La Soga

Marion Cotillard: La vida más allá de Edith Piaf

2009-06-21T16:22:53Z

Como parte de la promoción de "Enemigos públicos" ("Public Enemies"), la nueva cinta de Michael Mann, viajé a Nueva York para entrevistar a la actriz francesa Marion Cotillard. Una mujer de notable belleza, simpatía desbordante, e incapaz de ocultar su entusiasmo por ser parte de esta cinta.

La actriz francesa caracterizada para "Enemigos públicos". Marion Cotillard interpreta a Billie Frechette, la novia de John Dillinger.

]]> Marion Cotillard no es Edith Piaf. Pero sus nombres están unidos en el recuerdo de todos por la película biográfica "La vie en Rose" ("La mome", 2007), en la que Cotillard interpretó con tal convicción a Piaf que obtuvo el Óscar. Se convirtió así en la segunda actriz francesa en ganar el codiciado premio. Pero Cotillard y Piaf no pueden ser más diferentes. Solo comparten la nacionalidad y la pasión por los escenarios. Además, Piaf es una leyenda y Cotillard recién está labrando su propio mito. Para comenzar, desde su triunfo en la ceremonia de la Academia del 2008, Hollywood le ha abierto las puertas y este año la veremos en dos superproducciones: "Enemigos públicos", de Michael Mann; y "Nine", de Rob Marshall. Dos proyectos que forman parte de un trabajo de adaptación a un nuevo sistema de producción y en un idioma que no es el suyo. "Mientras filmamos con Michael Mann en Chicago no permití que nadie me hablara en francés", nos dice la actriz. "Esa fue la regla básica para perfeccionar mi inglés". Sonríe.
"Enemigos públicos" es una ambiciosa recreación del mundo de John Dillinger (Johnny Depp), el famoso gángster de los años treinta, desde su ascenso en el mundo del crimen organizado hasta su espectacular cacería en manos del agente del FBI Melvin Purvis (Christian Bale). Marion Cotillard tiene el papel de la novia del criminal. "Es una mestiza", nos explica la actriz. "Tiene sangre canadiense y piel roja, pero está totalmente integrada al mundo estadounidense". En "Nine" las cosas son diferentes. Se trata de una adaptación para el cine del musical de Broadway del mismo título con música de Maury Yeston. Una visión cantada de "8 1/2", el clásico de Fellini. La historia de Guido Contini, un realizador cinematográfico que en medio de una crisis creativa analiza las diversas relaciones con las mujeres de su vida: su esposa, su madre, sus amantes, las prostitutas e incluso una crítica de cine. Marion es Luisa, la esposa, una personaje creado con la imagen de Giulietta Massina en mente. "Aunque no es totalmente Giulietta", nos aclara Marion, quien en la pantalla comparte a Daniel Day-Lewis, en el papel de Guido, con Nicole Kidman, Penélope Cruz, Sophia Loren, Judi Dench y Kate Hudson, entre otras.

Marion celebra el Óscar con Sharon Stone.

Un mundo de hombres
El universo de Michael Mann es principalmente masculino. Sus personajes exploran no solamente sus instintos más violentos sino una serie de niveles emocionales tremendamente masculinos que van de la solidaridad y la mutua admiración hasta las venganzas más siniestras y el cumplimiento del deber a cualquier precio. ¿Qué hace Marion Cotillard en medio de todo eso? La actriz me mira con curiosidad y sin borrar la sonrisa de sus labios me comenta: "Es cierto que el universo de Mann es muy masculino. Pero te diré algo. Cuando aparece una mujer, ella se convierte en el centro de la atención. Tanto en la pantalla como fuera de ella. Mira a Gong Li en 'Miami Vice'. Mientras duró el rodaje y estuve haciendo mi trabajo, Mann y su equipo no dejaron que nada me perturbe. Siempre fueron atentos, muy considerados".

Johnny Depp en el papel de John Dillinger en "Enemigos públicos".

-¿Y Johnny Depp?
-Bueno, ya te imaginarás. Al comienzo no podía creerlo: "Estoy en una película con Johnny Depp. Vamos a besarnos!" No es algo que suceda siempre.
-¿Cómo reaccionó tu novio?
-Es director de cine. Sabe de estas cosas y es paciente. Pero igual no creo que le guste mucho la situación.
Para Marion su integración al modo de trabajo estadounidense no ha sido difícil. Es más, lo disfruta a cada momento. "Te diré una cosa, aprecio mucho la educación y el trato de los americanos. En París nadie entra a un ascensor y saluda a todos con una sonrisa. Nadie te mira ni se interesa por ti. Aquí es diferente". Tal vez se trata de puro formalismo, le sugiero. "Aún así es mucho más agradable que entrar en un lugar donde nadie te muestra ninguna simpatía".

Sensacional como Tina Lombardi, la asesina de "Un long dimanche de fiancailles". Recibió el premio César a la mejor actriz de reparto por este trabajo.

La bella Marion
En persona Marion es mucho más delicada que en el cine. Nació en París el 30 de setiembre de 1975. Hija de actores, creció en Orleans, ingresando al Conservatorio de Arte Dramático de esa ciudad. Tenía 19 años cuando apareció en su primera película: "L' Histoire du garçon qui voulait qu'on l'embrasse" (1994). Antes de recibir la aclamación internacional por "La vie en rose", Marion llamó la atención de sus compatriotas en varios filmes, especialmente en el papel de la prostituta asesina de "Un long dimanche de fiancailles" (2004), de Jean-Pierre Jeunet. Un trabajo que le mereció el César a la mejor actriz de reparto.
"La vie en rose" se estrenó oficialmente en el festival de Berlín y cuando Marion apareció en el escenario tras la proyección recibió un aplauso de 15 minutos de una audiencia entusiasmada con los trabajos. Incluso los críticos más excépticos que no se mostraron muy impresionados con la película admitieron que la actuación de la joven actriz era estupenda.
-Pero no cantaste en esa película.
-Me habría gustado, pero no era lo indicado.
-¿Escucharemos tu voz en "Nine"?
-Sí. Esta vez sí cantaré.

¿Qué nos hace humanos?

2009-06-12T03:53:53Z

Es la pregunta que se hace John Connor (Christian Bale) al descubrir a la máquina creada para aniquilarlo en la nueva película de la saga de "Terminator". Ni Connor ni el filme tienen la respuesta. Pero la inteligencia del guion y el equilibrio de la fórmula se atreven a reflexionar sobre el tema sin grandilocuencia pero con corazón.

Versus. John Connor (Christian Bale) cree haber encontrado a la criatura capaz de eliminarlo, Marcus Wright (Sam Worthington). La cinta cuenta sus historias en paralelo y plantea un espectacular duelo de talentos.

]]> "Terminator 4" ("Terminator Salvation") comienza de una manera inesperada. Es el año 2003. Un condenado a muerte recibe en prisión la visita de una doctora y dona su cuerpo para futuros experimentos a cambio de un beso. "Así que este es el sabor de la muerte", le dice a la Dr. Kogan (Helena Bonham Carter) tras besar sus labios, sabiendo que la mujer sufre de un cáncer incurable. ¿Qué tiene que ver todo esto con la ya legendaria historia de John Connor y la salvación de la especie humana? Aparentemente nada. Es una historia en sí misma y nos gustaría haberla visto desde un comienzo. Pero es justamente esa poca información sobre una tragedia humana la que nos compromete desde un principio con un personaje extraño y conmovedor, duro y esperanzador: Marcus Wright (Sam Worthington).

Luego vienen un salto en el tiempo hacia un futuro inmediato en el 2018 y reencontramos un escenario post apocalíptico en donde John Connor lidera desde la clandestinidad a los rebeldes que luchan contra las máquinas. Un planteamiento irresistible.

Christian Bale confirma su puesto como un actor de recursos inesperados y excelentes decisiones en esta nueva cinta.

La serie de "Terminator" comenzó en 1984 por obra y gracia del entonces prometedor James Cameron. "El exterminador" ("The Terminator") se convirtió no solo en un éxito comercial protagonizado por Arnold Schwarzenegger, sino también en una película de culto en donde todos los elementos reunidos daban forma de alguna manera a una nueva historia mesiánica sobre la destrucción inminente de la especie humana y la única salida para ello: el liderazgo de John Connor.

El éxito fue superado en la segunda entrega, "Terminator: El juicio final" ("Terminator 2: Judgment Day", 1991), también dirigida por James Cameron. Una portentosa narración que acrecentó el mito de John Connor, llevándolo a esferas inesperadas. En la tercera entrega, "Terminator: La rebelión de las máquinas" ("Terminator 3: Rise of the Machines", 2003), dirigida esta vez por Jonathan Mostow, las cosas cambiaron. El drama perdió seriedad y aunque no se trata de una mala película poco tenía que ver con la intensidad de sus predecesoras.
"Terminator 4" trae las baterías recargadas y completa un ciclo, dejando abiertas nuevas posibilidades de renovación para la saga.

El australiano Sam Worthington es el actor elegido para interpretar al casi inquebrantable Sam Marcus, un personaje complejo. Atormentado por errores del pasado, enfrentará su destino sobreponiéndose a los designios endemoniados de la ciencia.

"Terminator 4" es dirigida por McG, un realizador de quien esperaba poco o nada, tras haber visto las desastrozas "Charlie's Angels 1 y 2". De alguna manera salta de ese vacío narrativo de explosiones y disfuerzos y nos entrega una cinta sólida, dramática y reflexiva.

Para contarnos la historia divide la trama en dos: John Connor, por un lado, al frente de la resistencia; y Marcus Wright, por el otro, amnésico y buscando la razón de su existencia. Hay un tercer pesonaje clave en todo esto y tremendamente significativo para los dos: Kyle Reese (Anton Yelchin), de cuya supervivencia depende el pasado y futuro de los seres humanos.

