sido invocada.

II. Segundo encuentro: Nueva York, 2002.
Cuando Joanne Woodward decidió rescatar el Westport Country Playhouse recibió el apoyo moral de toda la comunidad teatral. Se trataba de un teatro fundado en 1931 y que había sido durante setenta años un espacio único. No solo un teatro de verano sino un escenario ideal para presentar obras en camino a Broadway. Woodward asumió la dirección artística cuando el teatro se encontraba en un mal momento. Pero su elección del repertorio a representarse y el equipo que habría de acompañarla revitalizaron aquel escenario. Entre sus principales colaboradores estaba su marido, Paul Newman. Quien aceptó feliz volver a los escenarios tras años de ausencia.

El ganador del Óscar por "El color del dinero" no había pisado un teatro en años. El estrellato en el cine había ocupado todo su tiempo y energía. Y, claro, la fama le impedía ese contacto directo con el público. Alumno aplicado del Actors Studio, Newman se convirtió en el heredero directo de Marlon Brando. Pero afirmando su propio estilo y personalidad. Brando era un genio. Pero justamente esa genialidad le comenzó a jugar malas pasadas a su propia carrera. Menos visible al comienzo, Newman supo forjar una carrera sin altibajos.

Newman debutó en Broadway en el montaje original de “Picnic” (1953). Luego interpretó al peligroso Glenn Griffin en “Horas desesperadas” (1955) y finalmente consiguió remecer la escena neoyorquina con su intenso retrato de un gigoló que está perdiendo su poder de seducción en “Dulce pájaro de la juventud” (1959). Para entonces ya tenía un lugar envidiable en el cine. Y solo habría de volver a la escena teatral en “Baby Wants a Kiss” (1964) en una corta temporada.

En el 2002, tratando de reconstruir el prestigio del Westport Country Playhouse, Woodward eligió “Our Town”, de Thornton Wilder, por ser una pieza emblemática en un repertorio americano. La obra, estrenada en 1938 y ganadora del premio Pulitzer, se convirtió de inmediato en un referente teatral por su sensible retrato de la América profunda y su concepción dramática en la que los habitantes de un pueblo narran sus experiencias después de muertos. El hilo conductor lo lleva un misterioso narrador, a quien se le conoce simplemente como “Stage Manager”, es decir el administrador del escenario. El papel fue interpretado originalmente por Frank Craven. Y Paul Newman lo volvería interpretar en el montaje de Woodward para el Westport Country Playhouse. El éxito fue tremendo. Tanto que Broadway se fijó nuevamente en la compañía y la invitó a participar en la temporada 2002-2003. Habría de ser el último trabajo teatral de Newman en Nueva York.

Al enterarme de la noticia decidí hacerme el mejor regalo de cumpleaños que podía permitirme. Viajar a Nueva York y ver a Paul Newman en “Our Town”. Compré el ticket por Internet e hice los arreglos. Aquella noche caminé hasta el teatro Booth –uno de los más pequeños del distrito teatral neoyorquino– lleno de ideas sobre lo que estaba a punto de ver. El frío parecía no significar mucho para la masa de gente que se adentraba en los remolinos humanos de Times Square. Poco después ya estaba sentado en el teatro.
Fueron muchas las emociones que fui viviendo durante aquella representación. Pero el tema de los muertos me producía una especial nostalgia por algunas pérdidas familiares. Hablaban de un mundo perdido, de una sociedad más amable aunque también de un entorno de mentiras y mezquindades. En medio de todo esto Paul Newman se movía por el escenario con cierta dificultad que acentuaba perfectamente el carácter evocador de su personaje. Cuando la última luz del escenario se apagó, borrándolo de nuestras retinas, todos comprendimos que era la última vez que veríamos actuar en vivo a tan gran actor.

A la salida del teatro monté guardia en la puerta de actores en el callejón Shubert, mítico encuentro de celebridades y fanáticos teatrales. No pasó mucho tiempo hasta que Paul Newman apareció. Salió acompañado de un asistente y se dirigió directo al auto que lo esperaba en la calle 45. Lucía tan cansado y concentrado, cubierto con casaca, gorro, guantes y bufanda, que no me animé a hablarle. Molestarlo a esas alturas habría sido un tremendo error de mi parte. Paul Newman subió al auto negro y se perdió en el tráfico. Fue la última vez que lo vi en vivo. Y es otro muy preciado recuerdo que guardo.

Diario de San Sebastián VIII

2008-09-27T21:12:46Z

El festival de Donostia ha llegado a su fin. Hoy el jurado comunicó en una muy concurrida conferencia de prensa su decisión. Jonathan Demme fue el portavoz y su buen humor ha sido el antídoto perfecto para que ni los abucheos más contundentes en determinadas categorías empañen la ocasión.

La película “Pandoranin Kutusu” (“La caja de Pandora”), de la turca Yesim Ustaoglu, ganó la Concha de Oro del festival.

]]> “Ha sido un honor para nosotros ser parte de este jurado”, fueron las primeras palabras del realizador estadounidense. “Ha sido difícil elegir porque han sido muchas las películas que nos han gustado”.

A continuación leyó el acta y la verdad es que solamente considero que el jurado acertó en la elección del mejor director. El trabajo de Michael Winterbottom en “Génova” es un vuelco en su carrera. Nos permite conocer un lado diferente de su arte, capaz de recurrir a las emociones más tiernas sin renunciar al buen cine. Todo un acierto.

No decidirse y elegir a dos actrices en el apartado Mejor Actriz ha sido un error. Si bien es cierto que la anciana Tsilla Chelton (“La caja de Pandora”) compone un conmovedor retrato de una abuela con alzheimer, Melissa Leo simplemente estuvo superior en “Frozen River”, en el papel de una madre de familia abandonada que emprende un negocio fuera de ley para comprar una casa.

