Disco Club

Freddie de los monos

2008-11-19T17:37:14Z

A muchos les puede sorprender el título de esta nota, pero al leerla se van a ir dando cuenta del motivo que nos llevó a escoger esta analogía del legendario y recordado Freddie Mercury con el popular personaje de Tarzán, creado a comienzos del siglo XX por el genial Edgar Rice Burroughs. Cuando un héroe como Freddie se va (han pasado 17 años desde su deceso ocurrido el 24 de noviembre de 1991), generalmente se le recuerda a partir de sus años jóvenes o hasta el comienzo de su adultez, pero la niñez de nuestro amigo Freddie fue tan rica en experiencias que vale la pena recordar sus primeros años.

]]> Frederick Farouk Bulsara nació en una tierra de leyenda llamada Zanzíbar el 5 de setiembre de 1946. Aquí es donde hablamos de su lugar de nacimiento. Zanzíbar es una isla del Océano Indico situada a unos 40 kilómetros de la costa oriental de África. Junto a la isla de Pemba y varias otras islas menores forma parte de la República de Tanzania. Aunque la primera referencia que se tiene de Zanzíbar es posterior al nacimiento del Islam, es probable que sus relaciones con los territorios de la península arábiga se hayan iniciado mucho antes de la era cristiana. Su historia moderna comienza, sin embargo, cuando los árabes se establecieron en la isla y parte de la costa oriental de África a fines del siglo XVIII.

Zanzíbar estuvo sometida al control de los gobernantes de Mascate y Omán por más de un siglo, hasta que las posesiones del sultanato fueron divididas entre las potencias europeas, y el territorio de las islas fue proclamado protectorado británico en 1890.

En 1963, el gobierno inglés le concedió la independencia; y al año siguiente se estableció la Republica Popular de Zanzíbar. Ese mismo año, el nuevo Estado se unió a Tanganica para formar la Republica Unida de Tanganica y Zanzíbar, nombre que quedó sustituido oficialmente por el de República de Tanzania el 29 de octubre de 1964.

Era necesario este repaso geográfico para ubicarnos en el territorio donde pasó su niñez Freddie Mercury y para entender cómo se vuelve ciudadano inglés. Su padre era contador para una entidad del gobierno británico, por lo que junto con su familia se muda a Inglaterra en 1959. Los territorios adyacentes a la isla donde vivió Freddie fueron el escenario de todas las películas e historias relacionadas con Tarzán, su máximo ídolo de la niñez, por lo que pudo pisar todas estas tierras casi míticas. De esta historia me enteré de una manera casual, hace varios años en una entrevista hecha por la revista National Geographic a Freddie Mercury, titulada “The Wildside of Freddie”, donde él narra cada detalle de su encuentro con la vida salvaje.

Paradójicamente cuando se muda con su familia a Inglaterra, vive a menos de una cuadra de la casa de Brian May en Feltham, Middlesex, y recién se conocen en 1970.

Queen se forma gracias a un trío previo llamado Smile e integrado por Brian May (guitarra), Roger Taylor (batería) y Tim Staffell (bajo). Esto ocurría en 1967. Tres años más tarde, cuando Smile ya había grabado su único single en Estados Unidos, Staffell dejó el trío pero antes convence a su compañero de habitación, Mercury, a unirse a May y Taylor. Freddie había integrado las bandas Sour Milk Sea y Wreckage como cantante. Así nace Queen, aunque el grupo todavía estaría en busca de un bajista estable, usando temporalmente a Max Grose y Barry Mitchell.

La trayectoria de Queen, incluso hasta después de la muerte de Freddie, es por todos conocida, pero quisimos recordarlo de una manera distinta, sin olvidar el inmenso legado musical que nos dejó y la lección de vida que significó sus años de pelea con la cruel enfermedad que se lo llevó. Mercury muere dejando un álbum póstumo, grabado luego del imperdible "Innuendo". El último gran gesto de Freddie fue haber dejado su inmensa fortuna a su gran amiga de toda la vida, Mary Austin. El legado fue aproximadamente de 10 millones de libras esterlinas. Para terminar este pequeño homenaje los dejo con una tarea: ¿de dónde viene el nombre de Freddie Mercury? Ya me cuentan.

Queen - "Innuendo"

Queen - "The Miracle"

Sigue la fiesta ochentera

2008-11-14T17:43:08Z

Antes que nada quiero darle las gracias a los más de 3.000 amigos que me acompañaron en la celebración de los 30 años de Disco Club. Este mes de noviembre siempre será recordado como una extensión del mes de rocktubre, pues creo que nunca hemos tenido la cantidad de visitas de artistas que han dejado su huella para siempre en la historia de la música, aunque claro, también hay de los “pseudo” como les llamo yo, léase el hijito de papá Julio o los cinco ex “Menudo”.

En este mes hasta nos hemos dado el lujo de tener dos bandas como Travis y R.E.M. en una sola fecha y compartiendo con lo mejorcito del talento nacional. A propósito de Travis, un 14 de noviembre de 1972 nació Douglas Payne, bajista de Travis, quienes tuvieron un álbum # 1 en Inglaterra en 1999 llamado “The Man Who” y un éxito single, dicho sea de paso, mi tema favorito de la banda, “Why does it always rain on me?” (¿”Por qué siempre llueve sobre mí?”).

Pero de quien quiero hablar hoy es de una persona que tuve la fortuna de conocer allá por 1990 cuando, debido a mi trabajo como asesor de eventos de una empresa transnacional, tuve que viajar a Chile para participar en el concierto de la artista en mención, nada menos que Cyndi Lauper.

]]> Esa era una época en que el Perú estaba marcado en el mapa como tabú para la visita de artistas de fama internacional, así que se tuvo que derivar hacia Chile no solo a Cyndi, sino también a Bon Jovi, UB40 y Rod Stewart, quienes se quedaron con las ganas de conocer nuestro país. Parece mentira que 18 años después, la pequeña Cyndi continúe con esa energía que la caracteriza y la hace destacar como profesional de la música. Un repaso a su historia nos muestra que lo suyo no es casualidad.

Cynthia Anne Stephanie Lauper nació el 20 de junio de 1953 en la Gran Manzana. Se mudó de un barrio de Williamsburg al populoso Queens con su mamá, hermano y hermana en 1958. Luego del divorcio de sus padres se fue de la casa en 1970 para probar fortuna tirando dedo por todo Canadá con su perrito Sparkle, y pasó el año siguiente estudiando arte en la Universidad Vermont. Su carrera musical comienza en 1974 cuando se une a la banda de Long Island “Doc West” como cantante principal antes de comenzar con la banda de covers Flyer, con quienes pasó los siguientes tres años. Cyndi perdió su voz luego de su intenso ritmo de trabajo en 1977 y los doctores dijeron que nunca podría volver a cantar. Sin embargo, se rehúso a perder su voz y consiguió ser entrenada vocalmente por una leyenda llamada Katie Ayresta, la cual había hecho milagros con otras personas con problemas similares. Un año después, Lauper y el tecladista y saxofonista John Turi forman el grupo Blue Angel y son contratados por Polydor Records. Por problemas económicos la banda se separa muy pronto y Cyndi conoce al año siguiente a David Wolff, su futuro mánager y protector, mientras cantaba en el bar Miho en Nueva York.

El despegue para Cyndi comienza en marzo de 1983 cuando es contratada por un sello subsidiario de CBS/Columbia y graba su primer álbum con la ayuda musical de The Hooters. “She’s so unusual “es lanzado en diciembre de ese año y sorprende a todos por su distintivo timbre vocal. En 1984, el tema “Girls just want to have fun”, escrito por Robert Hazard, llega al segundo lugar en Estados Unidos, ganando eventualmente un disco de platino. El 5 de abril, el video de “Girls just want to have fun” gana el premio al mejor video femenino en la segunda edición anual de American Video Awards. El 9 de junio, la balada “Time after time”, escrita por Lauper y Hyman, alcanza el # 1 en Estados Unidos, ganando un disco de oro.

Sería muy largo enumerar los logros espectaculares de Cyndi a lo largo de su carrera, pero entre los hechos más saltantes con los que recibió la década de los 90 fue su participación el 21 de julio de 1990, invitada por Roger Waters, en el megaevento “The Wall” llevado a cabo en el sitio real del Muro de Berlín en la Plaza Potzdamer Platz de Alemania. El evento fue transmitido en vivo a todo el mundo.