Kyle Reece, interpretado por el joven actor ruso Anton Yelchin. Quienes conocen la saga saben perfectamente qué papel cumple dentro de la historia.

Ambos caminos son tremendamente atractivos no solamente por los obstáculos que presentan, los ataques de las máquinas y el despliegue de efectos visuales. Sino también por los conflictos internos de sus personajes. Connor está obsesionado por cumplir su destino ("Este no es el futuro del que mi madre me previno", comenta en un momento del filme. "Algo ha cambiado"). Wright por descubrir su misión. Ambos se dan cuenta que algo no funciona como esperaban y que para corregir las cosas es necesario un sacrificio ulterior. De pronto, las máquinas no son tan letales como las propias decisiones que cada uno debe tomar.

T-600. La máquina indestructible, diseñada para destruir al género humano. Solo hay una máquina con mayores poderes y es necesario descubrir dónde está.

Repito. "Terminator 4" es una sorprendente reactualización de los elementos que hicieron de los primeros filmes de la saga un fenómeno. La virtud principal ha sido enfocar todo desde un punto de vista diferente. Una estética propia y con un concepto de los personajes que le deben mucho a los nuevos intérpretes. Porque si bien mantienen las características de los originales, se mueven de acuerdo al estilo del nuevo reparto. Por ello la contribución de Christian Bale es valiosa. Porque es John Connor sin parecerse a sus predecesores. No hacía falta.

Incluso los personajes secundarios, como Blair Williams (Moon Bloodgood) y Barnes (Common), resultan apropiados en los momentos en que intervienen. Muchos presentan viejos clichés (Barnes quiere vengar la muerte de su hermano) pero dentro del drama funcionan.

Un guiño al pasado. La imagen de Arnold Shwarzenegger como el original Terminator reaparece en una sensacional secuencia de acción.

Cannes 2009: El triunfo del maestro Haneke

2009-05-25T16:49:17Z

El festival de Cannes llegó a su fin. Y el triunfo ha sido del maestro Michael Haneke, el controvertido realizador alemán, de quien podemos ver actualmente en cartelera "Juegos macabros". No puedo opinar sobre la calidad de los filmes premiados porque no he visto ninguno. Cumplo con publicar la lista de ganadores y responder a sus preguntas sobre los ganadores y sus respectivos trabajos previos.

El maestro Haneke recibe el saludo de Isabelle Huppert, presidenta del jurado de Cannes. Juntos trabajaron en una película controvertida: "La profesora de piano".]]> Palmarés

Palma de Oro DAS WEISSE BAND (La cinta blanca), de Michael Haneke

Grand Prix UN PROPHETE (Un profeta), de Jacques Audiard

Mejor director Brillante Mendoza (Kinatay)

Merjor guion Lou Ye (Chung Feng Chen Zui de Ye Wan)

Mejor actriz Charlotte Gainsbourg (Antichrist)

Mejor actor Christoph Waltz (Inglorious Basterds)

Premio del jurado FISH TANK, de Andrea Arnold, y BAK-JWI, de Park Chan-Wook

Premio especial Alain Resnais, por toda su carrera. Este año presentó "Les herbes folles".

Charlotte Gainsbourg recibe el premio a la mejor actriz por "Antichrist", dirigida por Lars Von Trier.

El actor austríaco Christopher Waltz recibió el premio a la mejor interpretación masculina por su papel en "Inglorious Basterds", dirigida por Quentin Tarantino.

Este año el jurado estuvo conformado por la actriz taiwanesa Shu Qi, la actriz estadounidense Robin Wright Penn, el guionista británico Hanif Kureishi, el director coreano Lee Chang-Dong, la actriz italiana Asia Argento, la actriz india Sharmila Tagore, la actriz francesa y presidenta del jurado Isabelle Huppert, el director turco Nuri Bilge Ceylan y el director estadounidense James Gray.

El maestro Alain Resnais, autor de grandes películas a lo largo de los años, recibió el reconocimiento del festival por toda su carrera.

Genio y figura. La actriz francesa Isabelle Adjani fue invitada a la ceremonia de clausura para presentar uno de los premios.

Michael Haneke en América

2009-05-21T19:21:54Z

Aunque prefiero escribir sobre películas que se estrenan en el circuito comercial limeño, en marzo del año pasado debido a la sorpresa y al entusiasmo escribí esta entrada sobre "Juegos macabros" ("Funny Games U.S."), de Michael Haneke. Un realizador al que admiro mucho y que con este filme (remake de un filme suyo) hizo su debut como director en Estados Unidos. Vuelvo a publicar lo escrito porque hoy, finalmente, se estrena el filme en nuestra capital. No dejen de verla.

Vacaciones inolvidables. Una escena de "Funny Games", remake del filme del mismo nombre de 1997.

]]> Marzo 31, 2008: Acabo de ver una de las películas más perturbadoras de los últimos años: “Juegos macabros”, dirigida por el realizador alemán Michael Haneke. Verla ha sido una prueba de resistencia emocional porque junto a la casi incondicional admiración por cada plano, palabra y movimiento de cámara, surgía también un sentimiento de rechazo y cuestionamiento sobre los límites de la creación cinematográfica. Sin duda, un nuevo triunfo de su autor.

Juegos originales. Una escena de la versión original del filme de Haneke.

No es la primera vez que un realizador europeo acepta pasar al cine estadounidense para dirigir un remake de una película suya. Y lo hacen muchas veces sacrificando parte de sus ideas originales en beneficio de adecuar el material a los gustos de un público más amplio. Recuerdo perfectamente la tremenda decepción que me causó “The Vanishing” (1993), de George Sluizer, en la que el héroe (Kiefer Sutherland) resucita de un entierro en vida para cobrar venganza. Cosa que no ocurría en el original, “Spoorloos” (1988), realizada por el mismo Sluizer en Holanda.
Ahora el turno es de Michael Haneke, el mismo director de “Escondido” (2005), quien debuta en Estados Unidos con “Juegos macabros”, una fiel versión del filme del mismo título de 1997.

La reacción de los críticos en Estados Unidos no ha sido unánime aunque todos se inclinan a cuestionar los límites del entretenimiento. Porque Michael Haneke, fiel a sí mismo, ofrece en “Funny Games U.S.” una película extraordinaria y temible a la vez. Mike D’Angelo, crítico de Esquire, publica sus puntos de vista bajo un título muy adecuado: “La película más brutal jamás realizada. Realizada otra vez”. Allí cuestiona sus propios sentimientos y se pregunta: ¿Es válido disfrutar de alguna forma de arte que implica ver sufrir a las personas? Sobre todo si ese sufrimiento se realiza a través de un ejercicio de suspenso, perfectamente organizado y sin aparente solución.
Porque no estamos frente al espectáculo crudo de “La pasión de Cristo” (2004), de Mel Gibson, capaz de ofrecernos los 40 azotes en la columna perfectamente individualizados para, en la mejor tradición medieval, poner a prueba nuestra fe. En “Funny Games U.S.” estamos frente a una experiencia menos primitiva y bastante más aterradora.
A.O. Scott, desde su lugar en “The New York Times”, es más duro con el filme de Haneke: “Un espectáculo de insensible y gratuita brutalidad. Por supuesto, hay muchas películas así, pero pocas de ellas tienen tal prestigio artístico o estético”. Y finaliza con una reflexión sobre la condición del público mismo que entienda la violencia como una forma de entretenimiento: “Nuestro problema es que pensamos que la violencia es divertida. Bien, la diversión se acaba aquí, gente”.

¿Ángeles o demonios? Michael Pitt y Brady Corbet como los psicópatas capaces de perpetrar las mayores vejaciones a la familia ideal estadounidense.

Vacaciones familiares
La trama del filme es muy simple a primera vista: Una familia acomodada sale de la gran ciudad a pasar unas vacaciones en su casa de campo; apenas instalada recibe la visita de dos adolescentes desconocidos que, en pocos instantes, toman el control de la situación y someten a los tres miembros de la familia a una serie de ‘juegos’ que, en realidad, son torturas. El salvajismo no tiene límites para ellos y todo se muestra con absoluta frialdad al espectador.
Encuentro irresistible el tono inicial del filme. Hay una cadencia en la atmósfera que prefija con absoluta maestría el ambiente de pesadilla que se apodera más delante de la pantalla. Incluso antes de la aparición de los créditos la sensación de que el diablo asoma es innegable: la familia viaja por la autopista escuchando ópera y, tras la introducción de los personajes, la cámara los deja seguir en su viaje justo cuando irrumpen los títulos con un rock pesado, casi diabólico.
Pero es en el planteamiento del inminente brote de violencia que la maestría de Haneke se instala para no dejar más la pantalla. En esa inquietante aparición de uno de los psicópatas, pidiendo prestados unos huevos, cuando entendemos que estamos en un viaje sin retorno. Un viaje, además, que hemos emprendido por propia voluntad. Estamos en un territorio tremendamente peligroso y que, si conocemos el trabajo previo de su director, puede acarrearnos malos ratos reales.

