Los Rolling Stones no son conocidos por editar grandes discos en vivo. Para empezar, solo uno podría considerarse indispensable: “Get Yer Ya-Ya’s Out‿ (ABCKO, 1970), el encendido e inspirado documento de la gira estadounidense que la banda emprendió en 1969. De hecho, en opinión de este comentarista, fue esa gira de finales de los años sesenta la que generó el sonido distintivo de los Rolling Stones, esa mezcla de riffs punzantes y baterías precisas que quedaría plasmada en los dos discos que se editarían tras el regreso de la banda a Europa: “Sticky Fingers‿(Rolling Stones Records, 1971) y “Exile on Main Street‿ (Rolling Stones Records, 1972), sin lugar a dudas los mejores discos que jamás grabarían. Por eso, gran parte del valor de “Get Yer Ya-Ya’s Out‿ está en que sus surcos exponen cómo se originó ese sonido, ahora ya considerado una marca registrada de la banda.

Por suerte, el resultado es bastante distinto a lo que podíamos esperar. Las razones del éxito artístico (y sin duda comercial) de esta última obra de los Stones son varias, pero se podrían resumir en una impecable elección de canciones y en una interpretación elegante y vibrante de los temas que se aleja de los disfuerzos deleznables y no evita los excesos necesarios.

Un rápido vistazo a la lista de las canciones escogidas es suficiente para encender pasiones: al lado de clásicos obligatorios como “Jumpin’ Jack Flash‿, “Sympathy for the Devil‿, “Brown Sugar‿, “(I Can’t Get No) Satisfaction‿ y “Start Me Up‿ brillan las verdaderas joyas del repertorio: cuatro temas de “Exile On Main Street‿ (“All Down the Line‿, “Tumbling Dice‿, “Loving Cup‿ y “Shine a Light‿), tres temas de “Some Girls‿ (“Just my Imagination‿, “Faraway Eyes y “Some Girls‿) y una elección notable de canciones de Keith Richards “Connection‿, “You Got the Silver‿ y “Little T&A‿ (de “Between the Buttons‿, “Let it Bleed‿ y “Tattoo You‿, respectivamente).

Para complementar esta gran elección de canciones, los cuatro Stones (y su séquito de acompañantes) se deslizan sobre sus instrumentos con una gran inteligencia intuitiva y esa elegancia que solo otorgan los años. Por un lado, el toque aparentemente preciso pero profundamente sinuoso de Charlie Watts, tan sutil y lleno de detalles imperceptibles que contagian permanentemente el ritmo de los temas, es una de las columnas que sostiene este disco. Por otro, la guitarra de Ron Wood (que ya eclipsa a la del entrañable pero algo autoindulgente Keith) nos entrega las líneas melódicas que muchos de estos temas habían esperado por varias décadas. Finalmente, la interpretación vocal de Mick tiene momentos realmente memorables, en especial la forma en que rapea el comienzo de una estrofa de “Faraway Eyes‿, maldición, si en lugar de una guitarra slide hubiese una batería electrónica, uno podría pensar que está escuchando al abuelo perdido de Eminem (claro, el público se da cuenta de esto y aplaude a rabiar).
Esperemos que la proyección de la película (el estreno está programado para el 15 de agosto) no acabe con la invisible magia sonora que hay en este excelente disco. (FRANCISCO MELGAR WONG)

Ogro Records es la disquera que nos ha regalado un milagro: plasmar en un CD la música de uno de los grupos más minimalmente auténticos de la movida ochentera local. Una banda que en cada concierto hacía realidad aquella frase de batalla: “Nosotros tocamos con los h...‿. Y sí. Cada tocada era como ver a Motorhead tocando el repertorio de Black Sabbath sin la técnica de estos. Lo de Mazo en vivo era sencillamente brutal. Y como muchas bandas de esos tiempos, solo registró su música en precarias cintas, impregnadas de olor a caverna (por estética) y a crisis nacional, a peor es nada (por gentileza del primer gobierno aprista, que nos había sepultado). Y, curiosamente, Mazo sonaba como los dioses en grabaciones ruidosas y rústicas, en extraña complicidad con su propuesta básica, desarraigada de buenos modales, etílica y noctívaga.

La obra del milagro se llama “Mentenegra‿ y concentra muchos de los temas que Mazo creó en vida —no está muerto, de hecho ellos se juntan cada vez que se puede—, (re)grabados en los últimos tres años en un par de estudios locales. Y, oiga, da gusto volver a escuchar clásicos himnos de bohemia metalera: ahí están “Más allá del infierno‿, “Hasta la muerte‿, “Sueño inmortal‿, “El himno sacrosanto‿ o “El demoledor‿ para estremecerte en tu cripta con desparpajo y testosterona a mil. Ritmos pesados, de gran tonelaje, sonidos recios, voces imperfectas, martillazos y puro golpe a la cara son parte de la propuesta de esta banda que muchos quisieran ver en vivo cada fin de semana, entre las sombras, como cable a tierra. En total, nueve temas demenciales, descollantes, que hacen extrañar una década de prolíficas apariciones musicales en una Lima de negro que hoy languidece de propuestas interesantes.

Si “Mentenegra‿ es un milagro, pues se nos vienen más. El mismo sello (alabado sea) proyecta el lanzamiento de más discos de Mazo (uno más con Billy en las seis cuerdas y otro con Andrés Parodi). Por lo pronto, consígase un ejemplar de “Mentenegra‿. Lo agradecerá. (Rafael Valdizán)

MAZO - "Birro el mórbido"

MAZO - "Y los príncipes demuelen"

Against Me!, el mejor antídoto contra la insignificancia del emo

Estoy harto de los emo. Estoy harto de contemplar cómo la música que se suele relacionar con la autoindulgencia insoportable de sus existencias traiciona y ridiculiza el frondoso legado de las bandas que siempre identifiqué como ‘emo’: Fugazi, Rites of Spring, Sunny Day Real State, The Promise Ring y muchos otros actos magníficos que nada tienen que ver con el estandarizado lloriqueo de My Chemical Romance, Fall Out Boy, Panda y demás niños mimados de la industria. Hüsker Dü, que quizás colocó la piedra fundacional de lo que la prensa musical alguna vez bautizó como ‘emo core’ con el memorable “Zen Arcade‿, ya planteó todos los fundamentos para un punk rock que se nutriera casi exclusivamente del volcán emotivo de sus autores: bandas que, sin traicionar el inconformismo esencial del hardcore, se atrevieran a desnudar sin tapujos sus complejos, taras y desencuentros sentimentales.

Nada de eso involucraba esa uniforme majadería que parece estigmatizar a los seguidores de esta moda espuria, con sus disfraces del Joven Manos de Tijera, sus góticas pataletas y, sobre todo lo demás, su música mediocre, predecible, perfectamente olvidable…

Yo propongo un antídoto que tiene la forma de la agrupación de punk rock más sorprendente y estimulante del último lustro. Against Me!, tras largos años (la banda se formó en 1997) de librar una batalla tras otra para obtener la imprescindible credibilidad en el circuito alternativo del hardcore (y afines) en Estados Unidos, causó más de un soponcio entre sus fanáticos más recalcitrantes cuando, a mediados del 2007, lanzó “New Wave‿, su primer disco para un sello importante, Sire Records. El cuarteto liderado por Tom Gabel, incluso, se permitió algún boato adicional, algo impensado en sus tiempos de cerrada y modesta independencia, al contar con los servicios de Butch Vig, integrante de Garbage y mítico productor del “Nevermind‿ de Nirvana. De hecho, “New Wave‿ comparte con aquel hito de Cobain y compañía otro rasgo decisivo: su contundente pertinencia. Este álbum de Against Me! suena en todo momento importante, urgente: le devuelve al punk rock, desperdigado entre la medianía del ‘mainstream’ y la abrumadora masividad de la escena paralela, ese poder revulsivo, contagioso, tribal… Esa magia catalizadora que se expresa en la instantánea complicidad que generan sus himnos y arengas. Ese indestructible poder de convocatoria, la energía redentora que puede inocularse tanto en el pogo liberador como en la burbuja de los audífonos o la soledad del hogar: todo aquello que, a fin de cuentas, redondea una perfecta antítesis de eso que los medios y una multitud de adolescentes desorientados pretenden vendernos ahora como ‘emo’.

"Stop!"

"New Wave"

En “New Wave‿, Gabel y sus secuaces –James Bowman, Warren Oakes y Andrew Sewars—proclaman sus intenciones desde el arranque. En la canción que da título al disco, la banda propone: “Podemos ser las bandas que queremos escuchar / Podemos definir nuestra propia generación‿. ¿Cómo son las bandas que queremos escuchar? ¿Qué es lo que buscamos en ellas? ¿Qué sean valientes para abordar los asuntos que realmente importan sin renunciar a explorar los recovecos de nuestro mundo interior, que tengan los pantalones bien puestos para espetar alegatos genuinamente incómodos, que apunten a audiencias mayoritarias sin resignar un ápice de honestidad? Pues bien, no hay duda de que Against Me! es una de las bandas que queremos escuchar. Y, para los que no tuvieron la suerte de toparse con su música en el pasado, este “New Wave‿ (el tercer álbum de la banda) resulta siendo una carta de presentación tan efectiva o inmediata como cualquier otro disco destinado a poblar algún día el panteón de los clásicos.

"Thrash Unreal"

"Walking is still honest"

En “Up the Cuts‿, Gabel construye un instante climático cuando interroga al oyente: “¿Acaso estás tan inquieto como yo?‿; mientras que, más adelante, en “White People for Peace‿, plantea una canción de protesta que, paradójicamente, apunta los cañones de su dialéctica hacia las propias canciones de protesta, a su abrumadora inutilidad en tiempos de dictaduras corporativas y genocidios ‘preventivos’. Pero los Against Me! son todavía más efectivos cuando tantean otros campos de batalla, los que vivimos a diario en nuestras casas, en el lóbrego laberinto de nuestras noches, como en “Thrash Unreal‿ --la historia de una mujer desesperada por perpetuar el paraíso artificial de las juergas de su adolescencia—o “Borne on the FM Waves of the Heart", un conmovedor dúo con Tegan Quin, del tándem de folk lésbico Tegan & Sara, en el que una pareja se desmorona frente a nosotros con todo ese drama y esa propensión al absurdo que suelen estigmatizar nuestras relaciones con el sexo opuesto. “Animal‿ y “The Ocean‿, las canciones que cierran “New Wave‿, nos presentan a una banda que se aleja de la vocación pop (que nadie se asuste con esa palabra) que parecen tener los momentos más amables del álbum para someter al oyente a un verdadero ‘tour de force’ de emociones antagónicas: hay rabia, pero también esperanza. El presente es poco alentador, pero el futuro estará siempre a la vuelta de la esquina. Against Me! es una de las pocas bandas que realmente importan en la actualidad. Contra todo, contra todos. Porque de eso trata el punk.