Cyndi siempre se ha mantenido de una u otra forma en actividad, llegando en 1995 a ser una de las voces de las tres gárgolas en la película animada de Walt Disney “El jorobado de Notre Dame”. Y créanlo o no, ahora la tenemos entre nosotros en carne y hueso. Gracias, Cyndi.

Back in Black Ice

2008-11-10T12:49:20Z

Algunos meses atrás, enterado del nuevo álbum de AC/DC, les traje la primera parte de la historia de esta banda tan querida y que nos ha traído trabajos musicales inolvidables, llenos de energía, con contagiosos ritmos y verdaderas exploraciones sensoriales. Estuve esperando con paciencia el lanzamiento de este álbum para completar la historia de la banda, y valió la pena.

Nos habíamos quedado en el 20 de diciembre de 1980 cuando “Back in Black”, el primer álbum grabado con el nuevo cantante, Brian Johnson, llega al # 4 en las listas de álbumes más vendidos. En el nuevo siglo, y tras ocho años de ausencia de los estudios (su último disco era “Stiff Upper Lip”, grabado en el año 2000), AC/DC nos sorprende con un nuevo trabajo llamado “Black Ice” (Hielo Negro), llamado así en recuerdo de la juventud de los hermanos Young en su tierra natal, Escocia, pues el reporte meteorológico de la radio anunciaba en invierno “hielo negro presente en el sudoeste”, refiriéndose a la acumulación de un hielo oscuro en determinadas zonas del país.

]]> Regresando a su formación más exitosa, esta está integrada por Angus Young (primera guitarra), Malcolm Young (segunda guitarra), Brian Johnson (voz), Cliff Williams (bajo) y Phil Rudd (batería). En la producción del disco está Brendan O’Brien, en el sonido y la mezcla está Mike Fraser (quien conoce al grupo como si lo hubiera creado) y como asistente del ingeniero está Eric Mosher. El álbum fue grabado en The Warehouse Studio de Vancouver, Canadá, y el trabajo de masterización fue encargado a George Marino, uno de los mejores en su especialidad. “Black Ice” acaba de ser lanzado el 20 de octubre del 2008.

Este álbum debió haber sido lanzado en el año 2006, pero el bajista Cliff Williams sufrió un accidente, hiriéndose seriamente una mano, lo que lo obligó a un reposo médico de 18 meses, causa suficiente para la demora que comentamos. Brian Johnson dice por su parte que es “el mejor álbum de la banda”. El primer tema escogido para la difusión fue “Rock’n’Roll Train”, editado el 28 de agosto. El correspondiente video del tema se presentó el 19 de setiembre, fecha en la que también se lanzó otra canción, “War Machine”. En el mismo día hubo un breve comentario del álbum en la revista Rolling Stone, destacando la solidez del trabajo realizado por cada uno de los integrantes. Se han hecho tres versiones del álbum con diferentes precios y presentaciones, incluyendo una de lujo con la portada dura (logo azul) que contiene un folleto de treinta páginas con nuevas ilustraciones, y fotos en vivo y en estudio de AC/DC. Las otras dos ediciones son más sencillas y solo difieren de algunos detalles de impresión, pues la música es exactamente la misma.

Otro de los motivos del retraso del lanzamiento del disco fue el cambio de sello de Sony a Columbia Records. Un ato interesante es que era la primera vez en la historia de las tiendas Walmart en Estados Unidos que se destinaba un tremendo espacio de la tienda diseñado para celebrar el lanzamiento de un nuevo disco, que fue el trato con esta producción de AC/DC. Hay una cuarta edición del disco que acaba de salir presentando material adicional. También se ha editado en vinilo en doble disco de vinilo de 180 gramos que viene con una sólida envoltura. Este LP fue vendido en el website de la banda y está disponible a través de las tiendas independientes en los Estados Unidos.

Cuando escuchen el disco van a coincidir conmigo en que desde el “Rock’n’Roll Train” que abre el set, no dejarán de oír entre canciones a otras dos bandas queridas por nosotros. Como ejemplo escuchen el # 7 “Spoilin’ for a fight” en el más puro estilo ZZ Top que se mezcla con los legendarios Cream en el # 9 llamado “Decibel”. En la # 10 Angus Young usa el slide y nos recuerda el “Physical Graffiti” de Led Zeppelin. Mención especial para mí merece la # 5 “War Machine” que es una moderna versión del clásico “Live Wire” (que fue la característica de apertura de Disco Club). Espero que puedan acceder al disco muy pronto.

La pequeña banda del río

2008-11-06T12:02:22Z

No me decidía a comenzar esta nota por lo anecdótico o lo periodístico. Moneda al aire. Ganó lo anecdótico, así que opto graficar una de las costumbres más antiguas de quienes hemos estado o estamos a cargo de un programa de música en radio o televisión. Hablo del tema de las traducciones o de los nombres de las bandas, asunto sobre el cual hay una gran cantidad de anécdotas para contar. Por ejemplo un conocido DJ, uno de los pioneros en programas radiales de rock y pop, presentó una vez a “Led Zeppelin y su conjunto”, otro habló de la “banda norteamericana Queen” y otro más se atrevió a decir que Michael Jackson canta “Trailer”. Pero creo que al margen de ello, la vez que todos los DJ nos “quemamos” fue cuando apareció un grupo australiano a mediados de los 70. Era la famosa Little River Band, a la que la inteligencia popular presentó como “La pequeña banda del río”.

]]> Australia le ha dado al mundo grandes grupos de rock, desde los años 60 en que los Easybeats –entre los que estaba el hermano mayor de los Young de AC/DC, George Young- llegó a los primeros lugares en el difícil ránking de Estados Unidos, hasta una multitud de grupos nuevos, pasando por los imprescindibles AC/DC, Men at work, Flash & The Pan y Midnight Oil, entre otros. Pero es grato recordar los momentos que hemos disfrutado con la buena música hecha por The Little River Band, cuyo correcto significado es “La banda de Little River”, nombre puesto al azar y tomado de una pequeña comunidad a 45 kilómetros de Melbourne, Australia, llamada Little River.

La historia de The Little River Band comienza en marzo de 1975 cuando tres ex integrantes de la banda Mississippi -Graham Goble (guitarra), Beeb Birtles (guitarra) y Dereck Pellicci (batería)- se encuentran con el vocalista Glenn Shorrock y deciden rearmar la banda. Criticados por tener un nombre americano, los integrantes del grupo optan por hacer un cambio y pasan a llamarse The Little River Band. En mayo se unen el guitarrista Rick Formosa y el bajista Roger Mc Lachlan, y presentan su álbum de estreno “Little River Band”, el cual inicialmente fue lanzado solo en Australia, donde obtiene el título de Álbum del Año.

En abril de 1976 firman contrato con el prestigioso sello Harvest, propiedad de EMI, y son lanzados a nivel mundial. El grupo comienza una gira global sin Formosa ni Mc Lachlan, quienes son reemplazados por David Briggs y George Mc Ardle. En octubre la banda toca en el prestigioso club Marquee de Londres, completando una gira europea con The Hollies. Antes de embarcarse en una gira americana abren para The Average White band. “Is a long way there” es el primer hit americano de la banda, llegando a # 28 en singles, mientras el álbum Little River Band llega al # 80.

En 1977 comienza a escucharse la banda entre nosotros gracias a un álbum llamado “Diamantina Cocktail”, el mismo que fue una mezcla de dos álbumes australianos (After hours de 1976 y Diamantina Cocktail de 1977), convirtiéndose en el primer álbum que llega obtener un certificado de oro por ventas de más de un millón de discos, distinción por primera vez otorgada a un grupo australiano.

“Help is on its way” (La ayuda está en camino) se convierte en el primer single que llega a los 10 primeros, y en el Perú es también un éxito radial. En marzo de 1978 otro tema alcanza un inusitado éxito, ya que inclusive en las fiestas de cumpleaños se comienza a usar en lugar del clásico Happy Birthday. El título era “Happy Anniversary”. En octubre, siempre con la fórmula secreta del éxito, Goble escribe el temaza “Reminiscing” que gana un Disco de Oro, mientras que “Sleeper Catcher” gana uno de platino. La banda regresa a casa después su segunda gira mundial para recibir su primer premio de los Australian Rock Awards, mientras su mánager Glenn Wheatley gana el de Mánager del Año.