El universo de Haneke puede parecer sórdido y espeluznante. Pero la condición humana que exhibe es tan fuerte que nunca resulta artificial y, muchos menos, fabricada exclusivamente para sorprender o escandalizar. Si “La pianista” (2001) resultaba excesivo para alguien se debía justamente a que osaba mirar a los lugares más recónditos del alma y dejaba al desnudo una serie de tabúes sexuales que quedan siempre ocultos porque de ‘eso no se habla’. En el terreno fantástico, “Le Temps du loup” (2003) no es más que la prolongación de esos temores, llevados a la naturaleza animal misma.
“Juegos macabros” intenta trascender la naturaleza de estas aventuras previas y nos introduce en una mundo aparentemente perfecto, de buenos padres de familia, casas de campo y tiempo de sobra para disfrutar de no hacer nada. Haneke mira todo esto con ironía porque sabe que este cristal idealizado es débil y puede resquebrajarse en cualquier momento. En este caso se pulveriza. La civilización toma por sorpresa a esta buena gente y no será como en “La pianista” o “Le Temps du loup”, donde la voracidad natural de sus protagonistas les acarreaba la tragedia. Es más bien la sofisticación de una clase privilegiada la principal herramienta de dolor. De pronto, los juegos de palabras se convierten en el arma devastadora y las camionetas deportivas, los veleros e incluso los palos de golf, se transforman en elementos letales. El hombre ha creado su propia maquinaria de muerte en una serie de objetos de lujo.

En medio de todo esto, las víctimas: padre, madre e hijo. Tim Roth y Naomi Watts asumen con gran dominio de escenas los papeles estelares. Lo hacen manteniendo la medida exacta de la emoción que cada instante requiere, lo que no es fácil porque tienen que interpretar a padres de un niño que es torturado frente a sus ojos. Allí está el genio de cada uno perfectamente ensamblado en todo creado por el director, de tal manera que ninguno de los dos convierte la escena en un espectáculo personal.
¿Y qué decir de Paul y Peter? Son los ángeles de la muerte. Inmaculados, van vestidos de blanco e incluso llevan guantes. Hay algo en ellos que nos recuerdan a todos los serial killer previos y aun así siguen siendo originales. A primera vista la amenaza surge de sus aparentes torpezas y más adelante empiezan a cobrar dimensiones endemoniadas que, felizmente, no llegan a la pantalla con muecas o histrionismos exasperados. Michael Pitt y Brady Corbet saben hacer suyos los personajes.

Interpretación. Naomi Watts confirma su lugar como una de las más completas actrices de su generación.

Ignoro qué pasa por la cabeza de Haneke. ¿Condena a las clases acomodadas por su aparente desdén hacia el peligro? ¿O simplemente quiere advertir que el terror está a la vuelta de la esquina? Sea lo que quiera decir, el mensaje que nos llega es desconcertante y desolador. La violencia vive entre nosotros. Es capaz de sacrificar a un niño inocente, a una familia aparentemente inofensiva. Allí está, instalada entre nosotros de manera que es espectáculo, diversión y entretenimiento. De horror, realmente.

Juegos macabros/Funny Games U.S.
(EE.UU. 2007). Director: Michael Haneke. Guion: Haneke, basado en su guion original llevado a la pantalla en 1997. Actores: Naomi Watts, Tim Roth, Micheal Pitt, Brady Corbet, Devon Gearhart, Boyd Gaines, Robert LuPone, etc. Duración: 107 minutos. Distribuidor en el Perú: Incierto.

La paradoja de siempre: "Ángeles & Demonios" lidera la taquilla

2009-05-18T03:52:23Z

Ron Howard y Tom Hanks. Hechos el uno para el otro. Como lo demuestra esta nueva aventura que rompe la taquilla en muchos países pese a las debilidades de la puesta en escena. "Ángeles & Demonios" es un nuevo ejemplo de truculencia poco sostenida, simpatías simplonas y ataques al más reciente símbolo del mal del sensacionalismo: la Iglesia Católica. Atención: En el siguiente comentario se revelan elementos de la trama y del final.

Tom Hanks vuelve a interpretar a Robert Langdon, el más improbable científico e investigador creado por Hollywood en los últimos años.

]]> Tal como lo hicieron con “El código Da Vinci”, Ron Howard y Tom Hanks consiguen llamar la atención apelando a un best-seller de Dan Brown. Esta vez se trata de “Ángeles & Demonios”, que no es una continuación de la anterior cinta, aunque su protagonista sigue siendo el improbable Robert Langdon.
Como en el filme anterior se trata de un argumento que compromete a la historia del mundo cristiano, al arte renacentista y a ciertas revelaciones de tales dimensiones que podrían cambiar la imagen y estructura de la Iglesia Católica. Elementos provocadores a los que se suma un despliegue único: escenarios espectaculares, grandes masas en acción y un reparto estelar. Pero, claro, el resultado es tan superficial como la investigación que emprenden los protagonistas.

La actriz israelí Ayelet Zurer interpreta a la italiana Vittoria Vetra, principal colaboradora de Robert Langdon, en una investigación aparatosa que los llevará de iglesia en iglesia por Roma y el Vaticano.

Un artefacto capaz de provocar una terrible explosión es robado de un laboratorio y colocado en un lugar estratégico en el Vaticano durante las celebraciones de un cónclave. Para agravar la situación los cuatro prelados favoritos al papado son secuestrados para ser asesinados. Detrás de este ataque terrorista se encuentra una sociedad secreta, los Illuminati, que ha esperado durante 400 años en la oscuridad para vengarse de la Iglesia. La policía italiana poco sabe de todo esto y llama en su ayuda al doctor Robert Langdon (Tom Hanks), especialista en simbología. Junto a la doctora Vittoria Vetra (Ayelet Zurer), una de las creadoras del artefacto robado, emprenderá una investigación en contra del tiempo pues los asesinatos deben realizarse progresivamente a las 8, 9, 10 y 11 de la noche.
No voy a negar que hay elementos ideales para un thriller realmente emocionante. Pero la puesta en escena es tan simplona que cualquier posibilidad persuasiva desaparece.
Nadie en su sano juicio puede creer que algo tiene sentido en esta historia. No es que apele a un realismo siquiera moderado. No es así. El cine tiene infinidad de películas de pura fantasía donde todo luce creíble dentro de su propio universo. Pero la articialidad con la que juega Howard es totalmente inútil. Y las pistas que va descifrando Langdon totalmente risibles: bastaría que un niño de cinco años siga la dirección de las flechas de las impresionantes esculturas de los ángeles de Roma para llegar a descubrir el lugar de la bomba.

A primera vista el Camerlengo Patrick McKenna (Ewan McGregor) parece reunir las cualidades de un verdadero santo de la Iglesia. Pero el personaje esconde muchos secretos.

A ello se suma un grupo de personajes caricaturizados en extremo. Tom Hanks es el más anodino de los científicos e investigadores del cine estadounidense. Junto a él Indiana Jones luce como un auténtico arqueólogo. Su inutilidad es tan obvia que desata algunas risas durante la ejecución de sus proezas. Ignoro si el público es incapaz de separarlo de Forrest Gump o del conjunto de papanatas que interpretó antes de ganar el Óscar, pero cómico resulta a cada instante.
Ewan McGregor trata de salir ileso de interpretar a un sacerdote aparentemente virtuoso: el Camerlengo Patrick McKenna, encargado del control del Vaticano mientras se elige al nuevo papa. No lo consigue. Pero dadas las condiciones ni John Gielgud podría haber sacado a este personaje adelante. Su simplicidad inicial es anodina y al ser revelada su verdadera condición fundamentalista solamente vemos un giro en el guion y no precisamente un trabajo interpretativo de algún valor.

La Iglesia Católica vuelve a ser el blanco de ataques. Lo curioso es que este tipo de material no revela nada especial, sino que convierte a sus altos prelados en simples villanos de folletín. Nadie podría tomar realmente en serio las acusaciones que "Ángeles & Demonios" esgrime en su contra.

¿Y la Iglesia? Poco o nada le pueden hacer los ataques de una cinta con una propuesta tan elemental. Lo curioso es que a diferencia de “El código Da Vinci”, donde se da por cierta la naturaleza humana de Cristo, despedazando el principal dogma de las creencias cristianas, en “Ángeles & Demonios” hay una intención de pasar por agua tibia los ataques. Al final de la película el nuevo Papa invita a Langdon y Vetra a las celebraciones de su elección. Entonces, el cardenal Strauss (Armin Mueller-Stahl) le recuerda al investigador que no culpe a la Iglesia por las debilidades humanas. Sembrando así las dudas a favor de la naturaleza divina de una institución satanizada por Brown y sus novelas. Tal vez es la manera de Ron Howard de no ganarse un nuevo pleito con el mundo católico.

Star Trek: J.J. Abrams realiza un gran viaje a las estrellas

2009-05-12T17:40:11Z

Sin temor de parecer un fanático debo reconocer mi entusiasmo por “Star Trek”. Siempre tuve fe en J.J. Abrams y en esta ocasión no me equivoqué. Su trabajo está a la altura de las circunstancias y nos ha entregado una cinta de puro entretenimiento realizada con estilo, gracia y emoción.

Spok y Kirk, estrellas de la saga original de "Star Trek" vuelven para contarnos sus orígenes en la película de J.J. Abrams.

]]> Nunca fui admirador especial de alguna de las versiones de la serie “Star Trek” o de las películas que se realizaron alrededor de sus personajes. Recuerdo haber visto en mi infancia algunos episodios de la producción original y solo recuerdo con precisión al señor Spok (Leonard Nimoy). Años después traté de engancharme con “Star Trek: The Next Generation” debido a la presencia de Patrick Stewart, un actor que me interesa mucho. Pero no funcionó. Y sobre las películas realizadas para el cine no me quedan mayores recuerdos, lo que indica que me gustaron poco en su momento.

Inclasificable. Así es el futuro capitán Kirki, interpretado por Chris Pine.