(RAÚL CACHAY A.)

La mágica urgencia de los Replacements, por fin reeditada

Finalmente. Rhino Records acaba de saldar una de las deudas más grandes que la industria discográfica mantenía con los melómanos del mundo entero: reeditar los cuatro primeros discos de The Replacements, la única banda que logró combinar la furia de los Sex Pistols, la arrogancia de los Rolling Stones, el júbilo alcoholizado de los Faces, la imaginería urbana de Chuck Berry, el orgullo proletario de Thin Lizzy y la profundidad lírica del mejor Bob Dylan (no es broma) para elaborar una de las obras más singulares e influyentes del rock independiente de los últimos 25 años.

Todo empieza en 1979, cuando Bob Stinson vuelve a casa después de una temporada en el reformatorio y descubre a Tommy, su hermano menor, arrojando piedras contra las bodegas de su barrio. Pensando en corregirlo, Bob le regala un bajo y junto con otro vecino, el batero Chris Mars, forman una banda llamada Dogbreath, que empieza a reunirse todas las noches en el sótano de los Stinson para practicar etílicas versiones de Yes y otras bandas progresivas de los años setenta.

Entonces entra en escena Paul Westerberg, un talentoso joven que había abandonado el colegio para ganarse la vida como gasfitero en la oficina del gobernador de la ciudad. Según la leyenda, después de escuchar un ensayo de Dogbreath, Westerberg decide convertirse en el nuevo vocalista del grupo y, gracias a un puñado de excelentes canciones que estaban más influenciadas por Chuck Berry y los Sex Pistols que por Yes y Pink Floyd logró su cometido, cambiándole el nombre a The Replacements en el proceso.

Son justo esas canciones que Westerberg escribió para ingresar a la banda las que integran “Sorry Ma, Forgot To Take Out The Trash‿, la primera entrega de las reediciones de Rhino. Entre los temas del disco (todos veloces y adolescentes, como los propios integrantes del grupo) sobresalen “Customer‿, donde Westerberg se enamora de la cajera de una tienda, “I Bought a Headache‿, donde Westerberg rememora sus experiencias con el alcohol y la marihuana, y “Raised in the City‿, que esconde una rima obscena reminiscente de Chuck Berry: “Met a little honey with a nice rear gear/She gets rubber in all four gears‿.

El disco, editado entonces por la independiente Twin/Tone, generó una pequeña pero leal audiencia que obligó a la banda a producir una rápida secuela: “Stink‿, un mini LP de ocho canciones que continuó la línea temática de “Sorry Ma‿ con temas como “Kids Don’t Follow‿, “Fuck School‿, “God Damn Job‿, “White and Lazy‿ y “Dope Somkin’ Moron‿. La reedición que Rhino ha hecho de “Stink‿ incluye cuatro temas más (¡hay un cover de Hank Williams y otro de Bill Haley!) y la de “Sorry Ma‿ cuenta nada menos que con13 rarezas (destaca, por supuesto, la legendaria “If Only You Were Lonely‿, que Westerberg interpreta acompañado solo por su guitarra acústica).

La tercera reedición es “Hootenanny‿, el primer disco en el que la banda mezcla (a menudo dentro de una misma canción) estilos musicales tan divergentes como el rock, el country, la música surf y el hasta synth pop, como bien lo demuestra la robótica “Within Your Reach‿, una de las primeras obras maestras de Westerberg. La reedición incluye siete temas rescatados de lo más profundo del baúl del tiempo. Las letras, nuevamente, nos narran alcoholizadas aventuras de sensibles y desorientados jóvenes suburbanos sin educación ni dinero del frío medioeste estadounidense.

Quedamos, entonces, frente al último disco de esta primera serie de reediciones, “Let it Be‿, la obra maestra de la primera etapa de la banda. Aquí los coqueteos con el folk y el power pop que aparecieron por primera vez en “Hootenanny‿ se convierten en canciones impecables y distinguidas, con una personalidad propia e incomparable que hicieron que los críticos (y las grandes disqueras) a lo largo y ancho de Estados Unidos pusieran sus ojos en esta banda de jóvenes airados.

Pero con el éxito llegaron los problemas. Buscando encontrar su lugar en el panteón del rock comercial la banda dio algunos pasos en falso, aunque ninguno peor que la expulsión de Bob Stinson, acusado de irresponsabilidad y consumo indiscriminado de drogas: una injusticia a todas luces, ya que estas alturas los cuatro Replacements (al igual que sus ídolos, los Stones y los Faces) ya habían desarrollado un apetito más que voraz por el alcohol y la cocaína. Bob tomó la expulsión como una excusa perfecta para dedicarse aún más a la bebida y a las drogas, además de tocar la guitarra con cualquier persona (hombres, mujeres, viejos y niños) que lo invitase a hacerlo.

Lo que ocurrió después de su expulsión de la banda es otra historia, una que volverá a ver la luz antes de fin de año con las prometidas reediciones de los discos que conforman la segunda etapa de la banda: “Tim‿, “Please to Meet Me‿, “Don’t Tell A Soul‿ y “All Shook Down‿.

Antes de terminar vale la pena remarcar que durante la segunda etapa de su carrera, los Replacements serían perseguidos por el fantasma de Bob Stinson y por un incontrolable sentimiento de culpa que los llevó a sabotear cualquier oferta de prosperidad en el mundo de la música. Las locuras que desencadenaron apenas se acercaban a las puertas del éxito, que involucran la ropa interior de la esposa de Tom Petty, una bandeja de excremento en la oficina del director de una conocida casa discográfica y algunas de las mejores canciones jamás escritas sobre el difícil arte de crecer en público sin traicionar las propias raíces, ya pertenecen al ámbito de las leyendas.

En la actualidad, el batero Chris Mars se dedica a la pintura, Tommy Stinson está grabando el eterno “Chinese Democracy‿ al lado de Axl Rose, Paul Westerberg es el entrenador del equipo de béisbol de su hijo y Bob Stinson lleva más de quince años muerto, después de pasarse de vueltas en un cuarto desvencijado donde vivía acompañado solo por una cama, una guitarra y un afiche de Kiss. Como dicen sus amigos, Bob nació y murió siendo un Replacement. Ahora solo le queda la eternidad para seguir demostrándolo. (FRANCISCO MELGAR WONG)

Seguramente usted debió repetir la operación una vez más: ya no se trataba de ver para creer, sino de ver de nuevo para creer. ¿Megadeth en Lima? A veces los ojos mienten, pero en este caso, felizmente, no: Megadeth en Lima. Sí. Con fecha 11 de junio. Con punto de encuentro en la explanada del estadio Monumental. Con ganas de patear las paredes y gritarlo a todo pulmón. Y es que a falta de Iron Maiden o AC/DC o Metallica, buena es la banda de Dave Mustaine, acaso sin nada que deberle a los anteriormente mencionados, pues hace tiempo que Megadeth ya compró rango de banda A-1, desde los tiempos del “Peace Sells... But Who’s Buying‿ (1986), su segundo larga duración, o del “Rust in Peace‿ (1990), para muchos su monte Everest; todo el poder refrendado en sucesivos trabajos de insigne brutalidad, como para que no quedaran dudas o para demostrar que nada fue un golpe de suerte: el “Countdown to Extinction‿ (1992) y el “Youthanasia‿ (1994) son discazos.

Megadeth en Lima será una cosa rarísima (aunque nuestra ciudad se despoja, de a pocos, del estigma de destino imposible para visitantes de primer nivel: lo de Helloween y Gamma Ray, el miércoles pasado, fue para no olvidarlo jamás): ¿alguien podía haber imaginado que Mustaine y sus secuaces nos remecerían alguna vez, directamente a la cara, con el thrash detonante de canciones como “Wake Up Dead‿, “Hangar 18‿, “Symphony of Destruction‿, “Angry Again‿ o “Train of Consequences‿?

Y si bien pareciera que Mustaine vendrá menos salvaje, algo más reflexivo o maduro o como quiera vérselo —no hace mucho pasó a las filas de los cristianos renacidos—, no dudamos que, de igual manera, caerá por estos suelos con las ganas de distorsionar su guitarra, extraerle los maravillosos drivings acostumbrados, y exorcizar nuestros demonios.

¿Cuál es su álbum favorito de Megadeth? ¿Qué canción esperan escuchar en vivo el 11 de junio? Este espacio está abierto para sus comentarios.

(Rafael Valdizán)

Megadeth en Lima - video promocional

Megadeth - Hangar 18

Megadeth en Buenos Aires - Symphony of Destruction

Megadeth (en vivo) - Washington is Next!

80 AÑOS DE SERGE GAINSBOURG

Si no hubiera bebido vino hasta quitarse la vida, Serge Gainsbourg, uno de los grandes misterios que se llevó el siglo XX, habría cumplido 80 años hace poco más de dos semanas. Discípulo de Boris Vian, amigo y benefactor de los taxistas parisinos, amante de Brigitte Bardot, esposo de Jane Birkin y padre de Charlotte Gainsbourg; el francés fue un encarnizado enemigo de la aristocracia, la iglesia y el estado; también fue, por supuesto, pianista de bares gays, ícono popular, cantante de reggae, músico electrónico, sofisticado ‘crooner’ y precursor directo de los mejores discos de Beck, Air, David Holmes y un largo etcétera. Claro, no deja de ser curioso que tantos músicos contemporáneos confiesen ahora su deuda con Serge Gainsbourg, y que las canciones del maestro, imitadas hasta la náusea, sigan siendo tan desconocidas hoy como lo eran hace más de treinta años. Cosas de la vida, dicen, o quizás de la muerte. En todo caso, como la situación no parece ir a cambiar pronto, sigamos hablando de Serge. Le laid Serge.