Menos entusiasmo me produce el premio a Óscar Martínez por “El nido vacío”. Su personaje es irónico y divertido, es cierto, pero se suma a cualquiera de las creaciones previas de su director, el sobrevalorado Daniel Burman. Ulrich Thomsen (“No me teman”) y Colin Firth (“Génova”), de lejos han ofrecido interpretaciones superiores.

Pero el mayor disparate del jurado presidido por Demme ha sido el premio mayor. La Concha de Oro a la mejor película para la producción turca “La caja de Pandora” es un premio condescendiente. Un tributo más al sentimentalismo que al cine. La película tiene sus aciertos, no lo puedo negar, pero difícilmente podríamos pensar que es la mejor cinta que hemos visto en estos diez días de cine. La danesa “Den du frygter” (“No me teman”), la británica “Génova” o la estadounidense “Frozen River”, son películas mucho mejor elaboradas, son trabajos cinematográficos donde el cine es lo más importante. Lamentablemente quienes eligen se dejan llevar por los sentimientos y las buenas intenciones.

En cuanto al premio Horizontes, donde participaba la película peruana "Dioses", de Josué Méndez, fue para la cinta guatemalteca "Gasolina", de Julio Hernández Cordón. Una decisión interesante aunque me habría inclinado por "Leonera", del argentino Pablo Trapero, cinta que obtuvo el premio mayor en el festival de Lima.

Ha terminado así un festival intenso, atractivo en cada uno de sus apartados y por donde han pasado Meryl Streep, Antonio Banderas, John Malkovich, Ben Stiller, Robert Downey Jr. y muchas otras estrellas más. Donostia cierra sus puertas y comienza a prepararse ya para la edición del próximo año.

Palmarés:

Concha de Oro a la mejor película: “Pandoranin Kutusu” (“La caja de Pandora”), de Yesim Ustaoglu, Turquía.

Premio especial del jurado: “Asbe Du-Pa” (“El caballo de dos patas”), de Samira Makhmalbaf, Irán.

Concha de Plata al mejor director: Michael Winterbottom, por “Génova”. Gran Bretaña.

Concha de Plata al mejor actor: Óscar Martínez, por “El nido vacío”. Argentina.

Concha de Plata a la mejor actriz: Melissa Leo, por “Frozen River”, Estados Unidos. Y Tsilla Chelton, por “La caja de Pandora”, Turquía.

Premio del jurado a la mejor fotografía: Hugo Colace, por “El nido vacío”. Argentina.

Premio del jurado al mejor guion: Benoit Delépine y Gustave Kervern, por “Louise-Michel”. Francia.

Premio Altadis Nuevos Directores: “Li Mi De Cai Xiang” (“La ecuación de amor y muerte”), de Cao Baoping. Hong Kong.

Premio Horizontes Latinos: “Gasolina”, de Julio Hernández Cordón. Guatemala.

Premio TCM del público: “Burn After Reading” (“Quemar después de leer”), de los hermanos Coen. Estados Unidos.

Premio de la juventud: “Amorosa soledad”, de Martín Carranza. Argentina.

Diario de San Sebastián VII

2008-09-26T14:54:30Z

Mañana conoceremos a los ganadores del festival. Pero antes revisamos algunas de las películas en competencia y dos producciones que han formado parte de la sección Zabaltegui con muy buen recibimiento: "La boda de Rachel", de Jonathan Demme, y "La clase", de Laurent Cantent.

“Entre les murs” (“La clase”), del francés Laurent Cantent

]]> Con la sencillez que la caracteriza, Meryl Streep ha llegado al país vasco y se ha ganado la simpatía de todos. Ella recibe en esta edición el premio Donostia en reconocimiento a toda su trayectoria. Y pese a su corta estadía las actividades no le han faltado: conferencia de prensa, sesión de fotos, la ceremonia de premiación y otras celebraciones privadas. Pero no ha sido la única que ha hecho estallar de emoción a los fanáticos que se reúnen diariamente en la entrada principal del hotel María Cristina, los gritos de entusiasmo han sido también por la argentina Cecilia Roth, el español Eduardo Noriega y el cineasta estadounidense Paul Thomas Anderson, que ha recibido el premio Fipresci a la mejor película del año por “Petróleo sangriento”. Y ninguno como Hugo Silva, estrella de la televisión española, quien volvió locas a sus fans a cada entrada y salida del hotel.

La competencia oficial
Durante las última jornadas no hemos sido sorprendidos por ninguna gran película en esta sección. Las dos producciones españolas que se han presentado recientemente han despertado todo tipo de comentarios, pero no precisamente alabanzas. La cinta política “Tiro en la cabeza”, del siempre provocador Jaime Rosales, puede despertar entusiasmo como un ejercicio cinematográfico arriesgado y con estilo, pero todo el debate a su alrededor se debe principalmente a la reciente tragedia que ha vivido el país vasco con un nuevo atentado terrorista.
Por su parte, “Camino”, de Javier Fesser, ha sido tachada de oportunista, sensacionalista, afectada e incluso falsa. Basada en hechos reales, cuenta la historia de una niña enferma de un cáncer incurable. Rodeada de un ambiente extremadamente religioso debido a una madre beata y a un padre sin carácter, la niña es entregada a los cuidados del Opus Dei. Es cierto que el ataque contra la Orden es directa y honesta, pero es cierto también que toda la crítica que se hace de la explotación de la enfermedad de la niña por la entidad religiosa la repite el propio director en la película. Fesser utiliza de la misma manera el dolor ajena y la ignorancia de una familia. La cinta, a la que también ha calificado como de terror, tiene personalidad y cuenta con las virtuosas actuaciones de Nerea Camacho, como la niña santa, y Carmen Elías, como su aterradora madre.
La película argentina “El nido vacío”, de Daniel Burman, tampoco es suficientemente lograda. Con una clara influencia de Woody Allen, por no decir que se trata de una imitación, la cinta da cuenta de una realidad pero en términos irónicos. Leonardo (Óscar Martínez) es un escritor de éxito pero cansado de su vida cotidiana. Lo peor es que tiene que enfrentar una situación en la que no había pensado: sus hijos tienen que emprender sus propias vidas. Comienza así a reflexionar sobre su condición y, sobre todo, sobre su relación con su esposa, Martha (Cecilia Roth). Al poner en escena esta idea, Burman satura la cinta con una serie de diálogos que él debe considerar muy originales y divertidos y reflexiones del tipo que encontramos en un manual de autoayuda. Lo que no puedo negar es el gran oficio para poner en imágenes su historia. Lo que no salva el filme, que resulta complaciente y vacío. De esos que se hacen para gustar.
Finalmente otra decepción. “Bi mong” (“Sueño”), del celebrado realizador coreano Kim Ki-duk, nos transporta a un universo totalmente diferente. Planteado como una historia de amor fu (amor loco) y misterio, narra la extraña relación que existe entre un hombre y una mujer a partir de una serie de pesadillas que ambos comparten. Sin conocerse, los protagonistas de esta singular historias llegan a un punto de encuentro debido a estos aterradores sueños premonitorias. Pero pasado el planteamiento el director no nos lleva muy lejos, se estanca más bien en una serie de situaciones extremistas, filmadas con su característico estilo pero sin la gracia que hicieron que el mundo entero se fijara en su cine. Aquí es todo lo contrario. Chririante, excesivo, incapaz de movernos a sentimientos reales. “Sueño” contiene además una serie de diálogos exasperantes que provocan el total rechazo del espectador.