En 1995 la banda celebró su vigésimo aniversario con una gira americana, tocando canciones de una retrospectiva lanzada por el sello de rock clásico Rhino Records llamado Reminiscing-The 20th Anniversary Collection, seguido por una gira europea donde el grupo todavía permanece con mucha fuerza. Atención, señores empresarios.

Aviso a la comunidad: Este sábado 8 de noviembre celebraremos, por fin, los 30 años de Disco Club. La cita es a las 8 p.m. en el Polideportivo Limatambo de San Borja. Están todos invitados, la entrada es gratituita.

Little River Band - "It's A Long Way There"

Little River Band - "Help Is On Its Way"

Little River Band - "Reminiscing"

Colores vivos

2008-10-31T13:16:01Z

El 27 de enero de 1995, la revista especializada Performance reportó que la banda Living Colour no continuaría en actividad. Según el guitarrista de la banda, Vernon Reid, la determinación se produjo porque ya no era divertido y la magia ya no estaba presente. “No he tomado esta decisión de un momento a otro. He estado luchando con ella y buscando en mi alma por cerca de un año, pero al mismo tiempo el sentido de unidad y propósito de Living Colour se hacía cada vez más débil y confuso. Cada vez encontré más y más satisfacción creativa en mis proyectos solistas”. Finalmente, se hizo obvio que no quería continuar con la banda y todo se terminó. Hoy recuerdo a Living Colour porque tuve la oportunidad de verlos en vivo en noviembre de 1989 en el desaparecido coliseo deportivo Miami Orange Bowl.

]]> Yo ya había tenido oportunidad de difundir en mis programas de radio y televisión el material de esta banda, pero nunca me imaginé lo poderosa que era su puesta en escena hasta que los vi en vivo. El grupo había sido invitado para abrir las presentaciones de la gira “Steel Wheels North American Tour 1989” de The Rolling Stones. La reacción del público ante su música fue simplemente increíble porque cuando la banda anunció su última canción, la gente se olvidó del grupo de fondo y les exigieron hasta tres repeticiones en medio de una gran ovación.

La historia de Living Colour comienza en 1985 cuando Vernon Reid, hijo de un trabajador del correo y una empleada de supermercado, recibió su primera guitarra a los 15 años. Sus pininos musicales los hizo en el grupo Defunk y luego se gradúo en una academia de jazz fusión de avanzada. Luego forma el cuarteto power Living Colour, tomando el nombre del comercial de la cadena NBC-TV que dice “el siguiente programa es traído a ustedes en vivo color” (Living Colour).

Se unen a Vernon el baterista Will Calhoun (graduado en 1986 de la prestigiosa escuela de música Berklee de Boston, donde ganó el Premio Buddy Rich por excelencia en percusión, y quien estuvo en gira con el legendario Harry Belafonte), el bajista Muzz Skillings y el cantante Carey Glover (que acababa de completar su trabajo como actor en el papel de Francis, en la celebrada película de Oliver Stone “Platoon” y a quien Reid había escuchado cantando el Happy Birthday en la fiesta de un amigo). Metido en la política, Reid también forma el movimiento de presión “Black rock coalition” con el periodista Greg Tate.

En 1986, Mick Jagger ve actuar a la banda en el legendario CBGB en Nueva York y los invita a tocar en su próximo álbum como solista “Primitive Cool”. Posteriormente Mick produciría dos demos para el grupo, “Glamour boys” y “Which way to America”, que también los ayudaría a conseguir su contrato de grabación con Epic Records. Por mucho tiempo Jagger continuaría como padrino de la banda.

En 1988, su álbum debut “Vivid”, con pistas producidas por Jagger, emerge y llega hasta el # 6 en Estados Unidos, permaneciendo en el ránking cerca de un año. Se producen varias giras para promover el proyecto, incluyendo compromisos de soporte para Cheap Trick, Robert Palmer, Anthrax y Billy Bragg. En octubre, Reid es presentado en el álbum debut solista de Keith Richards, “Talk is cheap”.

En abril de 1989, la banda es invitada del programa “Saturday Night Live” de la NBC-TV. En mayo, el tema “Cult of personality” se ubica entre los 10 primeros. En esta canción se incluye parte de un discurso del presidente John F. Kennedy, creando una controversia nacional. El 6 de setiembre, Mick Jagger presenta al grupo con los trofeos de “Mejor Artista Nuevo”, “Mejor Video de Grupo” y “Mejor Actuación en Escenario” en la sexta entrega anual de los premios MTV. En 1990, Living Colour gana el Grammy a la mejor canción de hard rock por “Cult of personality” en la entrega anual # 32 de dichos premios.

Para quienes no han escuchado a Living Colour van estas líneas, porque es una banda que vale la pena conocer.

Living Colour - "Cult of personality"

Living Colour - "Seven nation army"

El leopardo sordo

2008-10-29T08:32:24Z

La década de los 70 tiene una connotación muy especial en el desarrollo de la música. Se consolida la explosión originada por ese trascendental acontecimiento sociocultural que se llamó Woodstock. El megaevento de 1969 produjo un salto cuántico en las propuestas musicales conocidas hasta entonces, proporcionando nuevos elementos que se mezclaron con los ya existentes. La creatividad que se había notado a comienzos de los 60 entra en ebullición máxima en esta década, y así surgen nuevas bandas, nuevos talentos en todos los campos de la música.

]]> Uno de los grupos, creo yo, que mejor grafica esta situación es Def Leppard, banda que surge en 1977 en Sheffield, Yorkshire, Inglaterra, cuando los ex compañeros de colegio Pete Willis y Joe Elliot dejan su primera banda Jump para juntarse a la banda de heavy metal Atomic Mass, dirigida por el aprendiz de ferrocarrilero británico Rick Savage. Elliot dejó sus ambiciones de ser guitarrista para hacerse cargo de la parte vocal, Savage optó por el bajo, y Willis se adueñó de la guitarra. El nombre Atomic Mass es cambiado a Def Leppard (derivado de la sugerencia inicial de Elliot de Deaf Leopard). Al mismo tiempo, Steve Clark, compañero de colegio de Willis, se une al grupo en segunda guitarra. Comenzaron a ensayar en la azotea en una fábrica de cucharitas de Sheffield (el primer ensayo comenzó con “Suffragette City”).

En julio de 1978, el grupo debuta en un colegio local por un pago de $5 libras esterlinas. Continuaron pequeñas tocadas con una serie de cambios de bateristas (ninguno parecía ser el adecuado). En noviembre graban un EP de tres canciones con el baterista Frank Noon y forman su propio sello, Bludgeon Riffola, con un préstamo de $150 libras esterlinas hecho por el padre de Elliot. Llaman a Rick Allen para la batería, quien tocaba en Smokey Blue a los diez años, y quien a los 15 se convierte en el más joven integrante de una banda de por sí juvenil (con 19 años, Elliot era el mayor). Allen respondió a un artículo llamado “El leopardo pierde piel” en un periódico local de música, en el cual la banda decía que necesitaba un nuevo baterista.

En 1979 comienzan el año con el EP de tres canciones “Getcha Rocks off” que es editado con un prensaje inicial de mil unidades. El material es difundido primero por una radio local para la cual la banda graba seis canciones. A continuación viene una sesión para el prestigioso show de John Peel en la BBC Radio 1. De inmediato la prensa musical identificó la banda como parte importante del resurgimiento del heavy metal británico. El disco es reeditado por Phonogram Records y vende 24 mil copias. El famoso empresario discográfico Peter Martin nota una gran demanda por el disco y, durante el verano, él y el promotor Frank Stuart Brown se convierten en los primeros mánagers del grupo. En agosto, el grupo firma con el sello Vertigo de Phonogram y comienza a grabar su primer álbum, que es completado en solo 18 días en noviembre. Su debut en Vértigo, “Wasted” se inicia en el # 61.