Pero regresemos a los alcohólicos años 50. Tal como debía ser, la trayectoria musical de Gainsbourg empieza con una desilusión: luego de fracasar como pintor se ve obligado a trabajar como pianista en clubes de strip tease para ganarse la vida. Es allí, en uno de esos antros, donde conoce al escritor Boris Vian, quien -encantado con su ácida y divertida conversación- le anima a escribir sus propias canciones. La influencia de Vian y de la ‘chanson’ se percibe en estos primeros intentos de Gainsbourg por convertirse en músico, aunque no pasaría mucho tiempo antes de que se dejara intoxicar por el jazz, el pop europeo y su propio sentido retorcido del pop.

Pero, en verdad, la fama de Gainsbourg empezó cuando algunas cantantes de pop adolescente, como Minouche Barelli, Françoise Hardy y France Gall, empezaron a interpretar sus temas. La propia Gall llegaría molestarse con Gainsbourg al descubrir el doble sentido que a estas alturas ya escondían muchas de sus composiciones; recordemos que uno de los mayores éxitos que la cantante tuvo bajo el lápiz de Gainsbourg, “Les Sucettes‿ (Los caramelos), hablaba sobre una niña que lamía un chupete, aunque si uno leía entre líneas… bueno, ya se pueden imaginar.

A comienzos del año 1967 Gainsbourg empieza a colaborar con Brigitte Bardot, componiendo para la actriz algunas de sus mejores canciones (muy influenciadas por los íconos de la cultura pop y por la pintura de Roy Lichtenstein) como, por ejemplo, “Bonnie and Clyde‿, “Ford Mustang‿ y “Comic Strip‿. El final de esta productiva relación musical (y amorosa) llegó con “Je T’Aime Moi Non Plus‿, una lasciva canción inspirada en una frase de Dalí (“Picasso es comunista, yo tampoco‿), que Bardot se negaría a editar por el orgasmo que fingía a lo largo del tema.

La que sí se atrevió a cantarlo y a llevar sus gemidos a todas las radios del mundo fue Jane Birkin, una hermosa, hermosísima, inglesa de 18 años, que se convirtió en la nueva musa, cantante y esposa de Gainsbourg, quien para entonces ya contaba con 41 largos años de ternura y malicia. Al lado de Birkin -con quien tendría una hija, Charlotte- el músico editaría sus mejores discos: “Jane Birkin / Serge Gainsbourg‿ (1969) y “Historie de Melody Nelson‿ (1971).

El primero es una colección de canciones que ya se pueden considerar ‘standards’ en cualquier rockola hipster: “L Anamour‿ (una apología al amor por la puerta trasera), “Orang Outan‿ (una inocente carta de amor de Birkin para un simio) y “18-39‿ (apología del ‘lolitismo’ instrumentalizada con las risas de Birkin y los eructos y ventosidades de Gainsbourg). El disco también incluía la versión definitiva de “Je T’Aime Moi Non Plus‿, que provocó la ira del santo padre, extraño personaje que, desde su palacio romano, ordenó la quema de la canción. El segundo álbum es una obra conceptual sobre la seducción que un hombre (interpretado por Gainsbourg) perpetra sobre una adolescente (interpretada por Birkin). Ciertamente, el arte imita a la vida.

Durante los años 70, Gainsbourg editó varios discos de irregular factura (un álbum de reggae erótico, en el que hizo cantar a Rita Marley, lo que desató la ira del pacífico esposo de ésta, el profeta Bob), y cerró la década divorciándose de la siempre bellísima, Birkin. En los años 80, sumergido hasta las cejas en alcohol, protagonizó sonados incidentes en la televisión (en un programa en vivo le dijo a Whitney Houston que quería irse a la cama con ella) y finalmente, en marzo del año 91, los cigarrillos, el vino y otras pomadas acabaron llevándolo a la tumba. En el entierro, el presidente Mitterand dijo “fue nuestro Apollinaire, fue nuestro Baudelaire‿. Quizás el ex presidente no se equivoque, aunque yo prefiero imaginar a Gainsbourg maldiciendo, como siempre, dentro de su ataúd: “No entendieron nada‿, dice el muerto, con un cigarrillo entre sus dientes podridos. “Yo nunca fui de nadie‿.

(FRANCISCO MELGAR WONG)

“Je T’Aime Moi Non Plus‿

"Manon"

Dos bandas hermanas. O habría que decir: madre e hija. Una desprendida de la otra. Ambas, absolutamente imprescindibles dentro del espectro del metal universal. Y sin duda: los mejores exponentes del género extremo que a la fecha han pisado o estén por pisar Lima. Porque Helloween está ahí nomás, apenas a unos metros de distancia de un Iron Maiden o de un Judas Priest (incluso para muchos están a la misma altura), y Gamma Ray ha consolidado una carrera impecable desarraigándose de a pocos de sus orígenes, precisamente situados en la primera encarnación de Helloween. Vaya combo: Helloween + Gamma Ray en una misma noche, en un mismo lugar, como parte del tour mundial “Hellish Rock 2007-2008‿, situación extraordinaria que debemos agradecerle a la gente de Postunder, que viene haciendo realidad los sueños de miles de fanáticos peruanos del metal.

Imaginamos que todos ustedes ya han colocado resaltador en el día 30 de abril del almanaque: la cita es en el anfiteatro del Parque de la Exposición, desde las 6 de la tarde.

Un EP (“Helloween‿) y un primer disco (“Walls of Jericho‿), hoy considerados de culto, fueron su carta de presentación, gracias a soberbias muestras de epidérmico virtuosismo. Pero fue con los dos volúmenes del “Keeper of the 7 Keys‿ con los que Helloween ganó reputación de banda imbatible: refinaron arreglos, arriesgaron con ambiciosos temas de duración extra large y le dieron los micrófonos a Michael Kiske, con lo que Kai Hansen solo se dedicó a tocar la guitarra: sin embargo, en medio de la grabación del segundo volumen, Hansen abandonó el barco para formar Gamma Ray.

Sin embargo, tras el éxito de los dos “Keeper...‿, Helloween pasó por un período de indefiniciones, lo que se reflejó en placas ciertamente pobres como “Pink Bubbles Go Ape‿ (1991) y “Chameleon‿ (1993). Al parecer, Kiske estaba conduciendo a la banda, peligrosamente, hacia un no deseado formato cercano al pop, lo que dibujó signos de interrogación en sus compañeros de banda.

Acto seguido, Kiske se largó (más exactamente, lo largaron) y fue reemplazado por Andy Deris, ex vocalista de Pink Cream 69, quien permanece hasta la fecha y quien revitalizó a una banda que muchos veían en el suelo. La respuesta: discos de excelente factura como “Master of the Rings‿ (1994), “The Time of the Oath‿ (1996) —una obra maestra— o “The Dark Ride‿ (2000).

Lo más reciente de Helloween se titula “Gambling with the Devil‿ (2007), una placa que incide con mayor determinación en los flancos épicos, en una grandilocuencia justificada, porque son diablos que saben por viejos y por diablos. Aquí combinan la agresividad con atrapantes melodías y sonidos densos, gruesos. Temas como “Kill it‿, “The Saints‿, “Fallen to Pieces‿ y “Final Fortune‿ ofrecen un resultado triunfal: la confirmación de una banda paradigmática, total, absoluta. De esas que emocionan y se filtran por los poros de la piel para encendernos y curarnos de males cotidianos. Una banda que mantiene su estructura con la presencia de Michael Weikath y Markus Grosspkopf, los lazos de unión con sus ya lejanos orígenes.

RAYOS GAMA

Tras su paso por Helloween, Kai Hansen formó Gamma Ray, donde empezó asumiendo solo el papel de guitarrista. En 1990 publicó su álbum debut: “Heading for Tomorrow‿. Pero no fue hasta 1995, con el “Land of the Free‿, cuando Hansen decide nuevamente fungir de vocalista: los ‘fans’ alucinaron, pues fue como volver a los tiempos del “Walls of Jericho‿. En tanto, la banda pasaba por numerosos cambios en su formación.

La estética de Gamma Ray cifró sus expectativas en retomar la velocidad que Hansen había experimentado durante los inicios de Helloween (aunque, con el correr de los años, sintió la necesidad de explorar otras formas de transmitir la urgencia de una música siempre proclive a estremecer con sorpresiva evolución: una mayor presencia de teclados ofreció a Gamma Ray la oportunidad de afianzarse en los terrenos del power metal épico).

Lo más reciente en la discografía de Gamma Ray salió en noviembre pasado, y no es otra cosa que la segunda parte del “Land of the Free‿.
En la actualidad, aparte de Kai Hansen, Gamma Ray está integrado por Henjo Richter (guitarra), Dirk Schlächter (bajo, aunque antes tocó la guitarra) y Dan Zimmermann en los tambores.

(Rafael Valdizán)

Helloween: "Forever and One (Neverland)"

Helloween: "Power"

Helloween + Gamma Ray: "I Want Out"

Gamma Ray: "Somewhere Out in Space"

“JUKEBOX‿, LAS CARTAS DE AMOR Y LOS SUEÑOS CUMPLIDOS

Melómanos patológicos, coleccionistas compulsivos de discos, friks incorregibles que se hacen llamar ‘críticos de rock’… todos, aunque nunca lo parezca, tienen sus propias historias de amor. Lo curioso es que últimamente, unos 10 o 15 años, todas involucran de una u otra manera a la misma persona. Chan Marshall, factótum de esa entrañable contradicción llamada Cat Power, es la musa perfecta de los que no tienen nada que perder. Y de los buenos perdedores.

Su último disco, el segundo en su carrera dedicado casi en su totalidad a diseccionar o deconstruir canciones compuestas por otras personas, ha tenido una inesperada y ominosa presencia en mi vida durante buena parte del presente año. Muy temprano, en enero, alguien me comentó que Bob Dylan recorrería varias ciudades de Sudamérica y de inmediato decidí que haría todo lo que fuera posible para estar en uno de esos conciertos. Era una ocasión irrepetible para cumplir una vieja promesa. Luego escuché por primera vez “Jukebox‿ y quedé hipnotizado con esa carta de amor que Chan Marshall le obsequia a Dylan que lleva por título “Song to Bobby‿, la única composición nueva del disco (“Metal Heart‿, también original de Cat Power, es un ‘remake’ de un tema original de 1998).