Mi interés en esta oportunidad se debe principalmente a la presencia de J.J. Abrams como director del proyecto. Uno de los pocos realizadores contemporáneos procedentes de la televisión que me intrigan realmente. Su trabajo en las teleseries “Alias” y “Lost”, es simplemente brillante. Ha renovado a los géneros del espionaje internacional y el misterio paranormal en la televisión. Y su paso al cine era inevitable. Sin embargo, su ópera prima en la pantalla grande no fue lo que todos sus admiradores esperábamos. “Misión Imposible III” (2006) resultaba rutinaria pese a los pequeños brillos que pudo introducirle.

“Star Trek” es todo lo contrario. Hay emoción en cada instante y, como ya lo dijo algún crítico estadounidense, Abrams ha sido suficientemente inteligente para no tomar el material como si se tratara de las sagradas escrituras. Todo lo contrario. Ha sido capaz de revitalizarlo y ofrecernos los orígenes de la saga con humor, buen criterio y mano firme. Divide con acierto la narración en dos partes, las historias de Spok y el futuro capitán Kirk, como si se tratara de dos películas diferentes para luego fundirlas en un todo muy bien integrado. Ambos personajes son muy carismáticos. Capaces de atraer nuestra atención pese a las diferencias entre cada uno.

Excelente elección del actor Zachary Quinto, actualmente parte del elenco de "Heros", para interpretar al joven Spok.

A las historias personales de los dos protagonistas se suma los atractivos del mundo del mal, con Nero a la cabeza, y el salto al futuro con la presencia del Spok original, interpretado por el irremplazable Leonard Nimoy. Excelentes efectos visuales, una dosificada aparición del resto de criaturas espaciales, buen ritmo narrativo y una historia absorvente. Como dije, se trata de puro entretenimiento.

Irreconocible Eric Bana como el malévolo Nero.

El momento de Wolverine

2009-05-04T20:01:29Z

La saga se recupera. En parte. Tras la debacle de una tercera parte que no estaba a la altura de sus predecesoras, "X Men Origins: Wolverine" devuelve brillos a la historia de los héroes mutantes. Sin llegar a ser una película notable, la cinta tiene sus atractivos.

Los orígenes. Hugh Jackman encabeza el reparto de una cinta que, de comienzo a fin, ofrece grandes emociones.

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Nunca oculté mi admiración por las dos primeras películas de "X Men". Bryan Singer realizó un especial trabajo al darle vida a un puñado de héroes mutantes. Pero más allá del despliegue de poderes de sus inusuales protagonistas, los dotó de una oportuna ambigüedad que los humanizaba en gran medida. Brett Ratner se encargó de convertir la serie en una previsible sucesión de incidentes sin mayores brillos en "X Men: The Last Stand", donde incluso los personajes más queridos de las cintas anteriores lucieron artificiales.

"X Men Origins: Wolverine" no alcanza niveles de excelencia en cuanto a cinematografía se refiere. Pero ofrece una digna dosis de entretenimiento capaz de devolverle interés a Wolverine y sus compañeros. Claro, la acción en esta oportunidad está centrada en los orígenes de Logan/Wolverine (Hugh Jackman) y su enfrentamiento a su propio hermano, Victor (Liev Schreiber). En este duelo es donde encontramos los elementos más interesantes y provocadores de la cinta. Y aunque la escena de introducción y el diseño de créditos nos ofrecen mucho más de lo que llegamos a recibir, el desarrollo no está mal. Sobre todo porque la apuesta no es por un cine reflexivo, como pudo plantearlo Singer, sino más bien por la acción total. Y en ese sentido "Wolverine" cumple.

Caín y Abel. Un duelo de interés: Hugh Jackman versus Liev Schreiber.

Wolverine es un héroe especial por una serie de circunstancias. Lo mueven motivaciones animales en constante enfrentamiento con su lado humano. Tiene arraigado un código moral admirable. Y sus poderes naturales así como su posterior intervención científica le confieren un aura trágica como solo un personaje de sus dimensiones puede soportar. Junto a él, su hermano luce totalmente animal. Y es por eso que resulta un villano tan atractivo. Felizmente los realizadores le ofrecieron el papel a un actor suficientemente inteligente como Liev Schreiber, capaz de pasar del cine al teatro y viceversa con los proyectos más variados. Y aunque su Victor es unidimensional, sabe aportar presencia y "garra" con huella propia.
El resto del reparto hace lo que puede con sus respectivos papeles. Pero en esta ocasión es difícil tratar de destacar. A diferencia de los filmes anteriores, no se trata de un trabajo coral con historias paralelas. Todo está centrado en Wolverine y lo demás es accesorio. Por supuesto, destaca en cierta medida Danny Huston en el papel de Stryker, aunque atendiendo los viejos esquemas del malo integral que existen desde el comienzo del cine.

Debemos este esfuerzo al sudafricano Gavin Hood, quien se dio a conocer con "Tsotsi" (2005), ganadora del Óscar a la mejor película en idioma extranjero.

Taylor Kitsch en el papel de LeBeau. Un hombre X para seguirle el rastro.

¿A quién le gusta Tom Hanks?

2009-04-29T15:13:49Z

Tom Hanks, una de las estrellas más amadas por la industria de Hollywood, acaba de recibir una distinción mayor: el premio Charles Chaplin de la Sociedad Fílmica de Lincoln Center. Un pretexto ideal para comentar sobre la carrera de un actor tan popular, ganador en dos oportunidades del Óscar y convertido también en productor y director.

Honores. Tom Hanks durante la ceremonia en el Lincoln Center de Manhattan hace unos días.

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Me costó trabajo aprender a respetar a Tom Hanks. Su transición de comediante de televisión y luego de cine a actor dramático y ganador del Óscar no me convenció en su momento. Tampoco ahora, sobre todo en esa etapa. Pero de un tiempo a esta parte aprecio su dedicación a un cine bastante más equilibrado que el de muchos de sus colegas.
Incluso su actuación en “Rescatando al soldado Ryan” me parece una de sus mejores interpretaciones, más allá del resultado completo del filme: las mejores escenas bélicas jamás filmadas, por un lado, y un guion melodramático en exceso, por otro.
Hanks ha sabido transformarse y allí está su mayor mérito. Pero no del comediante al actor dramático, como muchos piensan. Sino de la estrella al artista comprometido.
Al repasar sus actuaciones debo confesar mi extrañeza frente al éxito de papeles como Andrew Beckett, el abogado enfermo de SIDA en “Filadelfia”; y, sobre todo, el sobrevalorado Forrest Gump de la cinta del mismo título.
Sin embargo, resulta muy conmovedor como Sam Baldwin, el viudo inconsolable de “Sleepless in Seattle”. Persuasivo como el sobreviviente de una tragedia aérea en “Náufrago”. Y contundente como el político oportunista de “Charlie Wilson’s War”.
De sus comedias iniciales debo reconocer lo divertido que resulta en “Splash” y, más allá de la calidad del filme, en “Despedida de soltero”.

Homenaje en Nueva York

[DPA]. El actor Tom Hanks recibió otro premio por sus méritos como actor, director y productor. Pero esta vez no se trata del premio de la Academia —que ya recibió en dos oportunidades— ni del Globo de Oro.

La Sociedad Fílmica del Lincoln Center, a la que también pertenece el Metropolitan Opera House y otras instituciones culturales de prestigio, dedicó a Hanks la gala de este año y le entregó el premio Charles Chaplin. Esta distinción fue entregada anteriormente a genios de la realización como Alfred Hitchcock, Federico Fellini y Billy Wilder, así como a gigantes de la actuación como Laurence Olivier, Elizabeth Taylor y Meryl Streep.

El premio lleva el nombre de Chaplin, quien luego de retornar del exilio fue el primero en ser honrado con esta distinción en 1972.

Tom Hanks tiene la fama de ser uno de los representantes más sociables y simpáticos de la industria cinematográfica. Y tal vez por ello gran cantidad de estrellas de Hollywood participó en la gala. Los directores Steven Spielberg y Ron Howard, así como las actrices Julia Roberts y Charlize Theron, y el cantante Bruce Springsteen alabaron a su colega y amigo por su humor y dedicación al trabajo. También asistió su hijo Colin, quien actualmente aparece en un papel secundario en la obra de teatro “33 Variations”, junto con Jane Fonda.

Thomas Jeffrey Hanks nació el 9 de julio de 1956 en Concord, California. Tuvo una infancia desordenada, debido a la separación de sus padres, vivió en diversas ciudades y alternó su estadía con sus progenitores. De niño nunca participó en el teatro escolar y solo descubrió su vocación muchos años después.

Tras su paso por la televisión, comenzó a abrirse paso en las comedias del cine, hasta que su paso al drama le abrió las puertas de las grandes ligas.

Hasta el momento, Hanks ha recibido dos premios Óscar: por “Philadelphia” (1993) y “Forrest Gump” (1994).

Estrellas y amigos en el homenaje

Julia Roberts, su coestrella en "Charlie's Wilson War".

El actor británico Jeremy Irons llega en motocicleta a la gala.

La ganadora del Óscar Charlize Theron.

También actor, Colin Hanks, hijo de Tom. Acaba de debutar en Broadway junto a Jane Fonda en "33 Variations".

El actor Adrien Brody, también ganador del Óscar.