Fuera de competencia
Más interesante resultaron dos películas de la sección Zabaltegui. La estadounidense “Rachel Getting Married” (“La boda de Rachel”) y la francesa “Entre les murs” (“La clase”), de Laurent Cantent.
“La boda de Rachel” vuelve a un tópico que hemos visto repetidas veces durante este festival: una familia disfuncional durante una crisis. En este casos la crisis no es la boda del título, sino la salidad de rehabilitación de Kym (Anne Hathaway), la hermana de la novia. A partir de ese momento comienza el enfrentamiento de los Buchman. Y a decir verdad, la puesta en escena de Jonathan Demme (“El silencio de los inocentes”) tiene muy buen nivel.
Siguiendo el modelo planteado por Robert Altman e incluso por Dogma 95, Demme da vida a sus protagonistas con aparente realismo. Pero no todo resulta tan efectivo porque también hay elementos demasiado artificiales que dañan el resultado final. Sin embargo, las virtudes parecen pesar más en la balanza y entre ellas debemos destacar el sensacional trabajo de Hathaway, secundada con acierto por un amplio reparto en el que reencontramos a Debra Winger.
Por su parte, “La clase” viene precedida de la Palma de Oro del reciente festival de Cannes. Una cinta donde Laurent Cantent vuelve a ofrecer un punto de vista contundente sobre la sociedad actual. En esta oportunidad examina a profundidad las relaciones entre profesores y alumnos en una escuela público francesa dentro de un distrito de conflictos raciales. De nada valen los buenos propósitos y la dedicación de algunos profesores, la juventud permanece en pie de guerra sin ceder un centímetro en una posición extrema. La narración de Cantent es sencillamente genial. Sin excederse en el uso de artificios de edición cámaras en movimiento, centra la imagen en el aula de clase y orquesta una batalla campal donde cada palabra tiene el peso ideal.
Pero “La clase” no solamente es un filme sobre los problemas que atraviesa el sistema educativo en Francia. Es también sobre la nueva identidad francesa que se está forjando. Una identidad en la que convergen principalmente inmigrantes del tercer mundo que todavía hablan sus lenguas nacionales y que se sienten rechazados. Allí se encuentra gran parte del conflicto, nos dice Cantent, y será a partir de su solución que luego se pueda hacer frente a la violencia juvenil y la deficiente educación.
Para llevar a la plenitud este proyecto, el director se ha valido de la ayuda sin reservas de Francois Bégaudeau, autor del libro en que se basa el filme y también guionista y actor.
Bégaudeau, crítico de cine y novelista, interpreta al profesor que enfrente a una clase amotinada y lo hace con total convicción. Sus alumnos, por su parte, también fueron interpretados por actores no profesionales. “La clase” es sin duda una de las grandes películas que hemos visto en esta edición del festival de cine de Donostia.

Diario de San Sebastián VI

2008-09-24T14:32:29Z

El realizador peruano Josué Méndez presentó “Dioses” en la sección Horizontes Latinos del festival de Donostia. De inmediato el filme ha llamado la atención del público más joven, quienes lo situaron en un considerable buen puesto como candidato al premio de la juventud. Compite con "Leonera", la cinta argentina ganadora del premio del festival de Lima.