Escuchar esa canción se convirtió rápidamente en el mejor remedio para la ansiedad que me carcomía las entrañas en las semanas previas al recital del 15 de marzo en Buenos Aires: el afecto que emana de sus palabras, la cadencia que emplea para escupirlas con ternura sobre el sujeto que más me ha obsesionado en los últimos 15 años, su honestidad… Con esa canción, Chan Marshall se elevó un escalón por encima de mis artistas favoritos. Se transformó, secretamente, en una cómplice.

Luego del concierto, que fue todo lo fabuloso y fundacional que esperaba, “Song to Bobby‿ se mantuvo ahí, como un souvenir emocional, un ícono del reencuentro: fue un fin de semana sembrado de epifanías, y esa canción le siguió haciendo justicia en los días que siguieron. Nuevos viajes, nuevos reencuentros y otra vez Cat Power iluminando los momentos ordinarios: un graffiti en una despoblada avenida de Bogotá en Viernes Santo, un sorpresivo cambio de nickname, una llamada telefónica inoportuna… Y el regreso a Lima marcado por nuevas emociones, viejos transtornos, las mismas canciones y una lección: si les gusta Dylan, escuchen “Song to Bobby‿.

Esa canción, sin embargo, puede servir también como una suerte de portal hacia el resto de un disco que ha prolongado con quirúrgica pertinencia la leyenda de una de las artistas más fascinantes de los últimos tiempos. “Jukebox‿, aunque haya sido vapuleado por ciertos medios de prensa anglosajones (por poco ‘indie’, supongo), es un nuevo trabajo de filigrana pop que corrobora las credenciales de excentricidad y desconcierto que han caracterizado buena parte de la discografía de Cat Power.

Y ‘excéntrico’ y ‘desconcertante’ son dos calificativos que funcionan casi a la perfección para describir al disco en toda su sinuosa morfología: la selección de los ‘covers’, la manera en que decide interpretarlos, la forma en que revisita su propio catálogo para acondicionarlo a sus nuevas inquietudes, cómo no tiene tapujos para cuestionar y desafiar las expectativas de su público… Y sorprende, también, que esta sea la misma artista que hace muy poco había caído desahuciada en los dominios del lado oscuro, incapaz de subirse a un escenario sin multiplicar berrinches, incapaz de disimular su decadencia (y su vello púbico) frente al lente de un anciano Richard Avedon, reclusa en su propio departamento, adicta al whisky y la alienación, con la banda sonora de “Ascensor para el cadalso‿ de Miles Davis repitiéndose una y otra vez en el estéreo.

Hace tres o cuatro años Chan Marshall casi se muere. Y ese espiral descendente continuó incluso durante las sesiones de grabación de “The Greatest‿, su estupendo disco anterior, a mediados del 2005. Ella misma lo recuerda en una entrevista publicada en la revista “Magnet‿ en enero del 2007: “Durante días me dediqué a recolectar un montón de objetos especiales –fotografías de amigos, pinturas-- y me di cuenta de que en realidad estaba preparándome para el momento en que encontraran mi cuerpo; me aseguraba de que todos mis amigos tuvieran su propia historia entre mis cosas. Me preparaba para ese día final, incluso cuando le rezaba a dios el día entero y le pedía que por favor me enviara a alguien, porque lo único que quería era tomar todos mis antidepresivos, beber y morir‿.

Ese día nunca llegó. Hoy, Cat Power luce más coherente que nunca, y basta observarla en recitales recientes a través de YouTube para entender que algo parecido a un renacimiento creativo y vital se ha apoderado de su espíritu. Y “Jukebox‿ es un disco que sintetiza con fidelidad admirable el ánimo expansivo de Chan Marshall modelo 2007. Porque este es un trabajo que, si bien tiene evidentes paralelos con “The Covers Record‿ –estructurales, mas no estilísticos--, nos enfrenta a una artista sin complejos, descontracturada, fresca, que se ha desprendido de varias piezas de equipaje en el duro tránsito hacia el equilibrio y ahora sabe expresarse con más energía y elocuencia.

El mágico sonambulismo del pasado ha cedido paso a una renovada confianza en las propias posibilidades: de hecho, la nueva versión de “Metal Heart‿ se erige casi como un manifiesto de insurgencia. Si antes transmitía apremio y desconsuelo, hoy contagia algo muy similar a la rebeldía. A los amores ingratos hay que echarlos a patadas, no con ingrávidos suspiros. Y cuando canta desde y hacia Dylan ---“I Believe in You‿ y la ya citada “Song to Bobby‿--, Marshall deja muy en claro quién es su máximo referente. Para ella, como para tantos otros seguidores incondicionales del de Duluth, Minnesota, Dylan representa, entre tantas otras cosas, la eterna posibilidad de aparecer y desaparecer cada vez que lo dicta la fatalidad, la opción de ser uno y muchos al mismo tiempo, de estar ahí y no estar más, en un parpadeo, siempre, en otra canción. Y también hay tiempo para ensayar las reverencias debidas ante los demás tótems que vigilan su santuario personal: Janis, Joni, Hank, Patsy, su propio pasado.

“Jukebox‿ es una ventana que nos permite atisbar no solo el mundo interior de una artista de inmenso talento en un instante decisivo de su actividad creativa, sino también nos ayuda a conocer quiénes ocupan los asientos VIP en su colección de discos: allí, el ancestral linaje de country y canción folk que dio como resultado a Bob Dylan ocupará siempre la primera fila.

Por ahora es imposible adivinar qué es lo que ocurrirá con Cat Power en el futuro. Imposible saber si vendrán nuevos discos, nuevas canciones, nuevas cartas de amor para Dylan… O para nosotros. Que esos corazones nunca dejen de latir.

(RAÚL CACHAY A.)

P.D.
El excelente poeta costarricense Luis Cháves, a quien conocí cinco años atrás en una oscura y tanguera cantina de Buenos Aires en la que las mujeres sufrían ataques de epilepsia y el escritor Santiago Vega (aka Washington Cucurto) firmaba autógrafos, ha escrito un libro llamado “Chan Marshall‿. Permítanme regalarles un fragmento del poema titulado “Traducción libre de un tema inédito de Chan Marshall‿:

Porque no hay razón para nada,
un día algo está sano,
la mañana siguiente lo arrancan de raíz.
Un día se tiene dieciséis
y la vida es una extensa playa en la tarde,
la arena tatuada con huellas de pájaros marinos.
Y ese momento dura lo que dura
una canción que se repite
hasta entrar en el sueño
mientras lo demás sigue creciendo,
dentro y fuera,
en silencio,
lejos de la simetría,
con determinación.

La visita de Mago de Oz a Lima puede (y debe) ser todo un acontecimiento para los sufridos (aunque ahora cada vez más felices) fanáticos del metal en nuestro país. La banda española cuenta con un grueso contingente de apóstoles en el Perú y era uno de los actos más esperados de los últimos tiempos. El concierto que dará el domingo 13, en la cancha de fútbol del club Lawn Tennis, cae como anillo al dedo, pues acaba de lanzar una nueva placa en estudio: “La ciudad de los árboles‿, que comentaremos a continuación.

A ellos les resbala. Son los primeros en reírse de sí mismos, y no sorprende que su parafernalia visual y escénica incluya elementos absolutamente lúdicos, muchos de ellos relacionados con el erotismo llevado a niveles caricaturescos. En una entrevista que gentilmente me concedió Txus di Fellatio hará cosa de dos años, el baterista y líder de la banda hablaba de Mago de Oz como un gran circo, y eso es: una puesta en escena en la que no solo hay lugar para sus abigarradas proezas instrumentales, sino también para todo un discurso que tiene matices de gran espectáculo, donde encajan a la perfección tanto la ironía como la denuncia, la broma como la preocupación social. Dos caras de una misma moneda: la propuesta de Mago de Oz posee, por supuesto, toda una gama de temas por los que se sienten sumamente comprometidos: llámense la religión, las instituciones, la segregación de minorías desplazadas del gran diálogo, etc.
Es por eso que muchas veces, la banda se vale de metáforas y alegorías que a primera vista nos sitúan en mundos remotos en el tiempo y el espacio, pero que entre líneas nos dejan, a las claras, mensajes de actualidad, asuntos profundos que a todos nos competen, aquí y ahora.

Dicho esto, nos encontramos con el más reciente trabajo del grupo español, titulado “La ciudad de los árboles‿ (Warner Music). Hay dos maneras de aproximarse a sus trece pistas: o bien esperando lo viejo y conocido, o bien comprendiendo el derecho de la banda de experimentar por caminos aledaños.
No es que la placa marque una gran distancia con lo hecho anteriormente por los españoles: para ello basta dejarse embrujar por el poder del tema/título o por los embates de folk metal de “Deja de llorar (vuélvete a levantar)‿, “La canción de los deseos‿, “Si molesto, me quedo‿ y “No queda sino batirnos‿ -––en ellos quedan plasmados todos los ingredientes que Mago de Oz ha sabido conjugar sin opción a eventuales cuestionamientos por alguna incompatibilidad que pudiera generar la fricción de estilos aparentemente inviables, como el metal, la música celta, los vestigios renacentistas: como si tomáramos la música de Blackmore’s Night y le aplicáramos combustible o harta pimienta para dispararla, despertarla de cierto marasmo, someterla a un proceso de aceleración––. Pero no todo el trabajo funciona dentro de esas coordenadas: hay un hard rock estándar (“Mi nombre es rock ‘n’ roll‿); un ‘cover’ de Queen (“‘39‿), que aquí se titula “Resacosix en la barra‿; una balada complaciente y excesivamente edulcorada (“Sin ti sería silencio parte II‿), y lo que consideramos un absoluto acto fallido: “Y ahora voy a salir‿, una ¿ranchera? que, aunque está revestida de la orquestación-típica-Mago de Oz, instala una barrera infranqueable para oídos no acostumbrados a que se perpetre tamaña invasión no deseada. ¿Quién diablos quiere escuchar una mexicanada en medio de toda la magia neoclásica del disco? Atentado que alcanza niveles inaceptables cuando escuchamos el bramido de José Andrëa diciendo: “¡Viva México, cabrones!‿… demasiado.
Felizmente, el desliz no supone una mácula en un álbum que si bien no es un “Finisterra‿, un “Folktergeist‿ o un “Gaia‿ satisfará, como siempre, a sus miles de seguidores. Un trabajo de cuatro estrellas.