Filmografía completa

Las películas con asterisco (*) señalan las actuaciones de Tom Hanks que considero realmente buenas, más allá de los géneros o la calidad de cada película:

1980 He Knows You’re Alone, de Armand Mastroianni
1984 Splash, de Ron Howard *
1984 Despedida de soltero (Bachelor Party), de Neal Israel *
1985 El hombre del zapato rojo (The Man with One Red Shoe), de Stan Dragoti
1985 Voluntarios (Volunteers), de Nicholas Meyer
1986 The Money Pit, de Richard Benjamin
1986 Nothing in Common, de Garry Marshall
1986 Every Time We Say Goodbye, de Moshé Mizrahi
1987 Dragnet, de Tom Mankiewicz
1988 Quisiera ser grande (Big), de Penny Marshall. Primera nominación al Óscar.
1988 Punchline, de David Seltzer *
1989 The ‘burbs, de Joe Dante
1989 Turner & Hooch, de Roger Spottiswoode
1990 Joe versus el volcán (Joe Versus the Volcano), de John Patrick Stanley
1990 La hoguera de las vanidades (The Bonfire of the Vanities), de Brian De Palma
1992 Radio Flyer, de Richard Donner. Solo un cameo, sin figurar en los créditos.
1992 A League of Their Own, de Penny Marshall
1993 Sintonía de amor (Sleepless in Seattle), de Nora Ephron *
1993 Filadelfia (Philadelphia), de Jonathan Demme
1993 Forrest Gump, de Robert Zemeckis
1995 Apollo 13, de Ron Howard
1995 Toy Story, de John Lasseter. Voz de Woody, el cowboy.
1996 That Thing You Do!, de Tom Hanks. Su debut como director, interpreta un papel de reparto.
1998 Rescatando al soldado Ryan (Saving Private Ryan), de Steven Spielberg. *
1999 You’ve Got Mail, de Nora Ephron
1999 Toy Story 2, de John Lasseter. Voz de Woody, el cowboy.
1999 The Green Mile, de Frank Darabont
2000 Náufrago (Cast Away), de Robert Zemeckis *
2002 Camino de la perdición (Road to Perdition), de Sam Mendes *
2002 Atrápame si puedes (Catch Me If You Can), de Steven Spielberg *
2004 The Ladykillers, de Ethan y Joel Coen
2004 La terminal (The Terminal), de Steven Spielberg
2004 Elvis Has Left the Building, de Joel Zwick
2004 El expreso polar (The Polar Express), de Robert Zemeckis
2005 Magnificent Desolation: Walking on the Moon 3D, de Mark Cowen. Documental narrado por Tom Hanks.
2006 Cars, de John Lasseter y Joe Ranft. Voz de Woody Car.
2006 El código Da Vinci (The Da Vinci Code), de Ron Howard
2007 Charlie Wilson’s War, de Mike Nichols *
2008 The Great Buck Howard, de Sean McGinly. Película protagonizada por Colin Hanks. Tom interpreta a su padre.
2009 Ángeles y demonios (Angels & Demons), de Ron Howard. Todavía no estrenada.

"Milk" y los filmes de Gus Van Sant

2009-04-01T16:03:27Z

¿Es “Milk” una gran película? ¿Cuánto le debe a su director, Gus Van Sant? ¿O es más bien un vehículo de lucimiento para Sean Penn? Tal vez le deba un poco a cada uno de los involucrados en su proceso creativo, comenzando con el propio Harvey Milk, cuya lección de vida dio inicio al proyecto.

]]> La azarosa vida de Harvey Milk, su titánica labor a favor de los derechos homosexuales y las circunstancias de su muerte no podían pasar desapercibidos para el cine. Y desde el momento mismo de su asesinato se comenzaron a gestar algunos proyectos cinematográficos. Ninguno se materializó por una razón: Milk era homosexual. Ningún estudio de cine apostaría por una biografía suya. Después de todo no se trataba de un material demasiado comercial. Si en vida la obra de Milk había quedado relegada a las segundas páginas de informaciones locales de los grandes diarios (con excepción de los de San Francisco), ¿quién pagaría por ir a ver una película sobre la lucha por los derechos de la población gay?

En 1999 apareció un telefilme titulado “Execution of Justice”, dirigido por Leon Ichaso, y con Peter Coyote en el papel de Harvey Milk. Se trataba de una producción que se centraba principalmente en el asesinato de Milk y el alcalde George Moscone (Stephen Young) a manos de Dan White (Tim Daly). No ahondaba demasiado en la lucha social de Milk pero fue el primer proyecto que se consolidó.

El verdadero Harvey Milk. Primer militante de los derechos homosexuales en ocupar un cargo público en Estados Unidos.

Fue necesario un impulso mayor. Y el resultado es “Milk”. Una película que a primera vista nos despierte bastante entusiasmo debido a una serie de elementos reunidos: la posibilidad de filmar una historia que permanecía en la oscuridad; un reparto de primeros nombres encabezado por Sean Penn, justo ganador del Óscar; la dirección de Gus Van Sant, que además de ser un excelente director es un activista gay, por lo que conoce perfectamente el tema que aborda; y el entorno de una producción independiente, ajena a las exigencias de Hollywood.

Pero esa es la primera vista.

“Milk” se desenvuelve como una película aparentemente de autor debido a su manufactura. La cámara en constante movimiento, los excelentes primeros planos, la narración alternando los tiempos y puntos de vista. Incluso el uso del color, la edición del sonido y, claro, las impecables actuaciones. Pero fuera de este envoltorio “Milk” es un biopic convencional.

Lo es no solamente por su desarrollo, sino también por la forma en que se aborda a Harvey Milk. Prácticamente se le presenta como un ser sin debilidades. Tanto que incluso su promiscuidad se enfoca de manera simpática, casi divertida. Y las grandes dudas que lo asaltan simplemente sirven para enfatizar su camino al martirio.

Sean Penn y James Franco en una escena del filme.

Es cierto que el final de Harvey Milk tuvo connotaciones trágicas. Y era natural que siendo víctima de semejante acto de salvajismo se convirtiera en símbolo de una lucha que recién comenzaba. De allí la procesión que acompañó al féretro durante los funerales. Pero el filme no va más allá de las velas y las lágrimas. Y finalmente solo nos ha presentado a otro héroe más del panteón americano.

Gus Van Sant era el director ideal, en teoría. Pero su extremo cuidado al abordar a Harvey Milk solo ha consolidado una película “ejemplar”, de aquellas con mensaje, olvidando al ser humano, sus debilidades y su obra realizada a medias.

Impecable Josh Brolin en el papel del tristemente célebre Dan White.

Los filmes de Gus Van Sant

A continuación la filmografía del controvertido director. He seleccionado sus películas de acuerdo a mi aprecio por ellas:

Notables: "Drugstore Cowboy" (1989), "My Own Private Idaho" (1991), "To Die For" (1995), "Gerry" (2002), "Elephant" (2003) y "Paranoid Park" (2007). Con la excepción de "To Die For", todas son películas muy personales y que siguen una línea estética y contenidos morales muy precisos. En ellas se descubre como un verdadero autor. "To Die For", por otro lado, es la mejor película que Van Sant realizó durante su etapa hollywoodense.

A media caña: "The Last Days" (2005), forzada exploración en los últimos días de un músico muy parecido a Kurt Cobain. "Milk" (2008), leer comentario en esta entrada.

Insufribles: "Good Will Hunting" (1997), una cinta llena de buenas intenciones pero de torpe ejecución y con una actuación empalagosa de Robin Williams; y "Fiding Forrester" (2000), eso de dar lecciones de vida tan directas no va con Van Sant. Como vemos, su etapa hollywoodense es muy floja. Se trata sin duda de un director poco entusiasmado con proyectos ajenos.

Placeres culposos: "Even Cowgirls Get the Blues" (1993). Irresistible fantasía llena de estrellas en las situaciones menos esperadas. La cinta no tiene pies ni cabeza, pero sí una sucesión de imágenes de extraña belleza.

El gran error: "Psicosis" (1998). Nunca entenderé cómo pudieron realizar este remake (plano a plano), demostrando con ello que la genialidad es irrepetible.

Mea culpa: No he visto "Mala noche" (1986).

Gus Van Sant recibiendo la Palma en el festival de Cannes.

Adiós Natasha

2009-03-20T19:55:32Z

Aunque no fue precisamente una estrella de cine, Natasha Richardson fue una excelente actriz de teatro. Tuve la suerte de verla en tres obras y de entrevistarla una vez. Su belleza, extraordinaria personalidad y su gran clase la convirtieron en una de mis actrices favoritas. Su muerte entristece la escena teatral.

Natasha Richardson y Liam Neeson. Se casaron en 1994.]]> PRINCESA DEL CINE

Natasha Jane Richardson nació el 11 de mayo de 1953 en Londres. Hija de la pareja del momento, Vanessa Redgrave y Tony Richardson. Perteneciente a una familia que durante generaciones se había dedicado a las tablas, parecía natural que junto con su hermana Joely (“Nip/Tuck”) siguiera la tradición del clan. Su entrega a la actuación fue total desde el comienzo, aunque el cine nunca le dio la oportunidad ideal para su lucimiento. De su carrera podemos destacar “Gothic” (1986), de Ken Russell; “Patty Hearst” (1988) y “Un juego veneciano”, ambas de Paul Schrader; “Widow’s Peak”, de John Irvin; y “The White Countess” (2005), de James Ivory.

En 1994, se casó con el actor Liam Neeson, con quien tiene dos hijos: Michael Richard Antonio y Daniel Jack.

Natasha con su madre, la gran Vanessa Redgrave, y el director James Ivory en el estreno de "The White Countess". De lejos se trata de su mejor actuación en el cine.

REINA DEL TEATRO

Pero si la participación de Natasha en el cine ha sido más bien discreta, su presencia en el teatro ha sido todo lo contrario.

Recuerdo perfectamente la primera vez que la vi en escena. Interpretaba a Sally Bowles en la reposición de “Cabaret”, puesta en escena en Nueva York por Sam Mendes. Me producía mucha curiosidad ver a esta belleza inglesa interpretar el mismo personaje que había inmortalizado Liza Minnelli. La diferencia entre ambas actrices no podía ser más grande.