En 1980, el siguiente tema del álbum, “Hello America”, llega al # 45. El 29 de marzo el álbum debut “On through the night” llega al # 15. El grupo abre el show en las giras inglesas de Sammy Hagar y AC/DC y allí conocen a Peter Mensch, un ejecutivo de la agencia represéntate de AC/DC en Nueva York, quien se convierte en el nuevo mánager del grupo y los lleva al difícil mercado norteamericano.

“On Trough the night” llega al # 51 en EE.UU. y en agosto la banda participa en un festival junto a Gillan, Iron Maiden, Krokus, Magnum, Ozzy Osbourne, UFO y Whitesnake. Los fans ingleses reaccionan contra la orientación de la banda hacia el nuevo mercado americano arrojándoles una tremenda lluvia de botellas que los obliga a dejar el escenario. Su nuevo público norteamericano sería, sin embargo, de lejos más receptivo con ellos, lo cual los anima a embarcarse en una gira nacional abriendo para Ted Nugent. Y estos eran solo los primeros rugidos del "Leopardo Sordo".

Def Leppard - "Hysteria"

Def Leppard - "Photograph"

La música es una sola

2008-10-24T11:16:47Z

Hace unos días participé en una conferencia de prensa para presentar por segundo año consecutivo en el Perú un importante evento originado hace varios en Francia, llamado La Fiesta de la Música. Luego de la conferencia departimos con varios amigos y nuevos conocidos y en medio de la conversación salió el tema de la mezcla de géneros musicales y los pros y los contras de esta mixtura. Cuando la conversación se tornó un poco acalorada, les recordé que este tipo de fusión no era nada nuevo y que se daba de la manera más natural en la década del 60, generalmente a través de eventos socioculturales denominados "Matinales", los que eran organizados por colegios, algunas universidades e institutos de enseñanza especializada o preuniversitaria.

]]> Les conté que desde que comencé mi carrera profesional, siempre compartí escenario con artistas de los más variados géneros, con los que incluso he llegado a tener una sólida amistad. Cómo no recordar mi primer encuentro personal con quien, para mí, es uno de los mejores representantes de la música criolla de todos los tiempos, don Luis Abanto Morales, a quien lo primero que le comenté fue que por su culpa yo no fui cantante criollo. Aclaro el punto: cuando escuché una voz alucinante cantando el tema “Trujillanito”, pensé que debía cantar otra cosa porque no había ni hay otra voz como la de ese señor. El tiempo me dio la razón y así tuve mi primer grupo de rock en el colegio.

A comienzos de los sesenta surgieron muchas bandas y solistas que cultivaban la nueva música. Mucha gente ignora la existencia de esas bandas por falta de referentes fonográficos. Ahí tenemos que el Callao, por ejemplo, era semillero de grupos de rock y en 1963 ya había una buena cantidad de bandas chalacas: “Los Delfines”, el primer grupo donde cantó el desaparecido Jean Paul “El Troglodita”; “Cocoloco y sus twisteros”; o “Los Silvertons”, que tomaron su nombre de una popular marca de guitarras eléctricas que vendía en exclusiva la firma Sears Roebuck del Perú.

Pero los primeros en grabar un long play fueron “Los Incas Modernos”, también del Callao. Ubicamos a Héctor Wu Geng, uno de los ex integrantes de la banda, quien recuerda con nostalgia esos momentos. Él era el bajista de la banda y fabricante de la segunda guitarra y el bajo del grupo. Héctor, quien hoy está dedicado a la mecánica y es uno de los mejores preparadores de “Escarabajos” y “Tubulares”, nos cuenta las peripecias que pasaron para grabar su primer LP, el mismo que tenía canciones en su mayoría compuestas por Manolo “Loco” Arias (primera guitarra), quien hoy vive en Estados Unidos con su familia y está entregado a la religión. La excepción en las composiciones musicales fue el tema “Carnavalito”, originalmente un tema folclórico fusionado con rock.
Además de Arias y Wu, “Los Incas Modernos” estaba formado por Luis Bermúdez Molina en segunda guitarra y Hugo Díaz Da Silva en batería.

La guitarra de Manolo, la única de fabricación no casera, era nada menos que una Hofner, la misma marca que el bajo original de Paul McCartney. El amplificador para las guitarras era un Farfisa, el de bajo también fue fabricado por Héctor y la batería era una Roxy. “Los Incas Modernos” eran básicamente un grupo instrumental, y entre las personalidades que los acompañaron como banda de apoyo estaba César “Mono” Altamirano, reconocido internacionalmente como una de las mejores voces peruanas de todos los tiempos. Héctor recuerda mucho la presentación que tuvieron con él en Chosica.

En esas circunstancias fue que conocí a Héctor, recomendado por un amigo, en común para que nos fabricara un bajo para Javier Román, nuestro bajista de Los Doltons (el bajo aún existe y está colgado como trofeo en una pared de la casa de Javier). Una parte del álbum de “Los Incas” fue grabado en los estudios de Iempsa y la en unos estudios caseros que estaban ubicados en el barrio de Santa Beatriz, a una cuadra de lo que es hoy el canal 7.

Otras de las cosas que recordamos con Héctor fueron las matinales y la variedad de géneros artísticos que se presentaban en ellas. Vale la pena señalar que personalmente también viví esa pluralidad de géneros. Recuerdo haber ido de gira con los Shain’s y en el cartel tener a Pedro Miguel y sus Maracaibos, Los Destellos de Javier Delgado (tropical), Pedrito Otiniano (bolero), Cecilia Bracamonte (criollo) y Tulio Loza con Anita Martínez como animadores. Esto prueba que donde hay música siempre hay fiesta.

Los Incas Modernos - Carnavalito

Cosas que pasaron en rocktubre

2008-10-21T06:28:28Z

En la primera semana de rocktubre se han producido hechos muy importantes a través de la historia en el desarrollo de la música. Repasemos los momentos que ya están inmortalizados en la memoria de todos los rockeros.

1 de Octubre

1966 Jimi Hendrix toca en vivo por primera vez en Inglaterra al ser invitado a tocar con Cream en el Politécnico de Londres.
1967 Se lanza al aire la primera edición del programa radial “Top Gear” en la BBC Radio 1. Fue presentado por el legendario John Peel y Pete Drummond, quienes dejaron escuchar a The Move, Traffic, Pink Floyd, Tim Rose y Tomorrow.
1970 Jimi Hendrix fue enterrado en el cementerio Greenwood en la Iglesia Bautista Dunlop, en Seattle. Entre los asistentes estuvieron Miles Davis, Eric Burdon, Johnny Winter y miembros de Derek and The Dominoes.
1977 Elton John se convierte en el primer músico en ser premiado en el Salón de la Fama del Madison Square en Nueva York
1983 La oficina de correos sueca lanza una estampilla de Abba.
2004 El alcalde de Melbourne declara oficialmente abierta la calle AC/DC en homenaje a la legendaria banda australiana. El propio alcalde dio la señal para los aplausos y las gaitas que tocaron la canción de la banda “Long way to the top”.

]]> 2 de Octubre

1972 Led Zeppelin, toca la primera de dos noches con entradas totalmente agotadas en el Budokan Hall, Tokio, Japón.
1977 Los cuerpos de Elvis Presley y su madre Gladys fueron cambiados del cementerio donde fueron enterrados en Graceland luego de un atentado que tenía por objetivo robarlos.
1995 Oasis lanza su segundo álbum (What’s the Story) Morning Glory. Entró al ranking en el # 1.
1996 Un concierto de Pearl Jam en Hartford, Connecticut termina en un gran escándalo cuando la multitud de 30.000 desata una pelea campal.
2002 Robbie Williams firma el contrato más grande en la historia de la discografía mundial al recibir de EMI Records la suma de 136 millones de dólares. Cuando le preguntaron que iba a hacer con todo ese dinero, él dijo “voy a contarlo”.