Rafael Valdizán

La invención de un género

Imagina una banda de hipnóticos ritmos tropicales, de intensos compases basados en la cumbia colombiana y el guanguancó, un verdadero ensamble de timbales, bongós y congas decidido a conjurar el espíritu de los bailes del caribe. Imagina también que sobre esta ardiente urdimbre rítmica se levanta una enorme ola eléctrica de guitarras y teclados del surf californiano y el rock garajero; con wah-wahs, fuzztones, moogs y farfisas disparando sus modernas y lisérgicas municiones hacia todas partes. Ahora bien, imagina que las misteriosas melodías generadas por esta agrupación se alimentan nada menos que de las voces tradicionales de la costa y sierra peruanas.

El riff de guitarra inicial, cuatro acordes espaciados por el vibrante silencio de un amplificador a tubos, podría haber salido de cualquier disco de 13th Floor Elevators, The Remains o Count Five, pero pocos segundos después los timbales, el guiro, la tumba y los bongos, nos hablan de un escenario al sur de los Estados Unidos, y, finalmente, la melancólica melodía de la guitarra eléctrica nos lleva aún más cerca, al pie de la cordillera de los Andes, pero de una forma en que nadie lo había hecho antes, con una electricidad y un colorido inusitados en la música tradicional.
Un corte transversal a la historia del Perú: ¿recuerdan los sicodélicos afiches de la reforma agraria hechos por Jesús Ruiz Durand ese mismo año? Bueno, quizás uno de ellos no habría sido una mala portada para este disco.

La creación de un nuevo género musical es una tarea casi imposible para la mayoría de músicos, pero al revisar la infancia y adolescencia de Enrique Delgado uno puede llegar a creer que este joven del Rímac estaba predestinado a inventar la cumbia peruana y, por si esto fuera poco, a señalar el camino que más adelante nos llevaría hacia la música chicha. Fundido en negro. Enrique Delgado, a los cinco años, trata de sacarle sonidos a una mandolina. Corte. Enrique Delgado, a los seis años, en la sala de su casa, concentrado en las cuerdas de su guitarra acústica. Fundido en negro. Enrique Delgado, a los once años, aceptado por el conservatorio de música. Corte. Enrique Delgado, a los trece años, convertido en la primera guitarra de Luis Abanto Morales y la Pastorita Huaracina, de gira por todo el Perú. Fundido en negro. Enrique Delgado a los quince años, expulsado de la casa paterna por decidir dedicarse a la música a tiempo completo. Corte. Enrique Delgado, dividiendo su tiempo entre distintas bandas: una de música mexicana, una de música criolla y otra de música infantil. Fundido en negro. Enrique Delgado dirige la Orquesta Fantasía, especializada en temas de la Sonora Matancera. Corte. Enrique Delgado, a los veinticinco años, tocando guitarra en una banda de nueva ola y rock llamada Los Destellos. Fundido en negro. 1968, se edita "El avispón". La historia de la música acaba de dar otro vuelco imperceptible.

Ahora, lo que le importa a la gente: ¿dónde podemos encontrar esta canción? Por suerte, en casi todas las discotiendas de la ciudad. El disco en cuestión se llama "Los Destellos-Enrique Delgado" e incluye otros clásicos instrumentales de la cumbia como "Caminito Serrano", "Chachita", la cósmica y alucinada "Guiajira sicodélica", una versión del "Carnaval de Arequipa" y otra de "Für Elise", cuyo crédito reza: Ludwig Van Beethoven/Enrique Delgado. Para aquellos que se queden pegados y pidiendo más Destellos es recomendable "Para todo el mundo - Vol. II", entre cuyos temas sobresalen "La muerte del preso que se fugó por ir a bailar", "El eléctrico", "Huascarán", "La ardillita" (Lado B de "El avispón") y "Apolo 11", canción donde el guitarrista imita el despegue de un cohete golpeando su amplificador.

Aunque Enrique Delgado falleció hace varios años, Los Destellos se siguen presentando, dirigidos por su hermana, Edith Delgado. Los integrantes han cambiado pero el espíritu de Enrique persiste a través de sus composiciones, aunque recientemente las canciones instrumentales le han cedido demasiado espacio a los temas con voz. En todos caso, vale la pena escucharlos. Es probable que estén tocando más cerca de lo que imaginas. Solo hay que salir a buscarlos. Allí están.

Francisco Melgar Wong

P.D. Para los interesados (y los que no vayan a lo de Deep Purple): esta noche (20 de febrero), Los Destellos serán los invitados especiales en el concierto que ofrecerá la excelente banda local Bareto en el Sargento Pimienta de Barranco. Va a estar buenísimo.

ULTRAMOTOR – “El rayo‿
Como en su magnífico -y ya bastante lejano- debut, la banda de César Zamalloa aquí no se anda con chiquitas: una trituradora bien afilada, una sucesión de trepanaciones involuntarias, el segundo álbum de esa locomotora hardcore llamada Ultramotor comprende diez brevísimos estallidos de urgencia y precisión guitarrera que, imaginamos, podrían provocar daños permanentes en los aparatos auditivos más frágiles. Todos los temas parecen el mismo, pero eso no importa: “El rayo‿ funciona menos como una colección de canciones que como una experiencia sensorial, una catarsis cimentada en el ruido y la horrísona persistencia de tres instrumentos (la guitarra de Zamalloa, el bajo de Alfonso Montesinos, la metralleta de Constantino ÿlvarez) que interactúan ensimismados en una forma muy particular de reproducir e interpretar la densidad del caos. Un disco para sentirse sucio, viscoso, peligroso y vivo. De-men-cial.

De manera bastante previsible, este disco empieza entre ladridos y aullidos: a fin de cuentas, este proyecto del ex Futuro Incierto Pedro Allemant solo parece existir en función de los distintos activismos de sus integrantes, especialmente los vinculados a la defensa de los derechos de los animales y la promoción del vegetarianismo (¿o se dice veganismo?).

Yo quiero mucho a los animales, sobre todo a mi gato Catulo, pero, ay, debo confesar que no puedo reprimir las ganas de comérmelos de vez en cuando, así que resulta un poco complicado que las canciones de Futuro Vegapop consigan estimular algún cambio radical en mis hábitos alimenticios.
Los cortes de “Conexión‿, la mayoría en clave de ‘hardcore’ melódico (ese sub género espurio) y power pop, logran transmitir un optimismo y una consistencia discursiva que, a decir verdad, resultan ejemplares en tiempos como los nuestros: el compromiso y la militancia son dos valores hace tiempo ajenos al rock and roll. Pero también es cierto que los dogmatismos siempre atosigan: podemos amar a los animales sin la necesidad de andar proclamándolo todo el tiempo.

En cualquier caso, en el sonido de los Vegapop es posible rastrear el germen de Futuro Incierto, una de las bandas más emblemáticas y queridas de la escena local en la década de los noventa, y todas las canciones de este disco son tan digeribles e inmediatas que incluso no desentonarían en la programación de alguna estación radial que no esté corroída por las estrecheces de criterio habituales. Recomendable, más allá de sus redundancias.

FADAS – “Caminando sobre la luna‿

Hacen falta bandas de chicas en nuestra falocéntrica escena, así que primero habría que cumplir con darle la bienvenida a este trío local, aunque su propuesta no sea precisamente novedosa u original: de hecho, basta escuchar los primeros acordes de “Chakra cardiaco‿ (sic), el tema inicial del disco, para sentir que una máquina del tiempo nos ha llevado de vuelta a la década del noventa. Cierta teatralidad en la manera de cantar de Angie A. Massone podría emparentar a estas Fadas con las ilustres y en la mayoría de los casos ya caducas prosélitas del movimiento conocido como riot grrrls (Bikini Kill, Babes in Toyland), pero en realidad sus búsquedas parecen tener poco que ver con el panfleto feminista o la conciencia ‘de género’: de hecho, casi todos los temas abordan estados de angustia y alienación que responden más al furioso y descarnado individualismo que suele estigmatizar a la generación última.

VARIOS ARTISTAS. “Vuelo stereo‿ / “Desafiando al rito‿ (Tributo a Soda Stereo)

Al principio quise rehusarme a comentar esta crápula oportunista. Pero, bueno, ya pasó todo el fárrago que ocasionó el paso de Cerati y compañía por estas tierras, así que ahora sí es posible abordar con cierta distancia estos discos de tributo a la resucitada banda argentina, también conocida con el ridículo mote de ‘la trilogía del rock’, en la que todas las canciones son refrendadas por artistas peruanos.

Para empezar, recordemos que casi todos los discos de tributo, en el Perú y en cualquier parte, no suelen servir para nada. Hay excepciones, claro (los “Sweet Relief‿ dedicados Vic Chesnutt y Victoria Williams, el disco “Deadicated‿ con clásicos de los Grateful Dead, quizás el “Stone Free‿ para Jimi Hendrix, el tributo a los Carpenters, solo por citar algunos ejemplos), pero no las busquen aquí: aunque algunos de los artistas que participan en estas producciones han hecho su mejor esfuerzo por reinterpretar a su modo algunos de los hitos más conocidos del catálogo de Gustavo Cerati y sus compinches, ninguno consigue superar por trecho largo la medianía del conjunto.

Algunos se animan a experimentar con mixturas improbables (Pelo Madueño cita a Joy Division en su versión techno de “En la ciudad de la furia‿, el “Trátame suavemente‿ de Cómplices Eternos empieza como una canción de The Cure…), otros apuestan por la caricatura (Los Zopilotes, Bulldog) y hay incluso los que suenan sencillamente desorientados y/o soporíferos (Diazepunk, Diego Dibós), pero al final no hay nada medianamente memorable en ninguno de estos trabajos. Supongo que los fanáticos más recalcitrantes de Soda Stereo sabrán disfrutar de todo esto como si se tratara de una curiosidad para coleccionistas. Yo paso.

(RAÚL CACHAY A.)

Segunda parada de Deep Purple en Lima. Miércoles 20 de febrero, Estadio Nacional. A poco más de diez años desde aquella vez en la Universidad de Lima. Una visita que no puede pasar desapercibida, aunque tal vez no llegue a entusiasmar a todos. Dejamos el espacio libre para que usted, señor lector, manifieste su complacencia, su disconformidad o su indiferencia.