"Dioses", del peruano Josué Méndez

]]> Primer día
Un fuerte aplauso del público pone fin a la proyección de “Dioses”, la segunda película de Josué Méndez, en la sección Horizontes Latinos del festival de San Sebastián. Son pocos quienes abandonan la sala de proyección del Kursaal y la mayoría prefiere quedarse al coloquio con el realizador peruano. “Esta cinta es resultado de mis sentimientos encontrados”, dijo Méndez al presentar el filme. “Por un lado sentía rechazo por la forma de vida de la clase alta limeña y del otro me sentía fuertemente atraído por ella”.
Los espectadores, acostumbrados al cine latinoamericano de la pobreza, se manifestaron sorprendidos por el enfoque de “Dioses”. Incluso alguien preguntó si se trataba de la realidad actual. El filme cuenta la historia de una familia limeña: el padre (Edgar Saba) se ha enamorado de una muchacha (Maricielo Effio) que oculta sus orígenes humildes; los hijos (Anahí de Cárdenas y Sergio Gjurinovic) viven a la deriva, entre el alcohol, las fiestas y el sexo sin control. Ellos forman el núcleo narrativo, rodeados por una serie de personajes vacíos, dedicados a actividades inútiles y al cuidado de las apariencias.
Josué Méndez decidió titular este filme “Dioses” mientras escribía el guion. “Sentía que los personajes hacían y deshacían a su antojo”, comenta. “Incluso la idea del amor incestuoso me recordaba la mitología griega. Es un filme sobre gente que se cree todopoderosa”.
La cinta todavía no se ha estrenado comercialmente en el Perú y a la pregunta sobre su acogida, Josué Méndez no tiene certeza. “Siempre es un misterio cómo recibirá el público a una película. Ya se ha visto en el festival de Lima. La gente de clase alta que la ha visto la han encontrado divertida. No la toman de manera personal. Son personas muy herméticas a las que difícilmente puedes hacerlas reflexionar sobre su condición”.
Uno de los personajes que mayor atracción ha llamado es el de Elisa, a cargo de Maricielo Effio. Su condición de arribista despertó todo tipo de comentarios. “Los limeños migrantes o que venimos de familias migrantes sentimos vergüenza de nuestras raíces”, explica Josué. “No es fácil admitir que tus padres o abuelos son indios”. Como tampoco la gente de clase alta admite su condición criolla. “Esa gente siempre recuerda sus orígenes europeos y por otro lado la gente de los Andes se llama así misma andina. Ese es el problema, nadie es peruano. Nadie asume su nacionalidad”, puntualiza.
Este personal punto de vista que ofrece Josué Méndez en “Dioses” hace de este filme uno de los más discutidos del día. La cinta opta por el premio Horizontes Latinos así como por el premio de la juventud.

Segundo día
En su segunda jornada en el festival de San Sebastián, Josué Méndez ha compartido el podio del club de prensa con el realizador argentino Pablo Trapero. Ambos compartieron con los periodistas reunidos sus puntos de vista sobre sus respectivas película, “Dioses” en el caso de nuestro compatriota, y “Leonera”.
“Leonera”, que recibió el premio mayor en el reciente festival de Lima, ha despertado mucho entusiasmo en Donostia y hay quienes piensan que podría dar la sorpresa en la sección Horizontes Latinos.
Por su parte, “Dioses” ha seguido llamando la atención por su original punto de vista y se ha situado entre las primeras seis películas más votadas del premio de la juventud. Con un total de 6,942 puntos al cierre de esta edición.
La clase alta limeña se ha convertido de esta manera en foco de interés y curiosidad de los asistentes al festival. “Enfoco un universo totalmente diferente al de mi primera película”, comentó Méndez en el club de prensa. “Es algo que quería hacer desde el colegio. Intentando entrar a un mundo muy hermético como es la clase alta limeña. Retratar ese mundo que, bajo una superficie tan perfecta, esconde la misma sordidez de otras clases”.
Tal vez uno de los puntos que más ha movido a votar por “Dioses” al público más joven de San Sebastián sea ese retrato de una juventud desarraigada, sin ideales y totalmente abandonada que aparece en la película. “Son chicos que no son realmente criados por sus madres sino por nanas” explica el director. “Expresan afectos extraños. Y lo que ocurre en esta familia es que hay un incesto. Para mí es el extremo de la endogamia”.
Otra nota que despertó la curiosidad durante el diálogo es el reparto del filme. Después de todo, Edgar Saba interpreta al patriarca del clan y es también director del festival de cine de Lima. “Edgar estudió actuación. Fue actor durante muchos años pero no había actuado durante veinte cuando aceptó hacer el filme” puntualizó Josué Méndez.

Diario de San Sebastián V

2008-09-23T14:22:00Z

Mientras las protagonistas de “El patio de mi cárcel” celebraban su presentación en la sección oficial del festival, otra película con tema carcelario se convirtió en la favorita de los cinéfilos
Se trata de “Hunger”, basada en los hechos alrededor de la huelga de hambre que protagonizaron miembros del IRA en 1981

“Tokyo Sonata”, filme japonés dirigido por Kiyoshi Kurosawa

]]> Durante la noche del lunes pasado un huracán convirtió la playa de Zurriola en epicentro del festival. El elenco en pleno de “El patio de mi cárcel”, liderado por la directora Belén Macías, tomó por asalto el Café de la Playa para una de las fiestas más llamativas de este encuentro de cine. Así celebraba El Deseo, la compañía de Pedro Almodóvar, la presentación del filme en la sección oficial. Sin duda fue Verónica Echegui la más asediada por los asistentes, pero sus compañeras también. Especialmente Tatiana Astengo que bailó desde que llegó hasta que comenzó a amanecer. Así terminaba una intensa jornada de presentaciones, conferencia de prensa, entrevistas y que incluyó el clásico paseo por la alfombra roja -mejor dicho fucsia- en donde la actriz peruana, enfundada en un diseño rojo de Adolfo Domínguez, fue centro de los flashes.

El otro Kurosawa
Tremenda decepción nos causó “Tokyo Sonata”, el filme japonés dirigido por Kiyoshi Kurosawa. La película, presentada fuera de concurso, narra las vicisitudes de una familia de clase media donde todo funciona bien aparentemente. Pero el padre es despedido de su trabajo, el hijo mayor decide enlistarse en el ejército estadounidense y el menor quiere ser pianista. La madre, por su parte, empieza a cuestionar su propia condición. “Tokyo Sonata”, que no se decide por un tono deliberadamente dramático o cómico, no aporta nada nuevo a la serie de películas que cuestionan la institución familiar. Recurre a situaciones comunes, clichés y solo resulta en cierta forma especial cuando aplica recursos disparatados (la madre es tomada como rehén por un ladrón improvisado, por ejemplo). Sin embargo, el filme obtuvo el premio del jurado de la sección Una cierta mirada en el más reciente festival de Cannes. Compartimos las pifias que recibió al final de su proyección a la prensa en San Sebastián. Hay que mencionar que su director, Kiyoshi Kurosawa, no tiene vínculos familiares con el maestro Akira Kurosawa.
También premiada en Cannes, aunque con mayor justicia, “Hunger”, de Steve McQueen, recibió todos los elogios durante la jornada que pasó.
La cinta fija la acción en Maze Prison, una cárcel de alta seguridad en Irlanda del Norte, durante la huelga de hambre liderada por Bobby Sands (Michael Fassbender) en 1981. McQueen hace un extraordinario debut como director centrando su atención en la descripción detallada de lo que significa privar al cuerpo de alimentación. Las escenas especialmente crudas han desatado una polémica sobre su validez, pero confieren a la cinta un sello tremendamente personal. “De eso se trata”, señaló Fassbender en la rueda de prensa. “Queríamos llevar a los espectadores a la prisión misma para que sintiera exactamente lo que allí pasaba. Incluso queríamos que sintieran el olor de la cárcel”, puntualizó. “Hunger” es probablemente una de las más apreciadas cintas que se han visto esta temporada en Donostia y una candidata al premio de la juventud.