3 de Octubre

1945 Elvis Presley hace su primera presentación en público en un concurso de talentos en Mississippi, Alabama, cantando “Old Shep”. Elvis tenía 10 años en ese momento y quedó en el segundo lugar del certamen.
1967 Muere el legendario cantante y compositor Woody Guthrie. Fue una gran influencia en Bob Dylan y en la música folk americana. La película de los años 70 llamada “Bound for Glory” está basada en su vida.
1992 Sinead O’Connor rompe una fotografía del papa Juan Pablo II en el show de televisión norteamericano “Saturday Night Live” en protesta por las leyes sobre el aborto. El incidente se produjo luego de su actuación en vivo cuando Sinead sacó repentinamente la foto en mención. Hubo un silencio en el estudio y la estación fue a comerciales. La NBC fue multada con 2 millones y medio de dólares por la Comisión Federal de Comunicaciones.
1999 Muere Akio Morita, el fundador de Sony Electronics, a los 78 años. Uno de sus máximos logros ocurrió en 1979 cuando lanzó el Sony Walkman revolucionando a Sony y a los consumidores alrededor del mundo.
2000 Al asesino de John Lennon, Mark Chapman, se le niega la libertad bajo palabra, luego de pasar 20 años en prisión. Chapman fue entrevistado por 50 minutos por los integrantes del Comité de Libertad Bajo Palabra, quienes concluyeron que soltar a Chapman hubiera “disminuido la seriedad del crimen”.
2000 La primera voz y bajista de The Cars, Benjamin Orr, muere de cáncer a los 44 años.

AC/DC - "Sin City"

Oasis - "Wonderwall"

Rocktubre de cumpleaños

2008-10-17T09:16:13Z

Ya solo falta un año para que Doble 9, nuestra radio rock en Lima, cumpla 30 años en el aire manteniendo su línea original. Siempre en este mes que ellos llamaron Rocktubre los recuerdo, admiro y respeto por haber sido siempre fieles a sus ideas y mantener su esencia intacta. Rocktubre también es un mes especial porque, aunque en diferentes años y generaciones, fue el mes de nacimiento de varias de las estrellas más queridas y recordadas en la historia musical. Saludemos con un happy birthday muy afectuoso a:

1 de octubre
1930 Richard Harris, actor y cantante que se hizo conocido en 1968 por el monumental tema “MacArthur Park”.
1944 Scott McKenzie, cantante que tuvo un éxito en 1967 con el tema “San Francisco, be sure to wear sunflowers in your hair”. También se presentó al cásting para integrar The Monkees.

]]> 2 de octubre
1945 Don McLean, cantante y compositor del # 1 de 1971 “American Pie”, que fue inspirado en la muerte de Buddy Holly.
1950 Mike Rutherford, guitarrista de Genesis, banda que alcanzó el # 1 de 1986 con “Invisible touch”, el # 7 en 1992 con “I can’t dance”, así como seis álbumes # 1 en Inglaterra. Con Mike and the Mechanics logró un # 1 en 1989 con “The living years”.
1951 Sting (Gordon Matthew Sumner), cantante, compositor y bajista de The Police, quienes tuvieron un # 1 en 1983 con “Every breath you take” más otros tres # 1 en Inglaterra. Como artista solista llegó a los 10 primeros lugares en varias oportunidades, tanto en singles como en álbumes.

3 de octubre (gran día para nacer)
1938 Eddie Cochran, cantante y guitarrista, creador del clásico de 1958 “Summertime blues”. Murió en un accidente automovilístico el 17 de abril de 1960.
1941 Ernest Evans “Chubby Checker”, creador de uno de los ritmos más pegajosos de todos los tiempos: el twist. Su voz tiene un estilo único y tuvo una larga secuela de éxitos a partir de 1960. “The Twist” es la única canción que estuvo como # 1 en el ránking de EE.UU. en dos oportunidades, una en 1960 y otra en 1962.
1947 Lindsey Buckingham, guitarrista y cantante de Fleetwood Mac. En 1977 tuvieron un # 1 a nivel mundial con el álbum “Rumours”.
1954 Stevie Ray Vaughan, guitarrista que murió en un accidente de helicóptero el 27 de agosto de 1990. Su familia demandó con éxito a la compañía del transporte aéreo por emplear un piloto no calificado para volar en la niebla y les otorgaron un pago de 2 millones de dólares. Vaughan, aparte de su banda “Double Trouble”, tocó guitarra en el álbum “Let’s dance” de David Bowie.
1962 Tommy Lee, baterista de Motley Crue. Tuvieron un álbum # 1 en EE.UU. en 1989 con “Dr Feelgood”. Es también conocido por sus idas y venidas con la popular Pamela Anderson.
1969 Gwen Stefani, cantante de No Doubt, quienes tuvieron un # 1 en 1997 con “Don’t speak” en singles, y un # 1 en álbumes en 1997 con “Tragic Kingdom”. Como artista solista llegó al # 1 en singles en el 2005 con “Hollaback girl” del álbum “Love, angel, music, baby”.
1978 Jake Shears (Jason Sellards), cantante de Scissor Sisters, quien tuvo un álbum # 1 en el 2004 y un # 12 en singles con “Laura”.

4 de Octubre
1959 Chris Lowe, tecladista con Pet Shop Boys, banda que tuvo un # 1 en singles con “West End girls” y otros 20 singles entre los top 40.

5 de Octubre
1943 Stevie Miller, cantante, guitarrista y compositor que tuvo como # 1 en EE.UU. en 1974 y en Inglaterra en 1990 el single “The Joker”. Gran compositor y productor de discos a quien no se le ha dado la relevancia que merece.
1947 Brian Johnson, cantante de Geordie. Se unió a AC/DC en 1980 luego de la muerte de Bon Scott, con una larga cadena de hits como voz de una de las bandas más queridas de todos los tiempos. Solo el álbum “Back in Black” vendió más de 10 millones de copias.
1954 Bob Geldof, cantante, compositor con “The Boomtown rats”, quienes tuvieron un # 1 en 1979 con “I don’t like mondays” y otros diez top 40. El también fue el organizador de los exitosos festivales benéficos “Band Aid” y “Live 8”.
1961 David Bryson, guitarrista de “Counting Crows” quienes tuvieron el éxito de 1994 “Mr. Jones” y el álbum # 1 de 1996 “Recovering the satellites”.
1978 James Burgon Valentine, vocalista y guitarrista de “Maroon 5”, quienes tuvieron el álbum # 1 del 2004 “Songs about Jane” y el # 1 en singles “She will be loved”.

6 de Octubre
1951 David Hidalgo, cantante y guitarrista de “Los Lobos”, quienes tuvieron el # 1 de 1987 con el cover del clásico “La Bamba” de Ritchie Valens.

7 de Octubre
1945 Kevin Godley, director, baterista, cantante y compositor con un grupo casi legendario llamado “10cc”. En 1975 lanzaron su # 1 “I’m not in love” y otros diez éxitos, incluyendo dos # 1. Hoy es un productor de videos.
1951 John Cougar Mellencamp, cantante compositor con una larga lista de éxitos, como “Jack and Diane”, “Hurts so good” y un álbum # 1 en 1982, “American Fool”.
1953 Tico Torres, baterista de Bon Jovi. Recordamos el # 1 de 1987 “Livin’ on a prayer”.
1959 Nace el odiado y controvertido pero exitoso ejecutivo y productor de discos Simon Cowell, más conocido como el antipático juez de American Idol.
1968 Thom Yorke, vocalista, guitarrista y tecladista de la gran banda Radiohead, grupo con una larga fila de éxitos. Sobresale su álbum de 1997 “Ok computer”. Entre mis favoritos personales está el tema “Creep”.

Esta historia continuará...

Radiohead - "Creep"

No Doubt - "Don't Speak"

Feliz celebración, Sir Cliff

2008-10-13T17:16:36Z

Las generaciones ochenteras lo conocieron por uno de los sucesos musicales de 1979 llamado “We don’t talk anymore” (Ya no hablamos más), el mismo que se vio por primera vez en imágenes en Disco Club, y fue tan importante su trascendencia en el mundo de la música que se le otorgó el título de Sir con los más altos honores jamás recibidos por artista alguno.