Esa noche, la del 22 de marzo de 1997, abandonamos la por entonces cancha de fútbol de la Universidad de Lima con un gusto agridulce o, si vale, con sentimientos encontrados: habíamos visto a Deep Purple, esa banda de la que supimos primero de oídas, mediante el delirante anecdotario de un viejo hippie del barrio que tenía todos sus discos y para quien el “Machine Head‿ era casi La Biblia, y que luego escuchamos, por recomendación del mismo personaje, que ya no usaba el pelo largo ni llevaba flores estampadas en el polo y que ahora trabajaba de 9 a 5, con traje y corbata; sí, habíamos visto a Deep Purple, con conocimiento de causa, habiéndonos sumergido ya cientos de veces en los consabidos “Smoke on the Water‿, “Highway Star‿ y “Child in Time‿, pero no habíamos tenido la suerte de ver en escena la excéntrica figura del elemento fundamental de la banda: Ritchie Blackmore, el maestro. Y eso no fue fácil de digerir: en su lugar, un tipo muy técnico, zorro y puntilloso con las cuerdas: Steve Morse (ex Kansas), pero así y todo, nada que ver con el titular, que ya se había peleado por enésima vez con Ian Gillan.

Como sea, mucho se ha dicho sobre la banda. Por ello, me limitaré a comentar, brevemente, los que considero sus cinco discos definitivos (al menos, con Gillan en la voz).

1. Machine Head
Año: 1972

La obra maestra de la banda, casi un ‘grandes éxitos’. Tiene como piezas emblemáticas “Smoke on the Water‿, cuyo riff central de guitarra es, tal vez, el más reconocible en la historia del rock (se convirtió en ‘single’ tras el fallido intento comercial de “Never Before‿); “Highway Star‿, un tema veloz, que arremete imparable, ideal para ser escuchado en un auto y que conserva solos de guitarra y teclados ejecutados siguiendo los patrones barrocos de Bach; y “Lazy‿, una suerte de ‘jam’ en el que vuelve a ponerse sobre el tapete la pericia de sus instrumentistas. “Machine Head‿ es el mejor lugar donde se puede empezar a descubrir la esencia de Deep Purple.

2. Made in Japan
Año: 1972

Uno de los mejores discos en vivo que se hayan registrado jamás. Originalmente salió a las estanterías en formato de doble elepé con solo siete canciones, todas con duraciones extra large. En “Made in Japan‿ encontramos las mejores versiones de temas como “Smoke on the Water‿, “Child in Time‿ (donde Gillan se quema vivo en incendiarios agudos) y “Strange Kind of Woman‿, en el que recordamos el ‘diálogo’ simétrico entre la voz de Gillan y la guitarra de Blackmore. Un trabajo impecable, aunque, valgan verdades, suelo aburrirme con los más de veinte minutos de “Spacetruckin’‿ y con el solo de batería de Ian Paice en “The Mule‿, técnicamente certero, pero carente del toque animal de un baterista de rock and roll.

3. Perfect Strangers
Año: 1984

Disco de regreso de la banda, tras varios años de caminos separados. Un retorno revitalizado por un momento particularmente creativo de sus integrantes. La placa derribó las supuestas barreras que Deep Purple encontraría al ingresar en los años 80, tan lejanos del rock ácido y poshippie de los años 70. Un trabajo redondo, del que aún suenan temas como “Knocking at your Back Door‿, “Perfect Strangers‿ y “Nobody’s Home‿. Préstele atención a “Wasted Sunsets‿, un lento en el que la guitarra de Blackmore alcanza proporciones épicas.

4. In Rock
Año: 1970

Fue la primera muestra de que el mundo estaba a las puertas de un grupo que no pasaría así nomás por los escenarios. Sin llegar a los niveles del “Machine Head‿, este disco reveló signos inequívocos de grandeza. Con un sonido crudo, con ritmos trepidantes y con una intensidad a prueba de balas, la banda inmortalizó aquí temas como “Speed King‿, “Flight of the Rat‿, “Into the Fire‿ y, sobre todo, “Child in Time‿, algo así como el “Stairway to Heaven‿ de Deep Purple, un himno que justifica sus más de 10 minutos de duración.

5. Purpendicular
Año: 1996

Primer y mejor disco con la guitarra de Steve Morse. En este trabajo, Deep Purple ingresa en una nueva dimensión, definida por una mayor aplicación en arreglos sobrios, dejando un poco de lado ese afán por lo que les podía deparar el azar de la improvisación (una seña muy Blackmore). Aquí todo parece más calculado, como producto de esforzadas sesiones de alquimia. No sobra y no falta nada. “Purpendicular‿ tiene momentos muy inspirados, como “Sometimes I Feel Like Screaming‿, “Loosen My Strings‿ y “Soon Forgotten‿.

(Rafael Valdizán)

Y aquí está. Esta es la parte final de la lista. Algunos comentaristas reniegan porque piensan que solo he circunscrito este inventario a lo que ellos califican como ‘indie’, sin tomar en cuenta géneros como el metal, el rock progresivo (¡!) o el pop en español. Resulta cuando menos curioso que exista alguien en el planeta que esté convencido de que Bruce Springsteen, por ejemplo, es un artista ‘indie’. Puedo garantizarles que no suelo constreñir mis gustos y que, con contadísimas excepciones (nunca nadie podrá convencerme de que Joaquín Sabina o Fito Páez, por tirar un par de ejemplos radicales, tienen el valor descomunal que sus seguidores les atribuyen), siempre trato de evitar los prejuicios en mi consumo musical. De todos los discos editados durante el 2007 que escuché en el último año, los treinta que aparecen en esta lista fueron los que más disfruté y quise compartirlo con ustedes. Tan simple como eso. Feliz 2008. (RAÚL CACHAY A.)

10. RADIOHEAD – “In Rainbows‿

Confieso que nunca los aprecié demasiado, que empecé a perderles el rastro más o menos hacia la segunda mitad de “Ok Computer‿ y que, a fin de cuentas, los discos siguientes no aportaron mucho en elevar mis ganas de entender mejor a esta banda. Cuando conocí la estrategia que habían planeado para lanzar su más reciente producción en estudio, cuando reparé en que estaban fundando una nueva y brillante manera de esquivar el monopolio mediocre de la industria y, además, fortalecían el tan añorado anhelo de comunidad que alguna vez caracterizó a la mayoría de consumidores de música pop, supe de inmediato que era una oportunidad inmejorable para redescubrir, o mejor, para descubrir a la banda de Thom Yorke. Pagué 3.5 euros (¿o fueron libras esterlinas?) para la descarga y el asombro fue instantáneo: las canciones más rápidas eran frenéticas; las lentas, conmovedoras, voluptuosas... No sé si este es el mejor disco de Radiohead. Pero sí es el único que logró vencer esa absurda muralla de terquedad que a veces se levanta frente a mis ojos sin que pueda hacer nada para evitarlo. Sencillamente impecable.

http://www.youtube.com/watch?v=GoLJJRIWCLU

9. GRINDERMAN – “Grinderman‿

“Mi cara se acabó. Mi cuerpo se ha ido… Pero sobre todas las cosas debo seguir queriéndome‿. Eso lo dice Nick Cave, el príncipe de las tinieblas, la mala semilla, en la primera estrofa de “No Pussy Blues‿, la mejor canción que circuló por el laberinto de mis neuronas durante todo el 2007: rock and roll que proviene desde las entrañas mismas de la noche, el viejo, sucio y querido rock and roll, el mismo que parece citar a un tiempo a The Birthday Party (la vieja banda de Cave), a los Stooges, a los libros de Bukowski y Hunter Thompson, a todo aquello que hace que valga la pena levantarse por las mañanas. Los integrantes de Grinderman saben más por diablos que por viejos y aquí nos convocan a una juerga desopilante, de la que solo los feos y los valientes podrán salir bien librados. Demencial.

Grinderman - "No Pussy Blues"

8. PANDA BEAR – “Person Pitch‿

En los agradecimientos incluidos en el cuadernillo del disco, el integrante más aventajado de Animal Collective enumera una caterva de referentes que incluye actos tan disímiles como Black Flag, Caetano Veloso, Black Sabbath y, ejem, Phil Collins. Que cada uno le confiera la carga irónica que quiera a ese recuento de gratitudes, pero lo que queda claro después de escuchar una y otra vez un trabajo tan adictivo y desconcertante como este, es que un fragmento considerable de la historia de la música pop parece palpitar, retorcerse y metamorfosearse en la cabeza del brillante Panda Bear: alguien dirá que, como en The Polyphonic Spree, la estela del Brian Wilson más delirante es perceptible en casi todos los cortes, pero eso sería reducir este ejercicio de alquimia conceptual a su más inmediata expresión. Aquí hay ecos, sí, de “Smile‿ y “Pet Sounds‿, pero también del kraut rock alemán y La Monte Young, de Love y la psicodelia garajera de los 60…

http://www.youtube.com/watch?v=25_gjUbvqNg

http://www.youtube.com/watch?v=6GQCVOLbRU8&feature=related

7. RILO KILEY – “Under the Blacklight‿

Muchos todavía no lo comprenden, y hay algunos que seguramente nunca sabrán perdonarlo. ¿Rilo Kiley se vendió al ogro corporativo? ¿Ese riff inicial no suena exactamente como el de “My Sweet Lord‿? ¿Qué pasó con el espíritu independiente? Más allá de los cuestionamientos, justificables si tomamos en cuenta que este grupo parecía resistir mejor que nadie los embates de la industria desde su macizo bastión independiente, la reinvención de la agrupación liderada por Jenny Lewis no deja de ser excitante: la banda sonora perfecta para tarde soleadas, una celebración del legado de Fleetwood Mac y una actualización del temperamento decadente y excesivo de la lejanísima década del setenta. Pero, por sobre todas las cosas, un disco formidable. Digan lo que digan.