El premio de la juventud
Uno de los apartados más importantes del festival de cine de San Sebastián se encuentra en este apartado. Hasta el momento las cintas con mayor votación eran la finlandesa “Thomas”, de Miika Soini; la holandesa “Bloedbroeders” (“Hermanos de sangre”), de Arno Dierickx; y la española “Amateurs”, de Gabriel Velásquez. Pero desde su primera proyección “Hunger” ha pasado a encabezar los resultados, con un total de 8016 votos al cierre de esta edición.
En cuanto al premio de la audiencia, concedido por la cadena de televisión TCM (Turner Classic Movies), es “Burn After Reading”, de los hermanos Coen, la favorita. Seguida por la cinta israelí “Los limoneros”, de Eran Ricklis; “Vicky Cristina Barcelona”, de Woody Allen; y, ya no es sorpresa, “Hunger”.

Diario de San Sebastián IV

2008-09-22T14:26:31Z

El británico Colin Firth y el francés Louis Garrel son los actores más asediados por los fanáticos en estos momentos. Y en cuanto a las damas, el elenco en pleno de “El patio de mi cárcel”, primer filme español en competencia, son las engreídas del festival. Entre ellas se encuentra nuestra compatriota Tatiana Astengo que interpreta un papel de apoyo bastante visible: una burrier colombiana que tiene que superar el miedo para integrarse a su nueva vida como reclusa de una cárcel de mujeres en España.

El patio de mi cárcel, de Belén Macías

]]> Drama carcelario con todos los lugares comunes que el subgénero propone, “El patio de mi cárcel” ha decepcionado a la mayoría principalmente por una narrativa ambiciosa pero convencional. El argumento nos conduce a través de las vidas de algunas reclusas, quienes son enlistadas por una de las guardias (Candela Peña) en un taller de teatro. Basada en hechos reales, la cinta resulta divertida por momentos, conmovedora en otros, pero complaciente y poco crítica en la mayor parte.
Tatiana Astengo en su primer papel en una producción española que compite por la Concha de Oro en San Sebastián tiene una actuación muy lograda, sorprendiendo con su primera aparición en una audaz escena en la que es registrada por las celadoras a su ingreso en prisión.
Durante la conferencia de prensa, que comenzó con un número musical a cargo de las actrices, la actriz peruana manifestó su alegría por ser parte de esta producción. “Hace cuatro años comenzó esta locura de venir a España”, comentó emocionada, “y ahora los sueños se hacen realidad”. La directora Belén Macías manifestó su admiración por Tatiana y comentó su intensa prepaparación para el papel.
También en competencia oficial, “Pandoranin kutusu” (“La caja de Pandora”) nos lleva a Estambul, donde somos testigos de un drama familiar. Tres hermanos reciben una llamada: su madre, una anciana que viven en el campo, se ha perdido. Los tres viajan en su busca y encuentran una terrible realidad, la anciana sufre de alzheimer. La situación de la anciana se convierte en el centro de atención de la familia, cuyos miembros comienzan a exorcizar sus disgustos, recelos y mutuas decepciones. A ritmo lento, la directora Yesim Ustaoglu nos conduce por una serie de emociones que hemos visto en más de una oportunidad en el cine. No hay nada realmente notable en esta cinta, salvo la detallada y coherente descripción de los signos exteriores de la enfermedad que aqueja a la madre del clan.

Palmas para Assayas
Pero si una película ha despertado verdadero entusiasmo en esta jornada, esa ha sido “Las horas del verano” (“L’heure d’eté”), del francés Olivier Assayas. También se trata de un drama familiar donde la madre es núcleo. Pero en este caso la personal narrativa de su autor nos conduce por un ejercicio cinematográfico inimitable. Dividido en pequeños actos donde los protagonistas, miembros todos de la misma familia, van ocupando el centro del escenario. El resultado es tan logrado que ni la presencia de actores tan destacados como Juliette Binoche, Charles Berling, Jérémie Rénier o la maravillosa Edith Scob, en el papel de la matriarca, logran llamar la atención por sí mismos, permaneciendo dentro del tono decididamente coral por el que Assayas opta.
Relato lírico de gran convicción, “Las horas del verano” enfrenta a los tres hijos de Helene Berthier a tomar una importante decisión sobre el patrimonio familiar que ésta les ha legado. Y aquí es donde el director imprime sus huellas dactilares, porque desdeña las consabidas fórmulas de las películas sobre temas parecidos y no nos conduce hacia un espectáculo de enfrentamientos histriónicos o diálogos con grandes frases. Todo lo contrario. Sutil, elegante, irónico, Assayas se interna más bien en la sorprendente cotidianidad que puede ser bella y decepcionante a la vez.