Cliff Richard (cuyo nombre original, Harry Rodger Webb, no es familiar para nadie), nació el 14 de octubre de 1940 en Locknow, India, llegando a Inglaterra por primera vez en el barco de guerra SS Ranghi para asentarse en ese nuevo país con sus padres Rodger y Dorothy y hermanas Donella y Jacqueline. En 1952, el joven Webb forma su primer grupo vocal llamado The Quintones. En 1958, junto con el guitarrista Norman Mitham, arma su primera banda de rock and roll con el nombre de Harry Webb & The Drifters. En una de sus actuaciones en una cafetería del distrito de Soho en Londres, son contactados por Ian Samwell, quien se une al grupo como primera guitarra, demostrando también su talento como compositor. Un promotor local se interesa en el grupo pero sugiere cambiar el nombre del cantante, por lo que Harry Rodger Webb es rebautizado como Cliff Richard.

]]> Ese fue el origen del nombre artístico de uno de los más grandes ídolos del rock surgidos en la década del 50 y que se convirtió en una leyenda, por su talento y perseverancia. En este mes Sir Cliff Richard cumple 68 años y el pasado 5 de octubre se cumplieron 50 años de su primera presentación como Cliff Richard and The Shadows en el Victoria Hall de Hanley, Inglaterra.

El 24 de julio de 1958, aún como Cliff Richard and The Drifters, graban “Move it” y “Schoolboy Crush” en el estudio 2 de Abbey Road Studios, Londres. El 9 de agosto, Richard firma con el sello EMI Columbia y deja su trabajo regular. En setiembre se encuentran con Hank Marvin, guitarrista de muy buena reputación, quien acepta unirse a Richard en una gira y le presenta a su socio Bruce Welch, quien también se une como segunda guitarra.

La historia de Cliff Richard se entrecruza de esta manera con la historia de The Shadows, (Marvin y Welch son los fundadores), considerado como uno de los mejores grupos instrumentales de todos los tiempos, y esta fue la primera ocasión en que Cliff comparte escenario con sus amigos de toda la vida, comenzando así una larga sociedad que juntos y por separado ha sido brillante para ambos.

En un capítulo aparte ya hemos contado algo sobre The Shadows, y hoy también son partícipes de esta celebración, pues todos sabemos que es fácil llegar a la cumbre, pero muy difícil mantenerse, y ellos son un ejemplo de que sí se puede lograr.

El 5 de octubre de 1958, Richard and The Drifters (Shadows), formados por Marvin (primera guitarra), Welch (segunda guitarra) Ian Samwell (bajo) y Terry Smart (batería) hacen su primera aparición en el Victoria Hall, en el comienzo de una gira en la que ellos serían teloneros del tour de Kalin Twins por Inglaterra, el cual también incluía al trompetista Eddie Calvert y a The Most Brothers. La reacción de los jóvenes ante Richard fue tan buena que los ya conocidos Kalin Twins, muy populares entonces, se dieron cuenta que sería un acto de primera línea muy pronto.

Resumir la carrera de Cliff Richard es casi imposible, pero recordemos algo más reciente hecho por él. En 1996 presentó la obra musical “Heathcliff”, basada en el personaje de Emily Bronte de la novela “Wuthering Heights” (Cumbres Borrascosas), estableciendo un nuevo récord en la venta de entradas por un valor de 2’305.000 libras esterlinas, vendidas para todo el mes en un solo día de disponibilidad.

En julio de ese año, durante el famoso torneo de tenis de Wimbledon y debido a una demora por las lluvias, Sir Cliff apareció espontáneamente con un micrófono cantando su clásico “Congratulations”. Lo acompañaron como grupo vocal improvisado Gigi Fernández, Pam Shriver y Virginia Wade, y luego cantó “Bachelor boy” acompañado por Martina Navratilova. Los cielos milagrosamente se aclararon durante 20 minutos, permitiendo al defensor del título, Pete Sampras, continuar su partido central. El reconocido Daily Telegraph escribió al día siguiente que el evento sería recordado por siempre como “Cliffstock”.

Cliff Richard - "We Don't Talk Anymore"

Cliff Richards and The Shadows - "Lucky Lips"

Trovador

2008-10-08T06:55:20Z

Es difícil imaginar que nuestros héroes del rock hayan inspirado sus carreras en otros artistas. Pensamos que algunos difícilmente tendrían un antecesor que los hubiera llevado a tener un estilo definitivo, y esa posibilidad es menos imaginable aun en nombres casi legendarios como Eric Clapton o Mark Knopfler. En el caso de Clapton, por supuesto que damos por hecho las influencias de los grandes del blues, antiguos músicos cuyos nombres se pierden en las veredas del tiempo; en el caso de Knopfler, no podemos negar que su guitarreo se orienta mucho a la época de los grandes grupos instrumentales de finales de la década de los 50, como The Shadows o The Ventures.

El nombre de nuestro héroe en este post no es muy popular entre nosotros pues sus canciones más conocidas han sido difundidas a través de covers. Estoy hablando de J.J. Cale, autor de las mundialmente conocidas “After midnight” y “Cocaine”. A continuación, conozcamos más a fondo la trayectoria de este ilustre casi desconocido.

]]> En 1964, Cale ya había agarrado la guitarra en el colegio y había estado en varios grupos en la secundaria y como semiprofesional en bandas como Johnny Cale & The Valentines. Nacido en Oklahoma en 1938, Cale, dejó la Fuerza Aérea de los Estados Unidos a finales de los 50 y viaja a Los Angeles con su amigo Leon Russell para hacer una carrera en el negocio de la música, inicialmente trabajando como ingeniero de sonido con –entre otros- el reconocido productor Snuff Garrett. También toca en el famoso Whisky A –Go-Go (el gerente del local lo llamó J.J.Cale), donde comparte escenario – en la noche de descanso de Johnny Rivers – con Billy Lee Riley. Por un tiempo se muda a Nashville para convertirse en cantante y compositor country, pero no le va bien y regresa a Los Angeles. Allí se une nuevamente con Russell y dos amigos de Oklahoma, Carl Radle y Chuck Blackwell. Mientras cantaba en bares y desarrollaba su talento de compositor, adquiere gran experiencia en estudio como arreglista, productor y guitarrista, trabajando nada menos que con Delaney & Bonnie.

En 1965 graba una versión original de “After midnight”, y dos años después graba un álbum de rock psicodélico, “A trip down Sunset Strip”, junto con Russell y otros músicos agrupados bajo el nombre de The Leathercoated minds. Luego, Cale firma contrato con Liberty Records y graba varios singles con la producción de Garrett, antes de retornar a Oklahoma para construir y grabar en su propio estudio en 1968.

El 29 de setiembre de 1970 Cale comienza a grabar su primer álbum como solista, el cual demoraría cerca de un año en terminar. En diciembre de ese año, el cover de “After midnight” cantado por Eric Clapton llega al # 18 en Estados Unidos.

En enero de 1972, el álbum debut de Cale, “Naturally”, se ubica entre los 50 primeros del ránking de EE.UU. Producido por su amigo y mánager Audie Ashworth, el álbum de doce canciones propias presenta la voz única, rasposa y cruda de Cale junto con su guitarreo intenso, el cual impresionaría a los críticos y distinguiría sus siguientes grabaciones. En junio, Cale graba una nueva versión de su tema “After Midnight” y ese año lanza otros dos singles, “Crazy mama” y “Lies”.

En 1976 es lanzado “Troubadour”, trabajo que incluye otro de sus controvertidos temas, para unos una oda a la droga y para otros un rechazo o advertencia, el ya clásico “Cocaine” que Clapton grabaría como el lado B de “Tulsa Time” en 1980.

En 1979 graba su quinto álbum de estudio y entre 1981 y 1984, grabaría tres álbumes más, manteniendo su banda original y su mezcla de blues, country, jazz y rock and roll: “Shades”, presentando a Leon Russell; “Grasshopper” en 1982 y “8” en setiembre del año siguiente.

Entre lo último que ha grabado están “To Tulsa and back” (2004), y “Collected” y “The road to Escondido” (que contó con la participación de Eric Clapton), ambos en el 2006.

En noviembre de 1994, la revista Pulse recoge un comentario de Cale sobre Mark Knopfler, donde dice: “mi esperanza es que algún día él haga el cover de una de mis canciones en lugar de que las suyas suenen como las mías”.