Pero cuando Richardson apareció en escena comprendí de inmediato la naturaleza de Sally. En su tiempo, muchas voces señalaron que aunque Liza Minnelli era genial no era la actriz ideal para dar vida a una mediocre cantante de cabaret del decadente Berlín de los años 30. La discreta Natasha le confirió a la protagonista de “Cabaret” una fragilidad que la hacía tierna y cercana. Y cuando subía a escena para interpretar los momentos musicales despertaba nuestra simpatía por enfrentarse a semejante reto, sabiendo que no era una gran estrella musical. Y ahí estaba. Grande en su pretendida mediocridad. Cuando le llegó el turno de interpretar “Maybe This Time” (una canción inimaginable en una voz que no fuera la de Liza), el impacto no pudo ser más intenso.

Era el triunfo de una gran actriz interpretando a una mala actriz. La recompensa fue el Tony a la mejor actriz musical de 1998.

Volví a verla al año siguiente en “Closer”, de Patrick Marber. Mi entusiasmo por verla otra vez recibió una inesperada impresión.

Sobre el escenario no estaba Natasha Richardson, sino Anna, una fotógrafa muy parecida físicamente a ella, pero distante, fría e incapaz de entregarse. La transformación era total.

La última vez que la vi en escena fue en el 2005, en la más reciente reposición de “Un tranvía llamado deseo”, de Tennessee Williams. Natasha asumió el reto de dar vida a Blanche DuBois y enfrentó el recuerdo que Jessica Tandy en las tablas y Vivien Leigh en el cine habían dejado. Sin embargo, la actriz supo tocar todas las fibras de una personalidad excéntrica y confusa, víctima y victimaria, que prefiere la magia sobre la vida.

Como la ingenua Sally Bowles en "Cabaret", dirigida por Sam Mendes.

En "Closer", junto a Ciaran Hinds. Su papel fue interpretado en el cine por Julia Roberts y en nuestra escena por Vanessa Saba.

Natasha como Blanche DuBois en "Un tranvía llamado deseo". La crítica se mostró entusiasta con su actuación pero calificó de inadecuada la presencia de John C. Reilly como Stanley.

En una entrevista que le hice hace algunos años, a propósito del estreno de “Maid in Manhattan” (2002), comprobé que en persona era bastante sofisticada. Respondió con gran personalidad a las preguntas y cuando comenté lo mucho que admiraba a sus abuelos, los actores Michael Redgrave y Rachel Kempson, cambió el tono de la voz y comenzó a tomar más confianza. Me comentó lo orgullosa que siempre se había sentido de ser parte de una familia totalmente dedicada al arte dramático y que al contrario que el resto de hijos de famosos su vida había sido muy feliz junto a todos ellos.

Liam Neeson llega al funeral de Natasha Richardson.

Vanessa Redgrave llega al velorio acompañada por su hija, la también actriz Joely Richardson, y su nieta Daisy Bevan.

El Oso de Oro: "La teta asustada"

2009-03-17T15:51:12Z

Debido a la impresión que nos dejó "Madeinusa", esperábamos con curiosidad y entusiasmo la nueva entrega de Claudia Llosa. Pero antes de verla nos llegó la noticia de su triunfo en Berlín. Debido a todo ello, las expectativas crecieron. Ya en cartelera, esta es mi primera impresión de una película hermosa y fascinante.

]]> Claudia Llosa ya había dado muestras de un talento poco habitual en nuestro cine con “Madeinusa”. Su particular visión de la sociedad que retrataba nos permitía ver entonces a una realizadora preocupada principalmente por la creación. De manera que era la expresión artística la columna vertebral de su primera película, algo que no podía pasar inadvertido para los amantes del cine.

De entrada debo decir que en esta segunda entrega se supera a sí misma con una elaborada historia alrededor de una creencia popular: los hijos de las mujeres que han sido violadas durante la gestación nacen con un mal llamado “la teta asustada”. Esa es la premisa que rige la historia que vemos a continuación.

Porque “La teta asustada” es la historia de uno de esos hijos. El escenario elegido no son los Andes, sino la costa. Esa costa árida sobre la que se levantan ciudades de la noche a la mañana y donde las viejas costumbres se confunden con las nuevas, y generan una sociedad diferente. Allí se desarrolla una historia poco común que arranca con un lamento musical donde se resume una tragedia. La apuesta por planos aparentemente sencillos pero muy expresivos, el diálogo cantado al inicio, la cámara quieta y la narrativa ajena a convenciones la convierten de arranque en un filme especial.

La sorprendente seguridad de Claudia Llosa la lleva por dos caminos. Primero, hacia un alucinado universo de usos y costumbres creados para la historia que nos cuenta. Y también al provocativo diseño de las diversas personalidades que componen el cuento. Todo esto, claro, gira alrededor de un personaje único en nuestra y cualquier cinematografía: Fausta.

Y aquí encontramos la mayor creación cinematográfica de Llosa; en este sublime personaje que es ficción y también realidad. Fausta no podría ser lo que es si no fuera por la creatividad de la directora del filme. Pero tampoco podría ser si no fuera por la tremenda tragedia nacional que vivimos con el terrorismo.

Fausta es culpa y miedo. Pero también es una mujer que va floreciendo a medida que el susto se va disipando. Y florece (realmente) al punto de aprender a sonreír. Para dar vida a tan exquisita criatura Claudia Llosa se ha valido de un guion solvente, muy bien planteado; ha recurrido a su actriz fetiche, Magaly Solier, la misma intérprete de “Madeinusa”, a quien ha conducido hasta los límites expresivos; y también la ha dotado de una dimensión musical que engrandece su presencia, llamando en su ayuda a la compositora Selma Mutal. El resultado es sorprendente.

La historia de Fausta avanza segura y firme dentro de la imaginería de Llosa y llega a niveles extremos. Pero la naturalidad de su protagonista hace que todo lo que vemos (o sabemos de ella) no sirva sino para contemplar el crecimiento y despertar de la muchacha. Por lo expresado se podría decir que estamos frente a una historia gris o triste, pero no es así. El marco sobre el que Fausta vive su historia abunda en detalles de color, como las celebraciones nupciales (el negocio al que la famia de Fausta se dedica) o la tumba de la madre convertida en piscina familiar, por mencionar dos ejemplos dentro de un todo inacabable.

“La teta asustada” es una película muy inspirada. Enorme en sus significados pese a la aparente sencillez de su presentación. Donde sus elementos no sobran ni están acumulados de manera caprichosa, porque todos componen el universo sobre el que se elabora todo el producto cinematográfico. Es cine de comienzo a fin, y esa es la principal razón de mi entusiasmo y de quienes saben apreciar una cinta como esta.

Nota: Aunque no quería detenerme a pensar en el Oso de Oro de Berlín más allá de lo anecdótico, muchos lectores querrán saber si “La teta asustada” se lo merece. No me toca responder a ello. Pero sí repetiré algo que me dijo la directora argentina Lucrecia Martel en una entrevista: “Los premios dicen más del jurado que de las propias películas”. Es cierto. Como también es cierto que “La teta asustada” sería una digna ganadora de cualquier otra premiación. Porque su mayor triunfo está en sí misma, en sus valores artísticos con o sin galardones.

Vicky Cristina Barcelona

2009-03-06T03:06:13Z

Irónico y divertido, Woody Allen se muda de Londres a Barcelona y nos ofrece una historia sencilla de encuentros y desencuentros amorosos. Nada notable en esta comedia. Puro entretenimiento.

Vicky y Cristina. Rebecca Hall y Scarlett Johansson interpretan a las dos americanas que encuentran la pasión en Barcelona.

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Woody Allen no cambia. Y aunque pueda parecer un fanático incondicional de su trabajo me atrevería a afirmar que no lo necesita. Lo que no quiere decir que las debilidades de sus últimos filmes no salten a la vista y en contraste engrandezcan algunos títulos de su pasada filmografía. De su más reciente producción encuentro muy satisfactorias "Match Point" (2005) y "Cassandra's Dream" (2007). Y, en términos generales, considero que su único paso en falso verdadero ha sido "Scoop" (2006). El resto de sus películas estrenadas en el nuevo milenio son comedias simpáticas en las que ha reciclado sus viejas preocupaciones sobre el amor, las relaciones humanas y los parámetros culturales que marcaron su formación.

"Vicky Cristina Barcelona" pertenece a ese grupo de películas poco inspiradas pero que finalmente consiguen su objetivo, hacernos reír con su habitual ironía e inteligencia.
La nota diferente la ofrece el marco sobre el que se desarrolla la historia: la ciudad de Barcelona. Allí llegan dos muchachas estadounidenses -Vicky y Cristina- sin aparentes expectativas, aunque ya sabemos que ambas buscan una pasión en un escenario exótico y sofisticado. Lo que ignoran es que ambas se relacionarán con el mismo hombre, Juan Antonio, un artista plástico de irresistibles atractivos.
Pero Vicky y Cristina no son las dos inglesas de Truffaut, ni Juan Antonio es el continente. Ellas no buscan afirmar sus respectivas condiciones, no debaten sobre la inspiración creadora, ni se introducen a explorar realmente en la sexualidad. Y allí es donde el buen Woody Allen no nos ofrece mucho. Sus protagonistas no son suficientemente interesantes para atraparnos y convertirnos en cómplices de sus avatares.
En cualquier caso, Allen intenta ofrecernos mucho más en las personalidades de Juan Antonio y su ex mujer, María Elena. Y son ellos quienes confieren mayor intensidad a la trama. Lamentablemente ambos personajes son un cúmulo de clichés sobre la pasión española que puede resultar muy provocativo para los miembros de la Academia. A mí me dejan indiferente.