Descubriendo a un maestro
Una de las retrospectivas que el festival de San Sebastián ofrece esta año está dedicada al realizador británico Terence Davies (Liverpool, 1945). Personalmente solo lo conocía por “La casa de la alegría” (“The House of Mirth”, 2000), una sorprendente adaptación para el cine de la novela homónima de Edith Wharton. Pero conocer de cerca su trabajo ha sido una gran sorpresa.
Se trata de una filmografía de seis títulos que comienza con la llamada “Trilogía de Terence Davies”, compuesta por tres cortometrajes que filmó al comienzo de su carrera. Los tres narran diversos episodios en la vida de Robert Tucker, cuyos miedos, ambigüedad y profunda tristeza es resultado de un hogar desequilibrado y una educación basada en el miedo a un dios terrible y poco confiable.
Pero “Los niños” (1976), “Madonna con niño” (1980) y “Muerte y transfiguración” (1983), títulos de los cortos, no son ejercicios visuales agresivos o violentos. Todo lo contrario. Eligiendo un ángulo convencional, casi clásico, y pocas palabras. Apelando a canciones infantiles y populares, así como a himnos religiosos. Y evitando diálogos demasiado elaborados. Son pocos los planos, pocas las palabras y sin embargo el resultado es admirable. Digno de culto.
El programa continuará con “Voces distantes” (1988), “El largo día acaba” (1992), “La Biblia de neón” (1995), “La casa de la alegría” (2000) y “Of Time and the City” (2008), esta última un documental en homenaje a la ciudad de Liverpool.

Diario de San Sebastián III

2008-09-22T00:13:48Z

Aunque nadie se explica bien por qué una película como “Tropic Thunder” forma parte del festival de San Sebastián (en la sección oficial pero fuera de competencia), la presencia de dos de sus principales artífices ha puesto de cabeza a Donostia. Ben Stiller, estrella y director del filme, y Robert Downey Jr., coprotagonista, simplemente se han ganado las simpatías de todos tras una divertida rueda de prensa. También se han dejado ver por los fanáticos que se agolpan en la entrada del hotel María Cristina, donde ambos se encuentran hospedados.

“Burn After River” (“Quemar después de leer”), la nueva producción de los hermanos Coen

]]> Extremos del mundo
Durante el fin de semana dos de las películas que compiten por la Concha de Oro despertaron el entusiasmo casi unánime de la prensa. La primera la producción danesa “Den du frygter” (“No me teman”), de Kristian Levring. Y la segunda la estadounidense “Frozen River”, de la directora Courtney Hunt.
“No me teman” es un extraordinario estudio del hombre contemporáneo sometido por una cultura deshumanizante. El creciente desinterés por su trabajo lo lleva a tomarse un prolongado descanso donde voluntariamente se somete como conejillo de indios para una prueba de pastillas antidepresivas. A medida que transcurre la película vemos cómo Michael, interpretado a plenitud por Ulrich Thomsen, se va transformando en un ser tremendamente violento pese a su aparente frialdad. Y, lo que es peor, se convierte en una amenaza para su propia familia.
Cuarto largometraje de Levring, uno de los creadores de Dogma 95, “No me teman” apuesta por una narrativa totalmente alejada de las conocidas fórmulas del thriller psicológico, sorprendiendo por un ritmo controlado y seguro. Inmejorable.
“Frozen River” es el retrato de dos mujeres que unen sus destinos accidentalmente. Ray (Melissa Leo) es un ama de casa que acaba de ser abandonada por su marido. Sin dinero y con dos hijos a quienes atender, la mujer se encuentra en el peor momento de su vida. Lila (Misty Upham) es la inconformista mohawk, vinculada al tráfico de inmigrantes. Tras su primer encuentro ambas se asocian en un arriesgado plan al margen de la ley.
Se trata también de una película aparentemente encasillable en algún género conocido. Pero su directora opta más bien por un punto de vista emocional, centrado en las vivencias de estas mujeres y la manera en que enfrentan sus respectivos conflictos. Ganadora del gran premio del jurado en el último festival de Sundance, “Frozen River” también podría sorprender con algún premio en San Sebastián. Y, claro, Melissa Leo es una candidata de fuerza por su sensible interpretación.
Con aplausos tan discretos como los silbidos en contra fue recibida “Génova”, de Michael Winterbottom. Comenzando así una serie de discusiones entre críticos y aficionados sobre los aciertos del filme. Personalmente creo que se trata de un gran trabajo de su director.
Un trágico accidente automovilístico rompe el orden de una familia. Joe (Colin Firth) queda viudo y decide mudarse con sus dos hijas a la ciudad de Génova, donde obtiene una cátedra. Pero la mudanza no es suficiente para que la joven familia recobre su rumbo y una serie de circunstancias obliga a sus tres miembros a enfrentar realmente la muerte de la persona más querida de sus vidas. Winterbottom crea con gran tacto y elegancia un drama muy particular, capaz de cubrir emociones diversas, subrayando el papel que cada personaje juega en la historia. Significativamente conduce a esta familia de americanos desde Chicago a Génova, como un descubrimiento inverso al de Cristóbal Colón. La confianza del director en sus propias decisiones hace que nada parezca gratuito ni prestado, utilizando incluso el más conocido nocturno de Chopin como tema musical eje.

Fuera de competencia
Por supuesto, la película más atractiva del sábado fue “Burn After River” (“Quemar después de leer”), la nueva producción de los hermanos Coen, con un reparto que incluye a George Clooney, Frances McDormand, Brad Pitt y John Malkovich, único miembro del reparto que se encuentra en Donostia.
Comedia negra por donde se le mire, cuenta las peripecias de un disparatado grupo de personas vinculadas de una u otra manera a la CIA. Crisis emocionales, asesinatos involuntarios, espionaje improbable y adulterios, son parte del menú que los Coen ofrecen con buen ritmo. Maestros de la ironía, los Coen en esta oportunidad arrancan carcajadas a una audiencia que disfruta minuto a minuto lo que podría ser considerado un divertimento exquisito.
También fuera de la sección oficial pudimos ver “Etz limon” (“Los limoneros”), de Eran Riklis, ganadora del premio de la audiencia del más reciente festival de Berlín. Una mujer palestina se atreve a enjuiciar a un ministro israelí por la invasión de su campo de limones. La acción trascurre en la misma frontera entre Israel y los Territorios Ocupados, y el drama de Salma se convierte en una parábola sobre el entenimiento entre dos naciones enfrentadas. Pero no es la política el eje sobre el que se desarrolla el filme, sino más bien la dignidad humana, la condición femenina y la tolerancia. Película sensible, “Los limoneros” tiene en su protagonista a un personaje entrañable, interpretada con acierto por Hiam Abbass.