Rilo Kiley - "Silver lining"

Rilo Kiley - "The Moneymaker"

6. M.I.A. – “Kala‿

Todo empieza con una cita a “Roadrunner‿, el clásico de los Modern Lovers. Poco a poco, sin embargo, el ambiente se enrarece, la música se transforma en un arrebato tribal, una esponja que lo absorbe todo, un alarido de emancipación creativa. M.I.A. es algo así como la versión femenina de Manu Chao, pero infinitamente más achorada, proteica y genial que el trovador francoespañol. En sus canciones se pueden escuchar ladridos, balazos, gruñidos y sollozos, pero sobre todas las cosa está ella, un emblema de autonomía, audacia y riesgo en tiempos, como los nuestros, en que todo lo que resulta ligeramente distinto a lo que suele ser masificado por los medios es observado con abierto menosprecio por las grandes mayorías. Este no es solamente un disco. Es una ráfaga de optimismo. Un ritual pagano. Techno y hip hop ultrapolitizado para un musical de Bollywood sobre zombies danzantes. Con su segundo LP, M.I.A. ha inaugurado una zapatería en el trasero del sistema. Y sirve para bailar. Para descontrolarse. El ‘soundtrack’ ideal para el verano que no termina de empezar.

http://www.youtube.com/watch?v=Y9_Dk_F98cU

http://www.youtube.com/watch?v=D6iEe_1kWqA&feature=related

5. OKKERVIL RIVER – “The Stage Names‿

Su estilo ha sido bautizado como ‘lit rock’ (léase, ‘rock literario’), pero a Will Sheff, el ‘frontman’ de esta banda originaria de Austin (la misma ciudad de Spoon y tantas otras agrupaciones brillantes), esa categoría le produce urticaria: no es necesario calificar a la propuesta de un músico como ‘literaria’ para conferirle trascendencia o ‘importancia’. Porque literatura y música son dos cosas distintas. Porque Dylan es un compositor y no un poeta. “Black Sheep Boy‿, su disco anterior, fue ya una genuina obra maestra que nos expuso gloriosamente a la cultivada magia de estos traductores de la sensibilidad y el imaginario que se suele vincular a ese género conocido como ‘Americana’. “The Stage Names‿ es todavía mejor: ya sin ataduras estilísticas, Sheff y compañía se esfuerzan por contar historias recargadas de honestidad y posibilidades connotativas, pero lo hacen con una libertad para transitar por tantos registros que, más allá de su relativa brevedad, este álbum termina siendo un trabajo totalizador, un clásico instantáneo… Me-mo-ra-ble.

Okkervil River - "Our Life Is Not A Movie Or Maybe"

Okkervil River - "Girl In Port"

Feist

4. FEIST – “The Reminder‿

Si Canadá es el sétimo cielo del pop independiente contemporáneo, esta elegante y encantadora cómplice de los Broken Social Scene es algo así como su deidad reinante. Al escuchar este disco, resulta casi inevitable tratar de desentrañar sus orígenes, rastrear sus ascendientes, formular asociaciones: esa primera canción tiene aires a la bossa nova, aquella otra parece un lado B del último disco de Cat Power, la de más allá trae a la memoria a Isobel Campbell, a Stevie Nicks, Liz Phair… En realidad no vale la pena perder el tiempo de esa manera: Feist tiene su propia voz, que se construye sobre cimientos omnívoros y “The Reminder‿ es el disco que la proyecta como una genuina estrella llamada trascender las barreras imaginarias que dividen lo ‘alternativo’ de lo ‘comercial’. Porque esto es música de altísima calidad que, sin embargo, jamás discrimina, que es perfectamente digerible para cualquiera, que debería sonar al menos una vez al día en todas las estaciones de radio del universo.

http://www.youtube.com/watch?v=d3vIv1EwO5A

http://www.youtube.com/watch?v=C8LpNvEobOo

3. THE NATIONAL – “Boxer‿

La esperanza. El miedo. La obsesión. El amor. Esta incendiaria colección de canciones se nutre de nuestras pulsiones primarias. Mientras nos concentramos en tratar de procesar la multiplicidad de estímulos que proviene de la interacción entre los músicos, Matt Berninger nos habla de pasiones ocultas, psicopatías sexuales, cuentas sin saldar y alienaciones galopantes. Parece una trampa conceptual, una estrategia posera, pero no lo es: la honestidad lacerante de Berminger siempre triunfa, incluso cuando canta como si formara parte de algún lóbrego conjunto británico de inicios de los ochenta. Sus letras, casi siempre despiadadas, suelen sintonizar con esa parte de nuestro intelecto que silencia las verdades que duelen. No pierdan de vista a The National. Es una banda furiosamente contemporánea que puede reparar los mecanismos de la ilusión hasta en el más escéptico amante del pasado.

The National - "Mistaken For Strangers"

The National on Letterman - July 24, 2007

2. LES SAVY FAV – “Let’s Stay Friends‿

Admito que este disco me agarró por sorpresa. En realidad, creo que nos agarró por sorpresa a todos: Les Savy Fav siempre fue una banda digna de atención, pero pocos los creíamos capaces de fraguar un portento como este. El motivo inicial para incluir “Let’s Stay Friends‿ en el segundo lugar de esta lista fue el más sencillo (y esquivo) de todos: prácticamente no hay una sola canción que no merezca el calificativo de excelente en todo el condenado disco. En serio. Algunas invitan al baile, otras estimulan el pogo solitario, incluso en cierto momento particularmente memorable del disco, el vocalista Tim Harrington nos propone seguir a su pandilla para ‘tonear como si fuera 1999’. Pero no. Es (todavía) el año 2007. Y todo está podrido. “LSF‿ también tiene el poder de recoger y procesar el sino de los tiempos: las referencias políticas –veladas y no tanto--, la decepción y la rabia que producen las decisiones que otros toman y que nosotros deberíamos pero nunca podremos controlar, todo eso también forma parte del temperamento de esta ecléctica genialidad. Sin menospreciar los discos anteriores de LSF, este fue el gran hallazgo, la aparición más rutilante del 2007.

http://www.youtube.com/watch?v=Y7Gu2jp63SE

http://www.youtube.com/watch?v=rNVKyJGEcW4

http://www.youtube.com/watch?v=fwv-sGRThLM

1. ARCADE FIRE – “Neon Bible‿

Imagino que esto no sorprenderá a nadie. Pero, vamos, los favoritos casi siempre ganan. Y este disco fue un favorito global desde los primeros meses del año, cuando no tardó en multiplicar muecas de admiración con cada uno de sus alaridos de autonomía y arrobadora trascendencia. Los Arcade Fire primero conquistaron nuestros corazones con la entrañable tristeza y la hiper ventilada intensidad de “Funeral‿. Esta vez, todo indica que apuntaron hacia nuestras cabezas. Y tampoco fallaron. En las canciones de este disco hay lugar para la diatriba anti bélica, la catarsis amorosa y la introspección honesta, pero sobre todo lo demás está la música. “Neon Bible‿ fue una epifanía necesaria. Y “Antichrist Television Blues‿ fue la mejor canción de Bruce Springsteen que El Jefe no refrendó en el 2007.

Arcade Fire - "No Cars Go"

Arcade Fire - "Keep The Car Running" (at Jonathan Ross 2007)

20. BAND OF HORSES – “Cease to Begin‿

Un breve ‘tour de force’ emocional que nos proyecta hacia un universo poblado de espectros camuflados por la ironía, amores imposibles y lamentos de auténtica impronta sureña (aunque la banda, en realidad, provenga de Seattle). Aquí está la excepción que contradice la norma: una segunda producción tan buena o mejor que el debut. Para archivar muy cerca de los discos de My Morning Jacket, Drive By Truckers y demás deconstructores contemporáneos del ‘sueño americano’.

19. SPOON – “Ga Ga Ga Ga Ga‿

Para Spoon, los teclados siempre importan: eso lo tenemos bien claro quienes hemos venido siguiendo con permanente asombro la brillante trayectoria de esta banda originaria de Austin, Texas, durante prácticamente una década. Pero la sensibilidad pop, el atrevimiento, la riqueza connotativa, el poder evocativo: todos esos son también rasgos decisivos que, sin alcanzar las alturas inolvidables de “Girls Can Tell‿ (2001) y “Gimme Fiction‿ (2000), hacen de este álbum un nuevo y rutilante triunfo del conjunto liderado por Britt Daniel. Y ya van..

http://www.youtube.com/watch?v=LenPKPqvdJA

18. OF MONTREAL – “Hissing Fauna, Are You the Destroyer?‿

Las armonías con reminiscencias de Brian Wilson y los Beatles ya no pueden ocultar lo inexorable: hasta los corazones más festivos tienen períodos lóbregos, hasta el más agudo espíritu post adolescente se sumerge en los socavones de la autocomplacencia. Se nota que Kevin Barnes no la ha estado pasando bien. “The Past is a Grotesque Animal‿, una de las canciones del año, es la prueba de ello: 12 minutos de intensísimas arcadas emocionales, algo parecido a una sesión de psicoanálisis a ritmo de militante indie pop. En otro tema, Barnes lo admite desde el arranque: “Estoy en una crisis‿. Ojalá todas las crisis existenciales terminara siendo tan productivas como esta. El mejor disco de su carrera.

Of Montreal - "Heimdalsgate Like A Promethean Curse"

Of Montreal - "The Past Is A Grotesque Animal"

17. BRIGHT EYES – “Cassadaga‿

¿Es Conor Oberst el nuevo Dylan? Quizás no. Pero vaya que ahora mismo está cumpliendo mucho mejor que Neil Young o incluso el propio Springsteen la compleja asignatura de procesar artísticamente la creciente gravedad de nuestras dolencias colectivas. Tras superar con destreza los excesos y los lastres de sus primeros discos, las canciones de Bright Eyes son cada vez más hermosas y necesarias. Escúchenlas. Luego lean el cuardenillo del disco o busquen las letras en Internet. Muchos de ustedes, si es que no lo hicieron ya, no tardarán en sentir que se han topado con algo que vale la pena divulgar.

http://www.youtube.com/watch?v=XaV-nGQ5yqw

16. ELVIS PERKINS – “Ash Wednesday‿

Otra de las grandes revelaciones de la temporada: armado con una guitarra acústica, ciertas ambiciones orquestales y una pluma tan fina y delicada como sus melodías, el hijo de Anthony Perkins no se cansó de conmovernos durante todo el 2007. Aquí no hay lugar para la psicosis, pero sí para la confesión sincera y la proclama amatoria. Un cantautor que parece haber nutrido su espíritu con las fuentes correctas: aquí palpita el legado de Townes Van Zandt, el ascendiente de Van Morrison, la sensibilidad de Nick Drake…

Elvis Perkins in Dearland on Letterman

15. ANIMAL COLLECTIVE – “Strawberry Jam‿

Black Dice, la no wave, Pavement… No hace falta rastrear las raíces del desmadre psicodélico que el colectivo animal ha decidido poner a consideración del respetable en esta oportunidad: cualquier intento de cotejar las marejadas de efectos, sonidos inquietantemente orgánicos y percusiones electrónicas que consolidan la propuesta de “Strawberry Jam‿ con el estilo de algún ilustre predecesor sería, de plano, absolutamente inútil, pues esto no se parece a nada. De hecho, ni siquiera parece provenir de este mundo: es cósmico y caótico, adictivo y trascendental. En un año particularmente prolífico para estos niños bien provenientes de los suburbios de Baltimore, resulta cuando menos encomiable que hayan encontrado la forma de esquivar cualquier cesión a las presiones de los agentes de poder y las tentaciones de las márgenes del mainstream: este es, posiblemente, el álbum menos accesible de sus carreras.

http://www.youtube.com/watch?v=fxvGHQHiY70

14. BLONDE REDHEAD – “23"

Elegantes, enigmáticos, nebulosos, los Blonde Redhead han alcanzado con este soberbio entramado de texturas la cumbre de sus posibilidades expresivas. Un álbum que parece rendirle tributo a los grandes referentes del género conocido como ‘shoegazing’ (MBV, Slowdive, Lush…) desafiando la rigidez estilística que estropea ligeramente la propuesta de muchos epígonos contemporáneos. “23‿ es un disco que intercala los instantes de arrobo hipnótico con descargas de electricidad que no dejan de ser intensas, apasionantes… Una pieza de colección.