Es una pena que el creador de personajes tan inspirados como Annie Hall, Zelig, Helen Sinclair, Judah Rosenthal y Chris Wilton no se haya detenido un poco más en el bosquejo de las personalidades de "Vicky Cristina Barcelona". No hay nada notable en ellos, solo un reciclaje de lugares comunes sobre el que los actores poco pueden hacer. Aunque, bien visto, debo señalar que Rebecca Hall es una feliz adquisición en la filmografía de Woody Allen. Su frescura confiere verdad a Vicky y logra resaltar sobre sus compañeros Scarlett Johansson, Javier Bardem e incluso Penélope Cruz, cuyo triunfo en la última ceremonia del Óscar nos recuerda una vez más que los premios de la Academia tienen que ver más con la popularidad que con el talento.

Woody Allen dirigiendo a Javier Bardem, Scarlett Johansson y Penélope Cruz.

Gran Eastwood

2009-02-27T15:35:12Z

Ignorado por la Academia en su más reciente edición, el maestro Eastwood sigue desatando emociones en Francia. Y dos meses antes del festival de Cannes recibe una distinción por los logros de toda su carrera. Reproduzco la información que nos ha llegado al diario e incluyo al final mi selección personal de sus mejores películas como actor y director. Espero me envíen sus elecciones también.

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París (Reuters). Clint Eastwood dio las gracias al cine francés después de que el Festival de Cine de Cannes le diera el premio a toda su carrera a la leyenda de Hollywood, quien presenta a los 78 años su nueva película. "Los cineastas franceses siempre me han apoyado a lo largo de todo el camino", dijo a los periodistas después de una ceremonia especial en un elegante restaurante en los Campos Elíseos. "Soy muy afortunado por haberos conocido a todos vosotros", agregó.

El mayor festival de cine del mundo ha concedido una Palma de Oro especial a Eastwood, cuyo filme "El sustituo" protagonizado por Angelina Jolie fue proyectado en Cannes el pasado año. La película no consiguió ganar ninguno de los premios principales pero el presidente de Cannes, Gilles Jacob, dijo que el festival había querido dar un premio especial durante mucho tiempo a Eastwood, que no estará en la Croisette este año. "Con este gesto altamente simbólico, el festival está uniendo el entusiasmo unánime que tanto el público como la crítica tienen hacia ti", dijo Jacob.

Francia mantiene una compleja relación amor-odio con Hollywood. Pero Eastwood ha sido reverenciado por sus papeles como pistolero taciturno en los spaghetti westerns de Sergio Leone en los 60, el duro detective Harry el sucio y los papeles más simpáticos de los últimos años, como el pistolero arrepentido en "Los imperdonables".

Eastwood, que se encuentra en París presentando su última película, "Gran Torino", donde interpreta a un veterano de guerra reaccionario condenado a entenderse con sus vecinos asiáticos, tuvo palabras de aprecio para el cine francés. "Francia es donde el cine comenzó con los hermanos Lumiere", dijo. "Es el primer país que se acerco al cine como una forma artística", apuntó.

"Gran Torino" ha sido bien recibida por la crítica en Francia y atrajo a alrededor de 18.000 cinéfilos en su primera tarde tras el estreno, el miércoles, según la distribuidora Warner, el mejor inicio de ninguna película de Eastwood en Francia.

El actor y director, cuya carrera despegó después del debut en 1959 en el papel de Rowdy Yates en la teleserie "Rawhide", rememoró con cariño su primera visita a la capital francesa para promover una de sus películas favoritas. "Vine a París por primera vez a mediados de los 60 al teatro Rex para presentar 'Por un puñado de dólares', una pequeña película de un desconocido director con un actor desconocido", dijo. "Afortunadamente triunfó y Sergio Leone se convirtió en uno de los favoritos aquí", dijo.

Los imperdonables. En 1992 la Academia finalmente "descubrió" a Clint Eastwood. A partir de entonces ha formado parte de varias ediciones del Óscar aunque todos sus admiradores sentimos que merecía una mayor atención por "El sustituto" y "Gran Torino" este año.

A continuación mi selección de películas favoritas dentro de la filmografía de Clint Eastwood:

Actor:

Diez actuaciones sin orden de preferencia:
El bueno, el malo y el feo (1966), de Sergio Leone
Dirty Harry (1971), de Don Siegel
Thunderbolt and Lightfoot (1974), de Michael Cimino
The Outlaw Josey Wales (1976), de Clint Eastwood
Escape de Alcatraz (1979), de Don Siegel
Pale Rider (1985), de Clint Eastwood
Cazador blanco, corazón negro (1990), de Clint Eastwood
Los imperdonables (1992), de Clint Eastwood
Los puentes de Madison County (1995), de Clint Eastwood
Million Dollar Baby (2004), de Clint Eastwood

Director:

Diez películas sin orden de preferencia:
Play Misty for Me (1971)
Pale Rider (1985)
Bird (1988)
Cazador blanco, corazón negro (1990)
Un mundo perfecto (1993)
Los puentes de Madison County (1995)
Medianoche en el jardín del bien y el mal (1997)
Río Místico (2003)
Letters from Iwo Jima & Flags of Our Father (2006)
El sustituto (2008)

Los malos pasos:

1969 Paint Your Wagon, de Joshua Logan. Me gusta mucho esta película. Pero me da un poco de vergüenza ajena cuando el gran Clint forma parte de las escenas musicales.
1984 City Heat, de Richard Benjamin. Floja, floja. Y la química con Burt Reynolds muy pobre.
1989 The Pink Cadillac, de Buddy Van Horn. Una de las cintas más flojas en las que he visto a Eastwood. Ni a la tercera vez le encontré algo que la levantara un poquito.
No logro encontrar otros pasos en falso. Si lo hago lo incluiré en la lista.

Nota: Por supuesto, elegir diez películas es un límite por razones de espacio. Eso no significa que las demás películas no me guste. En cuanto a "Letters" & "Flags", las considero un díptico.

El Óscar 2009: Y los ganadores son...

2009-02-22T22:47:06Z

Sin sorpresa alguna se llevó a la cabo la ceremonia número 81 de los premios de la Academia. Pero no fue un espectáculo aburrido ni solemne. Un guion bien elaborado, una manera nueva de entregar los premios de actuación, algunas presencias inspiradas como Steve Martin y Tina Fey, y, sobre todo, la personalidad de Hugh Jackman hicieron de esta una gran fiesta. "Quisiera ser millonario" se impuso como película y los actores Sean Penn, Kate Winslet, Penélope Cruz y el difunto Heath Ledger fueron elegidos como los mejores del año.

Sean Penn, Kate Winslet y Penélope Cruz celebran el Óscar.

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Los muchos integrantes de la delegación de "Quisiera ser millonario" celebran en grande el triunfo.

Mejor película
"Slumdog Millionaire" (Fox Searchlight)

Mejor director
Danny Boyle, "Slumdog Millionaire"

Mejor actor
Sean Penn por "Milk" (Focus Features)

Mejor actriz
Kate Winslet por "The Reader" (The Weinstein Company)

Mejor actor de reparto
Heath Ledger por "Batman: El caballero de la noche" (Warner Bros.)

Mejor actriz de reparto
Penélope Cruz por "Vicky Cristina Barcelona" (The Weinstein Company)

Gran momento. Emocionada Kate Winslet y rodeada por Sophia Loren, Nicole Kidman, Shirley Maclaine, Marion Cotillard y oculta Halle Berry.

Grandes de la actuación. Sean Penn rodeado por cinco grandes: Ben Kinglsey, Robert De Niro, Adrien Brody, Michael Douglas y Anthony Hopkins.

Mejor película animada
"WALL-E" (Walt Disney) de Andrew Stanton

Mejor documental
"Man on Wire"

Mejor película en idioma extranjero
"Departures" (Japón)

Mejor guion adaptado
"Slumdog Millionaire" de Simon Beaufoy

Mejor guion original
"Milk" de Dustin Lance Black

Dirección artística
"El curioso caso de Benjamin Button": Art Direction: Donald Graham Burt y Set Decoration: Victor J. Zolfo

Mejor fotografía
"Quisiera ser millonario", de Anthony Dod Mantle

Mejor vestuario
"La duquesa", de Michael O'Connor

Mejor maquillaje
"El curioso caso de Benjamin Button", de Greg Cannom

Mejor edición
"Slumdog Millionaire", de Chris Dickens

Mejor edición de sonido
"Batman: El caballero de la noche", de Richard King

Mejor mezcla de sonido
"Slumdog Millionaire", de Ian Tapp, Richard Pryke y Resul Pookutty

Mejores efectos especiales
"El curioso caso de Benjamin Button", de Eric Barba, Steve Preeg, Burt Dalton y Craig Barron

Mejor partitura musical
"Slumdog Millionaire", de A.R. Rahman

Mejor canción
"Jai Ho" ("Slumdog Millionaire"). Música de A.R. Rahman. Letras de Gulzar.

Hugh Jackman y Anne Hathaway en el divertido número musical que dio inicio a la ceremonia. Si en algo estamos de acuerdo es en la gran presencia escénica de Jackman. Una buena elección.

Cortometraje documental
"Smile Pinki"

Cortometraje animado
"La Maison en Petits Cubes"

Cortometraje de acción viva
"Spielzeugland (Toyland)"

Danny Boyle, mejor director por "Quisiera ser millonario", en plena celebración con los niños que forman parte del elenco del filme.

¿Pero es la mejor película?