Diario de San Sebastián II

2008-09-19T17:34:07Z

Los homenajes continúan en Donostia. El viernes pasado el actor Javier Bardem recibió el premio nacional de cinematografía que confiera el ministerio de cultura de España como reconocimiento a la labor más sobresaliente del año. El acto estuvo a cargo de César Antonio Molina, actual ministro de cultura.
Ese mismo día el festival en pleno rindió tributo a Antonio Banderas, el actor más internacional de España, quien recibió emocionado el reconocimiento. Se trata del premio Donostia y que este año también será recibido por la actriz estadounidense Meryl Streep.

El olvido, de Heddy Honigmann

]]> La sección Horizontes Latinos ha comenzado una película documental que resultará controvertido para los peruanos. Se trata de “El olvido”, de Heddy Honigmann. Es un filme sobre la gente olvidada de una ciudad llamada Lima. Y, claro, son esas personas desatendidas quienes conforman la columna vertebral del filme.
¿Qué tienen en común un cantinero, una niña que se gana la vida haciendo piruetas en los semáforos y una mujer que ha perdido a toda su familia en tiempos del terrorismo? Además de vivir en Lima han sido dejados de lado por quienes detentan el poder. Para hacer énfasis en esta idea, la directora intercala los testimonios con imágenes de archivo de los políticos peruanos. “A ellos solo se les ve en ese tipo de imágenes”, dice la directora en la rueda de prensa. “Son inalcanzables”.
Ver Lima desde un punto de vista tan duro resulta brutal en medio de un festival de cine donde abundan las estrellas y demás personalidades. Es cierto que todo lo que vemos es verdad, sobre eso no hay discusión. Pero el tono del documental, su ritmo narrativo e incluso el mismo título de la película resultan demasiado sesgados, tal vez como resultado de las buenas intensiones o una carga política anacrónica.
Honigman hace una división tan elemental de los ricos y los pobres, los poderosos y oprimidos, que difícilmente podemos entender en esta época. Es cierto que los abismos sociales son tremendos en el Perú, pero al simplificarlos de esta manera solamente conseguimos conmover al espectador a través de la anécdota. Lima es una ciudad en cambio, la que surge está sepultando a la anterior. Y eso habría sido más conveniente de retratar para un documental actual sobre la tres veces coronada Ciudad de los Reyes.
Pero “El olvido” intenta también ser un relato irónico. Y Honigmann lo plasma de esa forma cuando decide ir por las calles de Lima buscando el antídoto contra el olvido. Y lo encuentra. Está en un puesto en el mercado, donde se prepara un concentrado de rana. “Es lo mejor para no olvidar”, señala la directora. “Habría que dárselo de beber a los presidentes, sus ministros y sus familias”.

De vuelta al holocausto

“The Boy in the Striped Pyjamas” (“El niño del pijama de rayas”), del británico Mark Herman

El holocausto sigue siendo rentable para el cine. Y despierta tal fascinación en la audiencia que se forman largas filas en el edificio del Kursaal para ver una nueva película sobre el genocidio de los judíos durante el Tercer Reich. En esta ocasión se trata de “The Boy in the Striped Pyjamas” (“El niño del pijama de rayas”), del británico Mark Herman.
Es la historia de una amistad entre dos niños separados por una alambrada de púas. De un lado tenemos a Bruno, un niño de ocho años, hijo de un militar en ascenso que ha mudado su hogar al campo. Del otro está Shmuel, un pequeño prisionero de un campo de concentración. La relación entre los niños es el gran atractivo de una película definitivamente hollywoodense -gran producción, impecable recreación de época, actores efectivos- y que con seguridad llegará al Óscar en alguna candidatura. Pero más allá de su argumento y méritos formales, tiene a su favor una puesta en escena sobria al servicio de un guión muy sutil. Es cierto que el desgarrador final puede resultar truculento. Pero la película en cierta forma nos conduce hasta ese punto con absoluta seguridad y sin dudar ni por un instante en su tono. “El niño del pijama a rayas” fue presentada en la Sección Oficial pero fuera de competencia.

Diario de San Sebastián I

2008-09-19T14:29:53Z

Javier Bardem, Woody Allen, Antonio Banderas, Melanie Griffith y Mario Monicelli han sido las primeras celebridades en llegar al festival de cine de San Sebastian. Dieron inicio a la primera jornada que paso a relatar.

Foto: AP

]]> Las estrellas vuelven a Donostia. El festival internacional de cine ha comenzado por todo lo alto sus celebraciones con una noche de inauguración donde no faltaron las emociones, las risas y algún desarreglo técnico. Para comenzar, la conductora de televisión Edurne Ormazábal, habitual presentadora de esta ceremonia, compartió el escenario con Belén Rueda, la actriz de “El orfanato” y una de las estrellas españolas más populares del momento.
A medida que pasaron los minutos figuras como Jonathan Demme, al frente del jurado oficial; la actriz china Joan Chen, quien tuvo que lidiar con un desperfecto de sonido; o el emocionado Mario Monicelli, el maestro italiano homenajeado en esta edición del festival con una completa retrospectiva de su obra, se llevaron las palmas de un público entregado. Por supuesto, nada como la ovación a Woody Allen y Javier Bardem, que presentaron juntos “Vicky Cristina Barcelona”, la película que rodaron juntos y que participa fuera de concurso.
El desfile por la alfombra roja frente al Kursaal, el edificio donde se lleva a cabo las proyecciones, conferencias del prensa y la mayoría de las actividades del festival, vio pasar también a Antonio Banderas con Melanie Griffith, a
los directores Richard Eyre y Terence Davies, y a una de las innegables figuras mediáticas del momento, el actor Miguel Ángel Silvestre, protagonista de la versión española de “Sin tetas no hay paraíso”.