Blonde Redhead - 23

13. RUFUS WAINWRIGHT – “Release the Stars‿ // JOAN AS POLICE WOMAN – “Real Life‿ (EMPATE)

Luego de las exquisitas cúspides e hiperbólicos descensos en los avernos de la autoindulgencia que formaron parte del exorbitante díptico de los “Want‿, nuestra reina del drama favorita nos presenta su más reciente encarnación, que resulta ser una perfecta síntesis de todas las anteriores: aquí, Wainwright suena majestuoso, cínico, reflexivo, majadero y, en ciertos casos, simplemente genial. Otro triunfo que, este mismo año, fue continuado por su extravagancia mayor: un disco y DVD que reproducen íntegramente un famoso concierto que ofreció Judy Garland hace más de cuatro décadas. Lo de la ex novia del recordado y querido Jeff Buckley persigue otros estados de ánimo: entre la intensidad de la evocación romántica y el mero desgarramiento, Joan Wasser se revela como una genuina trovadora del descalabro amoroso y otras penurias. Aunque casi siempre entrañables y atemporales, las canciones de Wasser suelen encubrir, en realidad, una inquietante locura, esa que solo ocurre cuando nos quebramos en pedazos tratando de querer a alguien. Estupendo.

http://www.youtube.com/watch?v=nNd5R7FQBFg

http://www.youtube.com/watch?v=2XS5mQawaQg

12. !!! – “Myth Takes‿

Mientras James Murphy y su LCD Soundsystem se ponían serios con “Sound of Silver‿, este octeto de Brooklyn porfiaba en su decadencia arengadora con este nuevo ejercicio de exhuberancia psicotrópica. Si en estudio suenan incandescentes, hay que someterse a su espectáculo en vivo para entender al instante en qué consiste eso de abandonar las entrañas a la experiencia sensorial de un concierto de rock and roll que, además, tiene el poder de recrear la atmósfera de una discoteca sombría y espléndida. Aquí hay sordidez, hedonismo, conchudez: esta juerga no es para corazones débiles, ni para los que se van a dormir temprano.

!!! - Must Be The Moon

11. ARCTIC MONKEYS – “Favourite Worst Nightmare‿

Música para las masas. Estos mocosos traen consigo la antorcha de la extensa cadena de clichés que suele estar asociada al rock and roll, pero con el matiz del incuestionable advenimiento de una nueva era para las dinámicas del consumo de música pop. Son jóvenes, son cínicos, son brillantes, acelerados, insolentes: los Monkeys nos proyectan hacia el mañana como ninguna otra banda contemporánea, pues marcan la pauta de un camino ciertamente esperanzados para la música en tiempos en los que la industria, aterrorizada por el fantasma de la piratería y la amenaza cibernética, tan solo obedece el dictado de los réditos instantáneos y las ideas ociosas. Este disco nos hizo respirar aliviados: no era ningún bluff. Están aquí para quedarse.

http://www.youtube.com/watch?v=30w8DyEJ__0

(RAÚL CACHAY A.)

El 2007 en 30 discos fundamentales

Primero, una aclaración: esta lista no pretende ser una suerte de catálogo definitivo de los momentos estelares del año discográfico ni la sentencia final de un crítico con ínfulas de pontífice. Nada de eso. Durante el 2007 escuché muchos discos. Quizás demasiados. Por motivos que pendulan entre el más abierto y descarado sentimentalismo, el asombro ante el hallazgo de lo insospechado y otras arbitrariedades difíciles de explicar, estos son mis treinta favoritos del año que se termina. Como siempre, siéntanse libres de utilizar los comentarios para expresar sus adhesiones, piteos y diatribas… (RAÚL CACHAY A.)

Björk - "Declare Independence"

29. LUCINDA WILLIAMS – “West‿
Que nadie se atreva a cuestionar su magisterio: aunque su pluma no tenga el mismo filo de los gloriosos “Car Wheels in a Gravel Road‿ o “World Without Tears‿, Williams sigue siendo la mejor cantautora estadounidense de este lado de Joni Mitchell, Aimee Mann o Tori Amos. Rockera y desgarrada, lúbrica y rabiosa: gracias a los dioses que habitan en las cantinas, las huellas de camión y las rockolas estropeadas tendremos Lucinda Williams para rato.

http://www.youtube.com/watch?v=xOC_ozl_-r0

28. THE GOOD, THE BAD & THE QUEEN – “The Good, The Bad & The Queen‿
Para quienes siempre pensamos que Gorillaz era nada más que una humorada sin demasiado contenido, este disco nos reconcilió con el genio indefinible de Damon Albarn. Las viejas glorias involucradas (Paul Simonon, Simon Tong y Tony Allen, cada uno con un pasado más ilustre que el otro) también aportan lo suyo. Una celebración de los sonidos del mundo y del escepticismo urbano. Y por momentos se parece a The Kinks.

The Good The Bad And The Queen - "Kingdom Of Doom"

27. LCD SOUNDSYSTEM – “Sound of Silver‿
Un bajón, quizás, respecto del magnífico debut, pero aun así a varias galaxias de distancia del promedio: electrónica con el espíritu lúdico y atemporal del rock de garaje. Para seguir creyendo. En un mundo de buenos, malos y mediocres, está muy claro que James Murphy forma parte de nuestro bando.

http://www.youtube.com/watch?v=SpGPdYeDuYg&feature=related

26. THE PIPETTES – “We Are the Pipettes‿
Mientras el pobre Phil Spector seguía sumergiéndose en el fango, estas chicas evocaron la antorcha del legendario productor y nos iluminaron la vida con su coquetería y sus coreografías sin tiempo y coordinación. Dulce y adictivo. Como el verano que no tiene cuándo comenzar.

The Pipettes - "Judy"

25. BRUCE SPRINGSTEEN & THE E STREET BAND – “Magic‿
El Jefe siempre tiene cosas relevantes que decir. Y con la cimbreante complicidad de su pandilla la pasa mucho mejor. Uno de los retornos más ruidosos del año. La gira más aparatosa de la temporada. ¿Pasará por Sudamérica en el 2008? ¿Bajarán los dichosos impuestos para los espectáculos musicales? ¿Clasificaremos al Mundial?

http://www.youtube.com/watch?v=XmLt6kcZ72Q

24. THE NEW PORNOGRAPHERS – “Challengers‿
Artesanía canadiense de altísima calidad. Sin igualar las cúspides de “Mass Romantic‿ o “Twin Cinema‿, tiene dos o tres momentos insuperables, especialmente “Myriad Harbour‿, una genuina filigrana que merece un lugar de privilegio en el catálogo de las canciones imprescindibles del año.

The New Pornographers - "Challengers"

23. PETER BJORN AND JOHN – “Writer’s Block‿
El silbido más pop del año. Un bálsamo de romanticismo para corazones indies. Un antídoto imbatible para el cinismo. Pura exquisitez y lasitud nórdica, una tenue sinfonía en baja fidelidad para ser escuchada mientras se calienta el café con leche para el lonche. Acompaña sin agredir. Como los buenos amigos.

http://www.youtube.com/watch?v=Y1FHIP4mLxQ

22. WILCO – “Sky Blue Sky‿
Menos alt country que Mellow Mafia, más Fleetwood Mac que The Flying Burrito Brothers, la banda de Jeff Tweedy circa 2007 nos remonta a tiempos mejores con esta delicada mixtura de enajenación y urgencia. Y la guitarra de Nels ‘Tom Verlaine’ Cline en “Imposible Germany‿ alcanza una voluptuosidad cósmica que solo puede ser comparable con el mejor sexo. Ideal para tardes soleadas y melancólicas.

Wilco - "Impossible Germany"

Liars

21. LIARS – “Liars‿
Si antes nos empujaban hacia los oscuros socavones de un post punk marcial y dantesco, o buscaban someternos a sus febriles sancochados conceptuales sobre persecuciones de brujas o fragorosos estudios sobre la naturaleza intrínsecamente tribal del rock and roll, esta vez la horrísona caterva comandada por Angus Andrew quiso hacer un disco ‘de canciones’. Y quizás nunca sonaron tan resinosos, hediondos y jocosos como ahora.

http://www.youtube.com/watch?v=kzZVvM8Dyzs

((BONUS))
DIEZ REEDICIONES / RECOPILACIONES IMPRESCINDIBLES:

- SLY & THE FAMILY STONE. “Stand!‿, “There’s a Riot Going On‿ y más…
- YOUNG MARBLE GIANTS – “Colossal Youth & Collected Works‿
- WARREN ZEVON – “Preludes. Rare and Unreleased Recordings‿
- NICK DRAKE – “Fruit Tree‿
- SONIC YOUTH – “Daydream Nation. Deluxe Edition‿.
- ELLIOTT SMITH – “New Moon‿
- LOS NATAS – “El universo perdido de Los Natas I y II‿
- MANGANZOIDES – “Dosis Completa. Décimo aniversario‿
- AMY WINEHOUSE – “Frank‿
- PREFAB SPROUT – “Steve McQueen: Legacy Edition‿