Seamos sinceros. Esta edición del Óscar en términos de competencia ha sido bastante pareja, sin candidaturas incómodas, aunque sin ninguna película extraordinaria o un enfrentamiento tan emocionante como el del año pasado entre dos grandes películas: “Sin lugar para los débiles” y “Petróleo sangriento”.
Ninguna de las cinco nominadas de este año podría ser considerada una película verdaderamente significativa. “Milk”, biografía fílmica del activista gay Harvey Milk, es una cinta firme en sus convicciones pero siento que su director, Gus Van Sant, ha hecho muchas concesiones a favor de lo políticamente correcto. “The Reader”, de Stephen Duldry, se mantiene dentro del esquema de cine de prestigio con mensaje con buena manufactura y excelentes actuaciones. Más articifial me parece “Frost/Nixon”, de Ron Howard, sostenida principalmente por los excelentes diálogos de la obra teatral en la que se basa. “El curioso caso de Benjamin Button” es la menos solvente del grupo y la mayor decepción en la filmografía de David Fincher.
El triunfo de “Quisiera ser millonario” (“Slumdog Millionaire”) es anecdótico y responde a una serie de simpatías que despierta la historia, su tratamiento y la aparente amplitud de fronteras de la Academia. Esta vez se fija en la India, como ya lo hizo con otros países previamente. Pero “Quisiera ser millonario” dista de ser una gran película. Ni siquiera es la más interesante de su director, Danny Boyle, que narra su historia amparado en una fórmula repetitiva hasta el cansancio enfatizando el discurso sensible.
Hay aciertos en el filme. Sin discusión. El protagonista es sólido en su desarrollo y me gusta especialmente la manera en que el joven actor Dev Patel lo interpreta. Distante, casi inexpresivo, deambulando sus emociones desde una mirada penetrante. La musicalización también es adecuada y es algo que Boyle siempre ha sabido hacer. Introducir sonidos y temas musicales como parte del cuerpo narrativo.
Pero no todo lo que brilla es oro en esta película. Ni siquiera cobre. Sin embargo, su extraordinario desarrollo –el filme parecía estar condenada a pasar directamente al DVD– y triunfo en todas las premiaciones previas lo han convertido casi en un fenómeno. Al triunfar en la noche del Óscar adquiere la máxima distinción que podía esperar. ¿Pero es el mejor filme del 2008? No lo creo.

Penélope Cruz, mejor actriz secundaria por "Vicky Cristina Barcelona". Era la favorita y sin embargo pienso que es decepcionante este premio.

Justo triunfo. Sally, Kim y Kate Ledger, padres y hermana de Heath Ledger, frente a los cientos de fotógrafos en la sala de prensa del teatro Kodak.

Inspirados comediantes. Tina Fey y Steve Martin conceden el Óscar al mejor guion original a Dustin Lance Black por "Milk".

El emotivo momento en que se rindió homenaje a las figuras que se fueron. Queen Latifah canta frente a la imagen del gran Charlton Heston.

Daniel Craig y Sarah Jessica Parker entregan el Óscar a Victor J. Zolfo y Donald Burt por su trabajo como directores artísticos de "El curioso caso de Benjamin Button".

Meryl Streep ingresa al teatro Kodak.

Leyendas. Kirk y Michael Douglas, presentes en la edición número 81 del Óscar.

Encuentro. Mickey Rourke y Robert Downey Jr. en la alfombra roja del teatro Kodak.

Josh Brolin y Diane Lane a su llegada a la premiación.

Todas las miradas en ellos. Brad Pitt y Angelina Jolie se fueron con las manos vacías pero no dejaron de llamar la atención durante toda la noche. Sobre todo en el momento en que Jennifer Aniston presentó uno de los premios.

Una imagen para el recuerdo. Joel Grey, Kevin Kline, Cuba Gooding Jr. Alan Arkin y Christopher Walken presentan el Óscar al mejor actor de reparto. Al fondo la imagen de Heath Ledger como el Guasón.

El Óscar 2009: Las nominadas como Mejor Película

2009-02-19T19:52:54Z

Cinco películas compiten por la mayor distinción que ofrece la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood. Cinco dramas diferentes, cinco visiones de la vida, cinco estilos de hacer cine. Una es la biografía fílmica del primer activista gay que llegó a ocupar un cargo público; otra se centra en la encrucijada de una mujer en la posguerra, cuando los crímenes del nazismo eran recientes; las incidencias detrás de una de las entrevistas más famosas alrededor del presidente Nixon; una historia muy de nuestros tiempos sobre el poder de la televisión; y, finalmente, otra biografía, totalmente ficticia pero que de alguna manera es un gran fresco sobre el desarrollo del mundo occidental durante el siglo XX.

La primera película ganadora del Óscar: "Alas" (1927), con Buddy Rogers, Clara Bow y Richard Arlen.

]]> Las cinco producciones candidatas al Óscar son:

EL CURIOSO CASO DE BEJAMIN BUTTON
Título original: The Curious Case of Benjamin Button (EE.UU. 2008)
Director: David Fincher
Guion: Eric Roth, basado en el cuento de F. Scott Fitzgerald
Actores: Brad Pitt, Cate Blanchett, Julia Ormond, Elias Koteas, Jason Flemyng, Taraji P. Henson, Tilda Swinton, etc.
Sinopsis: La extraña historia de un hombre que nace anciano y cuya vida transcurre a la inversa que la del resto de seres humanos.
Posibilidades: Trece nominaciones la convierten en la película más celebrada. Pero todo se definirá en la ceremonia del domingo. Por lo pronto más allá de los aciertos técnicos parciales el filme me resulta desarticulado, con una idea mal elaborada y un pulso demasiado tibio a lo largo de sus muchos minutos de duración. Incluso la actuación de Pitt me parece poco impactante. No creo realmente que la Academia le otorgue el Óscar como Mejor Película.
Otras nominaciones: Director, Actor (Brad Pitt), Actriz de Reparto, Dirección Artística, Fotografía, Diseño de Vestuario, Edición, Maquillaje, Partitura Musical Original, Mezcla de Sonido, Efectos Visuales y Guion Adaptado.

FROST/NIXON

Título original: Frost/Nixon (EE.UU. 2008)
Director: Ron Howard
Guion: Peter Morgan, basado en su obra de teatro.
Actores: Frank Langella, Michael Sheen, Sam Rockwell, Kevin Bacon, Oliver Platt, Patty McCormack, Kate Jennings Grant, etc.
Sinopsis: Tras su vergonzosa renuncia, el presidente Nixon pasa a retiro. Hasta que el ambicioso periodista David Frost lo convence para aparecer en su programa de televisión en una serie de entrevistas.
Posibilidades: Podría ser la sorpresa de la noche. Pero creo que el impacto de esta cinta se debe principalmente al poderoso drama escrito por Peter Morgan. La cinematografía en este caso pasa a segundo plano y se impone un texto brillante, interpretado a la perfección por Langella y Sheen.
Otras nominaciones: Mejor Actor (Langella), Director (Howard), Edición y Guion Adaptado.

MILK

Título original: Milk (EE.UU. 2008)
Director: Gus Van Sant
Guion: Dustin Lance Black
Actores: Sean Penn, James Franco, Diego Luna, Josh Brolin, Victor Garber, etc.
Sinopsis: La vida de Harvey Milk, el primer militante de los derechos homosexuales que ocupó un cargo público. Y, claro, las incidencias también de su brutal asesinato.
Posibilidades: Se ubica entre las favoritas pero solamente un golpe de suerte (la indecisión de los electores) le podría conferir el premio. Además, por más progre que pueda pretender ser, la Academia sigue siendo una institución conservadora.
Otras nominaciones: Actor (Penn), Actor de Reparto (Brolin), Director (Van Sant), Diseño de Vestuario, Edición, Partitura Musical Original y Guion Original.

EL LECTOR
Título original: The Reader (EE.UU. Alemania-2008)
Director: Stephen Daldry
Guion: David Hare, basado en la novela de Bernhard Schlink.
Actores: Ralph Fiennes, Kate Winslet, Jeanette Hain, Alexandra Maria Lara, Bruno Ganz, David Cross, etc.
Sinopsis: Un adolescente se relaciona emocionalmente con una mujer que le dobla la edad. Un día la mujer desaparece. La historia tiene como trasfondo la Alemania de la Segunda Guerra Mundial.
Posibilidades: Difícil que obtenga la mayor distinción de la noche. Pero se trata de un drama muy intenso, capaz de impactar a la audiencia. Además el brillo de la producción le confiere un marco de cine de calidad al que es afecto la Academia.
Otras nominaciones: Mejor Actriz (Winslet), Director (Daldry), Fotografía y Guion Adaptado.

QUISIERA SER MILLONARIO

Título original: Slumdog Millionaire (Gran Bretaña-2009)
Director: Danny Boyle (con Laveleen Tandam)
Guion: Simon Beaufoy, basado en la novela de Vikas Swarup.
Actores: Dev Patel, Freida Pinto, Mia Drake, Imran Hasnee, Anil Kapoor, Irfan Khan, etc.
Sinopsis: Un adolescente se convierte en la sensación de un programa de televisión. Las sospechas de fraude lo llevan a ser arrestado y a partir del interrogatorio policial somos testigos de su historia personal.
Posibilidades: Ha ganado todos los premios previos y es sin duda la gran favorita. Tiene méritos y se trata de una digna candidata en ciernes. ¿Pero es gran cine? Diría que una película muy correcto, emocionante y con cierto grado de impacto.
Otras nominaciones: Director (Boyle), Fotografía, Edición, Partitura Musical Original, Mejor Canción (dos canciones), Edición de Sonido, Mezcla de Sonido y Guion Adaptado.