J.J. Cale - "Magnolia"

J.J. Cale - "After Midnight"

Paranoia

2008-10-05T18:31:31Z

Transcurría la segunda mitad de los 60 y en el ambiente musical se mezclaban cada vez más nuevos elementos que producían sonidos innovadores bastante oportunos con los cambios que se vivían en el planeta. Creo que uno de los cambios más impactantes se da en la música cuando el monstruo despertó de su largo sueño. Un monstruo lleno de sorpresas que nos transportó desde el comienzo a percepciones extrasensoriales, tanto que bastaba cerrar los ojos al escuchar su música para trasladarse a otra dimensión. Hoy quiero compartir con ustedes este pequeño homenaje a una de mis bandas favoritas.

]]> Anthony Iommi (guitarra), William Ward (batería) Terence Butler (bajo) y John Osbourne (vocales) -más adelante llamados simplemente Tony, Bill, “Geezer” y Ozzy- se conocen en su época colegial y forman una banda llamada Polka Tulk, nombre que pronto cambiarían a Earth. Ellos tocaban una fusión de jazz con blues, llevando su show por todo el Reino Unido y el resto de Europa, donde casi rompen el récord de permanencia de The Beatles en el Star-Club de Hamburgo, Alemania.

En enero de 1969, usando el raro nombre de Big Bear Folly y combinando integrantes de varios grupos, hacen su debut en un local de Birmingham. En febrero de ese mismo año se presentan en Londres en el legendario Club Marquee. Alentados por su manager Jim Simpson, Earth cambia su nombre a Black Sabbath (el título de una canción compuesta por Polka Tulk e inspirada por el gran interés de Butler en las obras del popular escritor de novelas de magia negra Dennis Wheatley) y estrenan una adecuada imagen macabra. El cambio de nombre también obedece a que reciben una notificación judicial desde Estados Unidos porque el nombre ya estaba registrado por otra banda. En diciembre, luego de un año de constantes giras en el que ganan una tremenda cantidad de seguidores, el grupo firma con la subsidiaria de discos Philips, Fontana Records.

En enero de 1970 se produce el lanzamiento debut de la banda, “Evil woman” (don’t play your games with me), un cover del tema original de 1969 grabado por el grupo americano Crow. En marzo, el grupo toma parte en un concierto benéfico para la “Campaña por el Desarme Nuclear” en el Parque Victoria de Londres, compartiendo escenario con Toe Fat, Liverpool Scene, J.J. Jackson’s Dilemma y el famoso DJ John Peel (quien muriera trágicamente en nuestros nevados andinos hace pocos años). En abril lanzan su primer álbum, “Black Sabbath”, como parte del catálogo del nuevo sello de rock progresivo de Philips llamado Vertigo. Este primer álbum había sido grabado en solo dos días y a un costo mínimo de 600 libras esterlinas con el productor Rodger Bain. Lleno de mensajes ocultos, el álbum llega a los diez primeros en Inglaterra, permaneciendo en lugares importantes por cinco meses. En octubre, el segundo álbum, “Paranoid”, presenta varios de los temas favoritos que ellos hacían en vivo en los comienzos de la banda, incluyendo “War Pigs”. Este trabajo llega al # 1 como álbum mientras el sencillo Paranoid llega al # 4. Ambas se convertirían en sus grabaciones más duraderas y serían proclamadas como clásicos en la evolución del heavy-metal rock. En diciembre, luego de una gira por universidades de EE.UU., el álbum “Black Sabbath” lanzado en Estados Unidos por Warner Bros. llega al puesto 23 (permaneciendo allí por 65 semanas), mientras Paranoid llega al # 61.

La banda permaneció con su formación original y continuó grabando exitosos álbumes hasta llegar a 1976, año en que graban el álbum “Technical Ecstasy” que marca la salida de la banda de Ozzy Osbourne de la banda (noviembre de 1977) debido a fricciones internas. Ozzy es reemplazado en actuaciones en vivo por el ex cantante de Savoy Brown, Dave Walker. Las idas y venidas de Osbourne continúan hasta nuestros días, pero pase lo que pase, ellos dejaron para siempre su marca en la historia del heavy metal. Feliz cumpleaños, Maestros de la Realidad.

Black Sabbath - "Paranoid"

Black Sabbath - "War Pigs"

Impugnemos al presidente

2008-10-01T06:54:44Z

No salten de sus asientos ni abran los ojos hasta no saber por qué este post tiene este título. Déjenme contarles. Nuestra historia comienza en julio de 1968 cuando una de las bandas más importantes de aquel entonces se separa y sus integrantes se dedican a realizar sus proyectos soñados. El grupo disuelto se llamaba The Buffalo Springfield y era dueño de un estilo que sus integrantes, por su cuenta, hicieron prevalecer a través de los años. Stephen Stills (guitarra y voz) siguió trabajando en sus planes futuros con Atlantic Records (acababa de rechazar el puesto de cantante principal en “Blood, sweat & tears”), y David Van Cortland (verdadero nombre de David Crosby, ex The Byrds) contacta a Graham Nash, quien estaba de gira por Estados Unidos con su reconocido grupo The Hollies de Inglaterra, y quien fue presentado a Crosby dos años antes por Mama Cass Elliot (The Mamas and The Papas). Se reúnen los tres, todos con una experiencia musical sustancial y una historia de éxitos, y en medio de una sesión de improvisaciones (jamming) deciden formar un grupo. En agosto, el famoso ejecutivo discográfico David Geffen, al frente de Atlantic Records, comienza los procedimientos legales y contractuales necesarios para incorporarlos al sello. Crosby, Stills & Nash viajan a Inglaterra para componer y ensayar en Londres ( y para que Nash pudiera terminar sus compromisos con The Hollies). El 8 de diciembre, en una emotiva ceremonia y concierto de caridad en el London Palladium, Graham Nash deja su querida banda para emprender la nueva aventura.

]]> El 15 de enero de 1969, luego de largas sesiones de ensayo, el trío firma su contrato con Atlantic. Viajan a California para comenzar a grabar. En junio es realizado su álbum debut Crosby, Stills & Nash, vendiendo dos millones de copias en un año en Estados Unidos. Para su primera gira americana, el grupo necesitaba músicos para completar la formación usada en el álbum en el cual Stills y el baterista del grupo Clear Light, Dallas Taylor, habían tocado la mayoría de partes instrumentales. El director general del sello sugirió a Neil Young (nacido en Toronto, Canadá), quien aceptó unirse inicialmente de manera free lance como primera guitarra y apoyo de voces, siempre y cuando su trabajo aparte con su grupo “Crazy Horse” no fuera afectado. Como bajista se quedó Greg Reeves. (John se quedaría como miembro a tiempo completo, pero su llegada comenzaría una cadena de rupturas y reuniones en el grupo durante los próximos 20 años dado el espíritu independiente de sus cuatro miembros).

El 16 de agosto de 1969 quedarían para siempre en la memoria colectiva de las siguientes generaciones pues actuaron por segunda vez en el “Woodstock Music & Art Fair” en Bethel, en Nueva York, comenzando su actuación de manera acústica Crosby, Stills & Nash, y luego uniéndose Young y la banda para la parte eléctrica.

Han pasado 40 años y CSNY nos sorprende con un nuevo disco llamado “Déjà Vu Live”, recordando el título de su segundo álbum “Déjà Vu”, el primero en el que participa Neil Young. Este es un CD que vale la pena porque es el testimonio de cuatro espíritus libres, comprometidos con la historia de su país y con la transparencia y libertad que da el maravilloso don de la composición. El tema principal se llama “Let’s impeach the President” (Impugnemos al presidente) y la estrofa inicial dice “… impugnemos al Presidente por mentir y conducir a nuestro país a la guerra, y abusando del poder que le dimos y tirando nuestro dinero por la puerta…”.

Es un disco comprometido indudablemente y muestra el legado de cuatro hombres respetuosos de su generación. Musicalmente impecable, creo que es el disco de más compromiso de la banda con sus ideales políticos, conteniendo canciones conocidas y otras nuevas. Inclusive está el tema que Stephen Stills compuso con Richard Furay “For what it’s worth” cuando integraban The Buffalo Springfield. Evidentemente hay cierto desgaste en la parte vocal, pero que es imperceptible por el trabajo total del disco.