La larga espera
En realidad no ha pasado tanto tiempo desde que Woody Allen decidió filmar por estas tierras. Pero los españoles no podía esperar más por ver “Vicky Crhistina Barcelona”, una de las pocas películas de su autor rodadas fuera de Nueva York. Y qué mejor lugar para su estreno que San Sebastián.
Comedia en la línea que lo caracteriza tan bien, esta cinta tiene por protagonistas a Scarlett Johansson, Javier Bardem, Penélope Cruz y Rebecca Hall. Solo Bardem y Hall han acompañado a su director al festival. Pero han bastado para causar el mayor revuelo en el primer día de celebraciones.
La conferencia de prensa estuvo atiborrada de periodistas del mundo entero, quienes no se pusieron de acuerdo en cuanto a los valores del filme pero sí con respecto al entusiasmo por sus artífices.
Es cierto, Bardem y Cruz, que componen a una pareja de ex amantes que tienen que lidiar con la presencia de Johansson, cumplen perfectamente con las exigencias del guión. Son divertidos, tiernos e incluso ocurrentes. “He tenido suerte de contar con un equipo de actores como este y ha sido un privilegio tener conmigo a tales profesionales”, comentó Woody Allen. “Si la película les parece rejuvenecida es gracias a este equipo”.
Pero el honor no solo es suyo. Bardem, que no ha resuelto todavía su relación con sus paisanos tras unas declaraciones suyas en Estados Unidos, le devolvió los cumplidos al director. “Basa sus diálogos en la creatividad y no en la improvisación”, explicó. “Ha sido un placer no solamente rodar con Woody Alle, sino haberlo hecho en mi país y en castellano”.
Rebecca Hall, a quien recordamos por su participación en “The Prestige” (2006), también supo ganarse a la prensa. Ella interpreta a la Vicky del título, pero no es la tercera del triángulo amoroso, simplemente la amiga de Cristina (Scarlett Johansson). “Acabo de ver la película”, comentó. “Y me he dado cuenta de que he participado de la parte más aburrida. Me excluyeron del trío que forma el resto de mis compañeros”, subrayó haciendo reír a la prensa.
“Vicky Cristina Barcelona” solo se presentó durante la primera jornada del festival.

Comienza la competencia
La primera película de la sección oficial que pudimos ver fue “Asbe du-pa” (“El caballo de dos patas”), de la directora iraní Samira Makhmalbaf. Un crudo cuadro sobre la niñez y la pobreza que, partiendo de una idea aparentemente naturalista, se va transformando en una pesadilla expresionista difícil de catalogar. Un joven indigente se encarga de llevar sobre sus espaldas a un niño cojo. Es su trabajo y cobra un dólar al día por ser el caballo de dos patas de su pequeño amo. Pero a medida que se desarrolla la película nos vamos haciendo testigos de una horrorosa degradación en la que el muchacho va transformándose en un caballo de acuerdo a las exigencias del tirano cojo. Las desgarradoras imágenes de mutilación, defectos físicos, humillación y pérdida de toda dignidad, confieren a esta cinta una triste connotación. !Es cine realista? !Explotación de las bajezas humanas? !Retrato sin contemplaciones de una sociedad atrasada? La directora tendría que contestar a todas estas preguntas. Porque si bien la cinta ofrece una estructura dramática en progresivo interés, aunque con un ritmo pobre, queda empañada por la violenta exposición de sus imágenes.

San Sebastián 2008: Horizontes latinos

2008-09-11T16:39:02Z

"Dioses", la segunda película de Josué Méndez, es parte de la sección competitiva "Horizontes latinos" del próximo festival de cine de San Sebastián. La cinta opta por un premio económico pero debe imponerse frente a otras producciones hispanoamericanas. Y a propósito de la presencia peruana en el mismo festival también veremos el documental "El olvido", de la realizadora estadounidense Heddy Honigmann, cuyo tema es la ciudad de Lima y sus habitantes. Por su parte, el director estadounidense de origen peruano Alex Rivera presenta su muy celebrada "Sleep Dealer". Finalmente, la actriz Tatiana Astengo es parte del reparto de "El patio de mi cárcel", que compite en la Sección Oficial.

Dioses. Sergio Gjurinovic y Anahí de Cárdenas, dos de los protagonistas de una radiografía de la alta burguesía limeña.

]]> Horizontes latinos

Este bloque presentará películas inéditas en España, producidas total o parcialmente en América Latina, dirigidas por cineastas de origen latino o inspiradas en las comunidades latinas del mundo. Un jurado internacional decidirá el Premio Horizontes, dotado con 35.000 euros. Las películas participantes son:

El olvido (Holanda-Alemania), de Heddy Honigmann

Acné (Uruguay-Argentina), de Federico Veiroj

Corazones del tiempo (México), de Alberto Cortés

Dioses (Perú), de Josué Méndez

Gasolina (Guatemala), de Julio Hernández Cordón

Intimidades de Shakespeare y Víctor Hugo (México), de Yulena Olaizola

Leonera (Argentina), de Pablo Trapero

Parque vía (México), de Enrique Rivero

Perro corre perro (Colombia), de Carlos Moreno

La rabia (Argentina), de Albertina Carri

La sangre brota (Argentina), de Pablo Fendrik

Sleep Dealer (EE.UU.), de Alex Rivera

Tony Manero (Chile-Brasil), de Pablo Larraín

La vida loca (España, México, Francia), de Christian Poveda