Crosby, Stills, Nash & Young - "Déjà Vu"

Crosby, Stills, Nash & Young - "Down By The River"

Tres hombres

2008-09-28T07:30:28Z

Foto: AP

En un canal de cable especializado en películas memorables (aunque también hay de las otras) alcancé a ver un fragmento de uno de los tantos bodrios que el ‘Coronel’ hizo filmar a Elvis Presley. Justo vi las secuencias donde Elvis canta un temita muy pegajoso y cuya base rítmica es una fusión entre el rock y la música brasileña. El tema dio nombre a la película “Viva las Vegas”. Esto sirvió para buscar en mi discoteca la poderosa versión de este tema realizada por uno de mis grupos favoritos de todos los tiempos, versión que le cambió totalmente el sentido a una canción aparentemente light. Esta fue solo una muestra de cómo un estilo puede ayudar a prevalecer a una banda después del tiempo, y estoy hablando de los llamados “Tres Hombres de Texas”, los increíbles ZZ Top

]]> Mi primer asomo a la música de ZZ Top ocurrió en 1970 cuando yo formaba parte de los Pepper Smelter y uno de nuestros invitados especiales en la guitarra era el hoy reconocido Richie Zellon. Ensayábamos a veces en la casa de Richie, y a menudo nos hacia escuchar bandas que para nosotros eran marcianas en esa época pero que el tiempo convirtió en leyendas. Además de ZZ Top, Richie nos presentó a Blues Image, Grand Funk Railroad, Moby Grape, Illinois Speed Press, The Flock y otras que permanecerían como traumas memorables en nuestra memoria musical. Recuerdo que ya en los 70 llegué a grabar con El Humo un single, cover de ZZ Top, al que llamé “Rumbo a la frontera”. En ese entonces El Humo estaba compuesto también por Saúl (guitarra), Manuel Cornejo (batería) y Ernesto Samamé (bajo). Más de medio We All Together.

El blues de ZZ Top fue diferente desde los comienzos. En 1967 Billy Gibbons (guitarra y voz) recibió de regalo una guitarra Gibson Melody Maker y un amplificador Fender Champ por su cumpleaños número 14. Entonces forma varias bandas locales en Houston, incluyendo The Saints, The Coachmen y The Ten Blue Flames. Mientras tanto, Dusty Hill (bajo y voz) se hizo muy amigo del gran guitarrista Freddie King y se unió a la banda The Deadbeats junto con su hermano mayor, Rocky. Frank Beard (batería) se acababa de casar con su novia de la escuela a la temprana edad de 15 años (unión pronto disuelta) y había comenzado a tocar batería en 1964. Los hermanos Hill entonces forman The Warlocks, grabando unos singles en sellos locales con relativo éxito.

En 1968, The Warlocks, cambian de nombre a American Blues, grabando dos álbumes (The American Blues is here on Karma y The American Blues do their thing) para discos Uni. En junio, The Moving Sidewalks, la banda sicodélica formada por Gibbons con Lanier Gregg (bajo) y Dan Mitchell (batería) que había conseguido algunos éxitos locales como “99th floor” y “Need me”, abren el show nada menos que para Jimi Hendrix Experience.

En 1969, cuando ambas bandas se separan, Gibbons busca integrantes para una banda de rock boogie, Z.Z. Top. El nombre permanente fue inspirado cuando Gibbons vio dos zetas brillando en un par de puertas al pasar por un granero. Beard es reclutado, al igual que el bajista Billy Etheridge, quien se va al poco tiempo permitiendo Hill se uniera a la banda. Gibbons también convoca a su genio de promoción Bill Ham, quien se convertiría en el mánager y productor de larga trayectoria. ZZ Top lanza su single de debut “Salt Lick”.

En 1970 comienza el verdadero despegue cuando graban su álbum debut “ZZ Top’s first album”. La banda inicia un período de 7 años de giras, los cuales le darían las bases para incrementar las ventas en los años siguientes. Ellos serían teloneros de muchos consagrados como Janis Joplin, Humble Pie, Ten years after, y Mott The Hoople, y también abrirían para un show de músicos negros con Muddy Waters, Freddie King y Howlin’ Wolf. Aquí comienza la verdadera historia de esta ya legendaria banda de músicos blancos con alma negra que formaron a toda una generación con su música innovadora y a la vez tradicional. En 1971, Ham firmaría contrato con ZZ Top para más de 300 presentaciones en los años siguientes. La leyenda continúa.

ZZ Top - "Viva Las Vegas"

ZZ Top - "Blue Jean Blues"

La banda de los dioses

2008-09-23T16:21:19Z

La semana que pasó tuvo días de contraste, con penas y alegrías. El momento más aciago se produjo cuando nos enteramos que la música había perdido a uno de sus grandes obreros. Aunque muchos medios ya se han referido con detalles a su triste desaparición, no es una redundancia mencionar unas palabras sobre el hombre quieto de Pink Floyd, Richard Wright, conocido simplemente como Rick.

]]> En 1965, Rick era estudiante de arquitectura en el Politécnico de la calle Regent y fue ahí donde conoció a Roger Waters y a Nick Mason, formando el grupo Sigma 6 junto con Clive Metcalf (bajo), Juliette Gale (la futura esposa de nuestro desaparecido amigo) y Keith Noble (voz), cambiando luego el nombre a “Architectural Abdabs”. Waters invitó a su vecino amigo y estudiante de la escuela de arte, Syd Barrett (Roger Keith Barret) a unirse al trío en una nueva banda, a la cual Barret nombra como The Pink Floyd Sound por los blueseros de Georgia, Pink Anderson y Floyd Council. A finales de año, habiéndole quitado la palabra Sound al nombre, tocan por primera vez en el Club Countdown en Londres. Esto fue solo el principio que dio origen a una de las bandas hechas para tocar en el cielo.

La contraparte de esta historia la constituye Electric Prunes, una de las bandas más adelantadas a su tiempo, surgida en febrero de 1967 pero que desafortunadamente para nosotros duró muy poco. Voy a contarles su corta biografía porque creo que deben incluirla en esa galería especial de quienes han aportado algo a la historia de la música.

Habiendo pasado 1964 tocando en Hawái en una banda de bluegrass James Lowe (guitarra, autoharp, voces) regresa a Los Ángeles en 1965 y forma el quinteto Electric Prunes con Weasel Spagnola (guitarra rítmica), asegurándose un contrato de grabación con el ya prestigioso sello Reprise (Trini López, Jimi Hendrix, etc.), el cual había lanzado el primer tema de la banda, “Ain’t It Hard” en mayo el año anterior. Pero el éxito llegó con el tema orientado a la psicodelia “I had too much to dream” (last night) (escrito por el dúo femenino Annette Tucker / Nancie Mantz), el cual llega a los diez primeros en Estados Unidos y a los 50 en Inglaterra. El 16 de abril de 1967, el grupo es invitado al show de televisión de la CBS “The Smothers Brothers Comedic Hour”.

El 6 de mayo lanzan su álbum debut “The Electric Prunes”. En disco single lanzan “Get me to the World on time”, de los mismo compositores, también con buenas ubicaciones. A finales de año el grupo hace una pequeña gira de conciertos por Europa.

En enero de 1968 ingresan al grupo (en ese entonces un quinteto) muchos otros músicos, necesarios para hacer realidad un megaproyecto que tenía la banda bajo la manga, el cual consistía en una transposición de una misa católica adaptada al rock electrónico, escrita y arreglada por David Axelrod. Era la innovadora “Misa en fa menor” (Mass In F minor). No fue un récord de venta pero permaneció como un álbum de culto muy popular de la época. Luego de lanzarlo, los miembros originales del grupo se separan, pero Axelrod mantiene el nombre vivo con los músicos adicionales que tocaron en el álbum. Después grabaría una obra similar llamada “Release of an oath” con la formación de Mark Kinkaid (guitarra, voces), Ron Morgan (guitarra), Brett Wade (bajo, flauta, voces), John Herren (teclado) y Richard Whetstone (batería, guitarra, voces). El disco final de la banda, “Just good old rock’n’roll”, es lanzado en mayo de 1969 y al poco tiempo se produce la salida de Herren y Axelrod, cerrando la breve historia musical de la banda. Vale la pena una búsqueda de este material.

Electric Prunes - "I Had Too Much To Dream (Last Night)"

Electric Prunes - "Great Banana Hoax"